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Kino-Filme

 

Ein Kino-Auditorium oder auch Kino genannt ist ein Veranstaltungsort, in der Regel ein Gebäude, das ein Auditorium für Filme, für beste neue Filme Unterhaltung enthält und steht. Die meisten, aber nicht alle, Kinos sind kommerzielle Operationen Catering für die breite Öffentlichkeit, die durch den Kauf eines Tickets zu besuchen. Einige Kinos werden jedoch von gemeinnützigen Organisationen oder schöne Filme Liste für Gesellschaften betrieben, die Mitglieder einen Mitgliedsbeitrag berechnen, um Filme anzusehen.

 

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Filme online

 

 

Der Film wird mit einem Filmprojektor auf eine große Leinwand an der Vorderseite des Auditoriums projiziert, während der Filme, Serien und Musik – Dialog, die Töne und die Musik durch eine Anzahl von Wand-Lautsprecher gespielt werden. Seit den 1970er Jahren wurden Subwoofer für tiefe Töne verwendet. In den 2010er Jahren sind die meisten Kinos für digitale Kinoprojektionen ausgestattet, wodurch die Notwendigkeit, die besten Tierfilme – Filmdrucke auf einer schweren Rolle zu erzeugen und zu transportieren ist.

 

 

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Eine Vielzahl von Filmen werden in Kinos gezeigt, angefangen mit der Top Filme Liste von Animationsfilmen für Kinder, Blockbuster für allgemeine beste Filmreihen – Zuschauer und Dokumentarfilme für Gönner, die sich für Sachbuch-Themen interessieren. Die kleinsten Kinos haben einen einzigen Fernsehraum mit einem einzigen Bildschirm. In den 2010er Jahren haben die meisten Kinos mehrere Bildschirme. Die größten Theaterkomplexe, die man Multiplexe nennt – ein Filme, Serien und Musik – Design, das in den 1960er Jahren in den USA entwickelt wurde – haben bis zu 25 Bildschirme. Hier zeigen wir euch die besten Fernseher für den perfekten Filmabend.

 

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Filme

 

 

Die Zuschauer sitzen typischerweise auf gepolsterten Sitzen, die in den meisten Filme, Serien und Musik – Theatern auf einem schrägen Boden mit dem höchsten Teil auf der Rückseite des Theaters aufgestellt werden. der beste Film aller Zeiten – Filmtheater in der Regel verkaufen Softdrinks, Popcorn und Süßigkeiten und einige Theater verkaufen auch heiße Fast-Food. In einigen Gerichtsbarkeiten, Kinos sind lizenziert, um alkoholische Getränke zu verkaufen. Die 10 besten Filme gibt es hier zu kaufen.

 

 

Filme HD

 

 

Das Fox-Theater in Atlanta, Georgia hat ein altmodisches Leuchtreklame und beherbergt die beliebtesten Filme aller Zeiten.
Ein Kino kann auch als Kino, Filmhaus, Filmhaus, Filmtheater oder Bilderhaus bezeichnet werden. In den USA ist das Theater seit langem die bevorzugte Filme, Serien und Musik – Schreibweise, während in Großbritannien, Kanada und anderswo es Theater ist.

 

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Jedoch entscheiden sich einige US-Theater für die coolsten Filme, die britische Rechtschreibung in ihren eigenen Namen zu verwenden, eine Praxis, die von der National Association of Theatre Owners unterstützt wird, während abgesehen von Nordamerika die meisten englischsprachigen Filme, Serien und Musik – Länder den Begriff Kino / sɪnᵻmə /, alternativ buchstabiertes und ausgeprägtes Kino verwenden /kɪnᵻmə/.

 

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Die 100 besten Filme aller Zeiten

 

 

Die letzteren Filme, Serien und Musik – Ausdrücke, sowie ihre abgeleitete Adjektive „kinematisch“ und „Filme“, letztlich leitet sich aus dem Griechischen κινῆμα, κινήματος (Kinos, Kinematos) – „Bewegung“, „Bewegung“. In den Ländern, in denen diese bekannte Filme – Begriffe verwendet werden, ist das Wort „Theater“ normalerweise für Liveaufführungsorte reserviert.

 

 

Filme Noi

 

 

Umgangssprachliche Ausdrücke, die überwiegend auf Kinofilme und Kinosysteme angewendet werden, umfassen die silberne Leinwand (früher mal Blatt) und die große Leinwand (im Gegensatz zum kleineren Filme, Serien und Musik – Bildschirm eines Fernsehers). Spezifisch für nordamerikanischen Begriff ist die Filme, während spezifische Begriffe in Großbritannien sind die Bilder, die Flicks und für die Anlage selbst die Flohgrube (oder Fleapit). Ein Screening-Raum ist ein kleines Theater, oft ein privates, wie für die besten Filme der Welt – Nutzung der Beteiligten an der Produktion von Filmen oder in einem großen privaten Wohnsitz.

 

 

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Die Etymologie des Begriffs „Filmtheater“ bezieht sich auf den Begriff „Film“, der eine „verkürzte Form des bewegten Bildes im kinematographischen Sinne“ ist, die erstmals im Jahre 1896 und „Theater“ verwendet wurde. Der Filme, Serien und Musik – Begriff „Theater“ stammt aus dem altfranzösischen Wort „Theater“, aus dem 12. Jahrhundert und „… direkt aus dem 14. Jahrhundert Lateinisches Theatrum [das bedeutete] Spielhaus, Theater; Stufe; Zuschauer in einem die schönsten Filme – Theater „, die wiederum aus dem griechischen Wort“ theatron „, was bedeutet“ Theater; Die Leute im Theater; Eine Show, ein Spektakel, oder buchstäblich“ Ort für die Betrachtung. „Die Verwendung des Wortes“ Theater „zu einem“ Gebäude, wo Theaterstücke gezeigt werden „, datiert aus den 1570er Jahren in der englischen Sprache.

 

 

Magische Laterne

 

 

Die frühesten Vorläufer der Filme waren magische Laterne zeigt. Magische Laternen verwendeten ein Glasobjektiv, einen Verschluss und eine leistungsfähige Lampe, um Bilder von den Glasplättchen auf eine weiße Wand oder einen Bildschirm zu projizieren. Diese Folien wurden ursprünglich von Hand bemalt. Die witzigsten Filme – Erfindung der Argand-Lampe in den 1790er Jahren, Rampenlicht in den 1820er Jahren und die intensive Lichtbogenlampe in den 1860er Jahren erhöhten die Helligkeit der Bilder. Die magische Laterne könnte rudimentäre bewegte Bilder projizieren, was durch die Verwendung verschiedener Filme, Serien und Musik – Arten von mechanischen Schlitten erreicht wurde.

 

 

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Typischerweise würden zwei Glasschieber, einer mit dem stationären Teil des Bildes und der andere mit dem zu bewegenden Filme, Serien und Musik – Teil, übereinander gelegt und zusammen projiziert, dann würde der bewegliche Schieber entweder direkt betätigt werden, oder mittels eines Hebels oder eines anderen Mechanismus. Chromotrop-Objektträger, die augenschauende Darstellungen von kontinuierlich zirkulierenden abstrakten geometrischen und beliebtesten Filme – Mustern und Farben erzeugten, wurden mittels eines kleinen Kurbel- und Rollenrads betrieben, das eine Glasscheibe drehte.

 

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Klassiker Filme

 

 

Nach der weitverbreiteten Verfügbarkeit von Fotografietechnologien nach der Mitte des 19. Jahrhunderts wurden später noch Filme, Serien und Musik – Fotos verwendet. Magic Laterne Shows wurden oft auf Messen oder als gute Abenteuerfilme – Teil der Magie zeigt. Eine magische Laternenschau auf der Weltausstellung von 1851 sorgte für eine Sensation im Publikum.

 

 

Stummfilm

 

 

Das Berliner Wintergarten-Theater war der Ort des ersten Filme, Serien und Musik – Kinos, mit einem kurzen Stummfilm von den Skladanowsky Brüdern im Jahre 1895 präsentiert. L’Idéal Cinéma in Aniche, am 23. November 1905 in der Stummfilmzeit eröffnet und die neuesten Filme ist das älteste noch aktive Kino der Welt. Der nächste wichtige Schritt in Richtung Filme war die Entwicklung eines Verständnisses der Bildbewegung. Simulationen des Bewegungsdatums bis 1828, als Paul Roget das Phänomen entdeckte, das er „Persistenz der Vision“ nannte.

 

 

 

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Roget zeigte, dass, wenn eine Serie von Standbildern schnell vor dem Auge eines Betrachters dargestellt wird, sich die Bilder zu einem registrierten Bild verschmelzen, das die Bewegung, eine optische Täuschung, zu zeigen scheint, da sich das Bild nicht wirklich bewegt. Diese Erfahrung wurde auch durch die schönsten Filme der Welt –  Einführung des Thaumatrope von Roget demonstriert, einer Filme, Serien und Musik – Vorrichtung, die eine Scheibe mit einem Bild auf ihrer Oberfläche mit einer ziemlich hohen Geschwindigkeit drehte. Der erste französische Lumière-Brüder (Louis und Auguste Lumière), der im Jahre 1894 gedrehte Sortie de l’usine Lumière de Lyon, gilt als der erste wahre Film.

 

 

 

Gute Filme

 

 

 

Von 1894 bis Ende der 1920er Jahre zeigten Kinos Stummfilme, die Filme ohne synchronisierten Ton oder Dialog waren. In Filme Top Ten – Stummfilmen für die Unterhaltung wurde der Dialog durch gedämpfte Gesten, Mime und Titelkarten übertragen, die eine schriftliche Andeutung der Handlung oder des Schlüsseldialogs enthielten. Die Idee, Filme mit aufgenommenem Klang zu kombinieren, ist fast so alt wie der Film selbst, aber aufgrund der technischen Herausforderungen wurde der synchronisierte Filme, Serien und Musik – Dialog erst in den späten 1920er Jahren mit der Perfektion des Audion Verstärkerrohres und der Film Bewertungsportal – Einführung des Vitaphone Systems praktisch umgesetzt . Bei Stummfilmen, einem Pianisten, Theaterorganisten oder großen Städten spielte sogar ein kleines Orchester oft Musik, um die Filme zu begleiten. Pianisten und Organisten würden entweder aus Noten spielen oder improvisieren; Ein Orchester würde von Noten spielen.

 

 

 

Tonfilm

Illustration eines Theaters von hinten rechts der Bühne. An der Vorderseite der Bühne hängt ein Filme, Serien und Musik – Bildschirm mit dem projizierten Bild eines Smokingmenschen, der einen Text hält und aufführt. Im Vordergrund ein Grammophon mit zwei Hörnern. Um die Top 100 Filme – Hintergründe sitzt ein großes Publikum auf Orchesterebene und auf mehreren Balkonen. Die Worte „Chronomégaphone“ und „Gaumont“ erscheinen an der Unterseite der Abbildung und umgekehrt an der Oberseite der Projektionsfläche.

 

 

Top Filme

 

 

 
1908 Plakatwerbung Gaumonts Tonfilme. Das die geilsten Filme der Welt für große Hallen konzipierte Chronomégaphone setzte Druckluft ein, um den aufgenommenen Klang zu verstärken.
Ein „Talkie“ oder Tonfilm ist ein Film mit synchronisiertem Ton oder Ton, der technologisch mit dem Bild verbunden ist, im Gegensatz zu einem Stummfilm. Die erste bekannte öffentliche Ausstellung der projizierten Filme, Serien und Musik – Tonfilme fand in Paris im Jahr 1900 statt, aber Jahrzehnte verstrichen, bevor Tonbewegungen kommerziell praktisch gemacht wurden. Eine zuverlässige Synchronisation war mit den frühen Sound-on-Disc-Systemen schwer zu erreichen, und die Verstärkungs- und Aufzeichnungsqualität war ebenfalls unzureichend.

 

 

 

Beste Filme aller Zeiten

 

 

 

Innovationen im Sound-on-Film führten zum ersten kommerziellen Screening von Kurzfilmen mit der Technologie, die im Jahre 1923 stattfand. Die primären Schritte in der Top 100 beste Filme – Kommerzialisierung des Klangkinos wurden Mitte der späten 1920er Jahre getroffen. Zuerst waren die Klangfilme, die den synchronisierten Dialog – „sprechende Bilder“ oder „Talkies“ – enthalten, ausschließlich Shorts; Die frühesten Feature-Länge Filme mit aufgenommenen Filme, Serien und Musik – Ton enthalten nur Musik und Effekte.

 

 

Die besten Abenteuerfilme

 

 

 

Der erste Spielfilm, der ursprünglich als die bekanntesten Filme – Talkie präsentiert wurde, war The Jazz Singer, veröffentlicht im Oktober 1927. Ein großer Hit, wurde es mit Vitaphone gemacht, das damals die führende Marke der Sound-on-Disc-Technologie war. Sound-on-Film, würde jedoch bald der Standard für sprechende Filme, Serien und Musik – Bilder werden. In den frühen 1930er Jahren waren die Talkies ein globales Phänomen.

 

 

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In den Vereinigten Staaten halfen sie, Hollywoods Position als eines der weltweit mächtigsten kulturellen / kommerziellen Systeme zu sichern (siehe Kino der Vereinigten Staaten). In Europa (und in geringerem Maße auch anderswo) wurde die neue beste Filme DVD – Entwicklung von vielen Filmemachern und Kritikern mit Argwohn behandelt, die besorgt waren, dass ein Fokus auf den Dialog die einzigartigen ästhetischen Tugenden des tonlosen Kinos untergraben würde. In Japan, wo die populäre Filmtradition integrierte Stummfilm und Live-Gesang Performance, sprechen Bilder waren langsam zu verfilmen. In Indien war der Klang das transformative Element, das zur raschen Filme, Serien und Musik – Expansion der Filmindustrie führte.

 

 

 

Film-Design

 

 

 

Innenraum des Hoyts Southbank Kinos Auditorium in Australien, mit Stadion Sitzplätze, akustische Filme, Serien und Musik – Wandbehänge, Wand-Lautsprecher und Becherhalter. Innenraum eines 1950er-Stil Bildende Kunst Filmtheater Auditorium. Ein niedriger Betrachtungsfußboden wird für lohnenswerte Filme verwendet.

 

 

 

Die lustigsten Filme

 

 

 

Ein typischer raked (Schräge) Boden für ein Film-Auditorium, die allen Zuschauern einen klaren Blick auf den Bildschirm gibt. Traditionell besteht ein Kino wie ein Bühnentheater aus einem einzigen Auditorium mit bequemen Sitzpolstern sowie der lustigste Film der Welt und einem Foyerbereich mit einer Kasse für den Kauf von Eintrittskarten. Filmtheater haben auch oft einen Schalter und / oder Self-Service-Einrichtungen für den Kauf von Snacks und Getränken in der Kino-Lobby, Filmplakate, Arcade-Spiele, Kinoprogramme, Theater Eingänge, Eingangshallen, Eingang Zeichen und Waschräume. Bühne Theater sind manchmal in Kino umgewandelt, indem Sie einen Bildschirm vor der Bühne und Hinzufügen eines Projektors; Diese Umwandlung kann dauerhaft oder vorübergehend für Filme, Serien und Musik – Zwecke wie zum Beispiel Arthouse-Tarif für ein Publikum, das an Spiele gewöhnt ist.

 

 

 

Beste Liebesfilme

 

 

Die vertrauten Eigenschaften von relativ geringem Eintritt und offenen Sitzen kann auf Samuel Roxy Rothafel, ein frühes Kino impresario verfolgt werden. Viele dieser frühen Filme, Serien und Musik – Theater enthalten einen Balkon, ein erhöhtes Niveau über dem Auditorium über den hinteren Sitzen des Theaters. Die 100 besten Filme der Welt rückwärtigen Hauptboden „loge“ Sitze waren manchmal größer, weicher und breiter beanstandet und verkauften für einen höheren Preis.

 

 

Die neuesten Kinofilme

 

 

 

Bei herkömmlichen Flachbettsofas besteht die bevorzugte Sitzanordnung darin, gestaffelte Filme, Serien und Musik – Reihen zu verwenden. Während eine weniger effiziente Nutzung der Bodenfläche dies ermöglicht eine etwas verbesserte Sichtlinie zwischen den Schirmherren in der nächsten beste Filme Top 100 – Reihe auf dem Bildschirm sitzend, sofern sie nicht aufeinander zu lehnen.

 

 

Film Klassiker

 

 

„Stadium Sitzplätze“, beliebt in modernen Filme, Serien und Musik – Multiplexen, tatsächlich stammt aus den 1920er Jahren. Die 1922 Princess Theatre in Honolulu, Hawaii featured „Stadion Sitzplätze“, scharf geharkt Sitzreihen von vor dem Bildschirm zurück in Richtung der Decke. Es gibt Patronen eine klare die besten Klassiker Filme – Sichtlinie über die Köpfe der vor ihnen sitzenden. Moderne „Stadionsitzplätze“ wurden in IMAX-Theatern, die sehr hohe Leinwände haben, ab Anfang der 1970er Jahre genutzt.

 

 

 

Top Ten Filme

 

 

 

Reihen von Sitzen werden durch einen oder mehrere Gänge geteilt, so dass es selten mehr als 20 Sitzplätze in einer Filme, Serien und Musik – Reihe gibt. Dies ermöglicht einen leichteren Zugang zu Sitzplätzen, da der Raum zwischen den Reihen sehr schmal ist. Je nach dem Winkel der Sitze, haben die Gänge Schritte. In älteren Theatern wurden häufig Ganglampen in die Endsitze jeder Reihe eingebaut, um den Schirmherren zu helfen die besten Comedy Filme aller Zeiten, um ihren Weg in der Dunkelheit zu finden. Seit dem Aufkommen der Stadiontheater mit abgestuften Gängen kann jeder Schritt in den Gängen mit kleinen Lichtern umrissen werden, um zu verhindern, dass Schirmherren im verdunkelten Theater ausgelöst werden.

 

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Besten Filme der letzten 10 Jahren

 

In Kinos, kann das Filme, Serien und Musik – Auditorium auch Lichter, die auf ein niedriges Niveau gehen, wenn der Film wird beginnen. Theaters haben häufig Aufstiegssitze für Kinder und andere kurze Leute, zum auf den Sitz zu setzen, höher zu sitzen, für eine bessere Ansicht. Viele moderne Theater und die sehenswertesten Filme haben zugängliche Sitzbereiche für Gönner in Rollstühlen. Siehe auch Luxusbildschirme unten.

 

 

 

 

Multiplex Kinos und Megaplex Filmtheater

Kanada war das erste Land in der Welt, um ein Zwei-Bildschirm-Theater haben. The Elgin Theatre in Ottawa wurde der erste Ort, um zwei Film-Programme auf verschiedenen Filme, Serien und Musik – Bildschirmen im Jahr 1957 bieten, wenn kanadische Theater-Besitzer Nat Taylor konvertiert das Dual-Screen-Theater in einem fähig, zwei verschiedene Filme gleichzeitig. Taylor wird von kanadischen Quellen als die besten Tanzfilme aller Zeiten – Erfinder des Multiplex oder Cineplex gutgeschrieben; Gründete er später die Cineplex Odeon Corporation und eröffnete damit das weltweit größte Toronto Eaton Center Cineplex in Toronto, Kanada.

 

 

 

Gute neue Filme

 

 

In den Vereinigten Staaten wird Stanley Durwood von American Multi-Cinema (heute AMC Theatre) als Pionier des Multiplexes im Jahr 1963 gutgeschrieben, nachdem er erkannt hatte, dass er mehrere angeschlossene Auditorien mit demselben die besten Filme auf Blu Ray – Personal bedienen konnte, das für eine durch sorgfältige Filme, Serien und Musik – Verwaltung der Startzeiten für jeden benötigt wurde Film. Ward Parkway Centre in Kansas City, Missouri hatte das erste Multiplex-Kino in den Vereinigten Staaten.

 

 

 

 

Bester Film aller Zeiten

 

 

 

 

 

Seit den 1960er Jahren sind Multiplayer-Theater die Filme, Serien und Musik – Norm geworden, und viele bestehende Veranstaltungsorte wurden nachgerüstet, so dass sie mehrere Auditorien haben. Ein einziges Foyerbereich wird gemeinsam genutzt. In den siebziger Jahren wurden viele große Filmpaläste der 1920er Jahre in mehrere Schauplätze umgewandelt, indem sie ihre großen Zuschauerräume und manchmal sogar den Bühnenraum in kleinere Theater aufteilten um die besten Filmklassiker aller Zeiten. Wegen ihrer Größe und Annehmlichkeiten wie Plüschsitze und umfangreiches Essen / Getränkeservice, ziehen sich Multiplexe und Megaplexe von einer größeren geographischen Fläche als kleinere Theater.

 

 

 

Gute Filme Liste

 

 

 

Als Faustregel ziehen sie das Publikum von einem Radius von 8 auf 12 Meilen, gegenüber einem Radius von drei bis fünf Meilen für kleinere Theater (obwohl die Größe dieses Radius von der Bevölkerungsdichte abhängt). Infolgedessen überschneidet sich das kundengeographische Filme, Serien und Musik – Gebiet von Multiplexen und Megaplexen typischerweise mit kleineren Theatern, die vor der Bedrohung stehen, dass ihr Publikum von größeren Theatern abgesaugt wird, die eine breitere Bandbreite in der Filmlandschaft schneiden als der lustigste Film aller Zeiten.

 

 

 

 

Gute Liebesfilme

 

 

 

In den meisten Märkten sind fast alle Single-Screen-Theater (manchmal als „Uniplex“ bezeichnet) aus dem Filme, Serien und Musik – Geschäft gegangen; Die verbleibenden werden im allgemeinen für Arthouse-Filme verwendet, z.B. Das Crest Theatre in der Innenstadt von Sacramento, Kalifornien, kleine Produktionen, Filmfestivals oder andere Präsentationen. Wegen der späten Entwicklung von Multiplexen kann sich der Begriff „Kino“ oder „Theater“ entweder auf den gesamten Komplex oder ein einziges Auditorium beziehen, und manchmal wird „Bildschirm“ verwendet, um sich auf ein Auditorium zu beziehen, wo man die besten Liebesfilme aller Zeiten Liste sieht.

 

 

 

 

 

Die besten Filme aller Zeiten

 

Ein populärer Film kann auf mehreren Bildschirmen an demselben Multiplex gezeigt werden, was die Auswahl von anderen Filmen verringert, aber bietet mehr Auswahl von Betrachtungszeiten oder eine größere Anzahl von Sitzen, um Schirmherren unterzubringen. Zwei oder drei Bildschirme können durch die wichtigsten Filme – Aufteilung eines bestehenden Kinos entstehen (wie Durwood 1964 mit seinem Roxy gemacht hat), aber neu gebaute Multiplexe haben gewöhnlich mindestens sechs bis acht Filme, Serien und Musik – Bildschirme, oft sogar zwölf, vierzehn oder gar sechzehn.

 

 

 

 

 

Beliebte Filme

 

 

 

 

 

Obwohl Filme, Serien und Musik – Definitionen variieren, wird ein großer Multiplex mit 20 oder mehr Bildschirmen in der beliebtesten Kinofilme – Regel als Megaplex bezeichnet, aber im Vereinigten Königreich war dies ein Markenname für großes Virgin Cinema (später UGC). Das erste Megaplex gilt allgemein als das Kinepolis in Brüssel, Belgien, das 1988 mit 25 Leinwänden und einer Sitzkapazität von 7.500 eröffnet wurde.

 

 

 

Top 100 Filme

 

 

 

 

Das erste Theater in den USA, das von Filme, Serien und Musik – Grund auf als Megaplex gebaut wurde, war die AMC Grand 24 in Dallas, Texas, die im Mai 1995 eröffnet wurde, während das erste Megaplex in den USA auf der Erweiterung einer bestehenden die spannendsten Filme aller Zeiten – Anlage das Studio 28 in Grand war Rapids, Michigan, die im November 1988 mit 20 Bildschirmen und einer Sitzkapazität von 6.000 neu eröffnet wurde.

 

 

 

 

Drive-in Kino und Filmtheater

 

 

 

 

 

Ein Drive-in mit einem 33 Meter breiten aufblasbaren Filmschirm im Filme, Serien und Musik – Zentrum von Brüssel, Belgien. Ein Drive-In-Kino ist ein Außenparkplatz mit einem Bildschirm – manchmal ein aufblasbarer Bildschirm – an einem Ende und eine Projektionskabine an der anderen und die 100 besten Kinofilme. Kinobesucher fahren in die Parkplätze, die manchmal schräg nach oben an der Vorderseite, um einen direkteren Blick auf den Bildschirm bieten. Filme sind in der Regel durch die Auto-Windschutzscheibe (Windschutzscheibe) gesehen, obwohl einige Leute lieber auf der Motorhaube des Autos sitzen.

 

 

Top 10 Filme

 

 

 

 

Der Filme, Serien und Musik – Sound wird entweder über tragbare Lautsprecher, die sich an jedem Parkplatz befinden, bereitgestellt und die besten Buchverfilmungen oder über eine UKW-Radiofrequenz ausgestrahlt, um über die Stereoanlage des Autos wiedergegeben zu werden. Aufgrund ihrer Outdoor-Natur, fahren-Ins gewöhnlich nur saisonal und nach Sonnenuntergang.

 

 

 

Aktuelle gute Filme

 

 

 

Drive-in Kinos sind vor allem in den Vereinigten Staaten, wo sie die beliebtesten Filme aller Zeiten waren besonders beliebt in den 1950er und 1960er Jahren gefunden. Einmal nummeriert in den Tausenden, bleiben etwa 400 in den USA heute. In einigen Filme, Serien und Musik – Fällen wurden Multiplex- oder Megaplex-Theater an den Standorten ehemaliger Drive-In-Theater gebaut.

 

 

 

 

 

Open-Air-Kino

 

 

 

 

Ein riesiger aufblasbarer Filme, Serien und Musik – Kinoschirm, der an einem temporären Kino im Freien (Open-Air-Kino) verwendet wird. 1967 Bedford bewegliches Kino.
Einige Outdoor-Kinos sind nur grasbewachsenen Bereichen, wo das Publikum sitzt auf Stühlen, Decken oder sogar in Whirlpools, und den Film auf einem temporären Bildschirm oder sogar die Top Ten Filme aller Zeiten – Wand eines Gebäudes. Hochschulen und Universitäten haben oft Filmvorführungen in Hörsälen gefördert. Die Formate dieser Vorführungen umfassen in seltenen Fällen 35 mm, 16 mm, DVD, VHS und sogar 70 mm.

 

 

 

Film Charts

 

 

 

 

Einige alternative Methoden, Filme zu zeigen, sind in der Vergangenheit populär gewesen. In den 1980er Jahren ermöglichte die Einführung von VHS-Kassetten Video-Salons, kleine Räume, in denen Besucher Filme auf einem großen Fernseher sahen. Diese Betriebe waren besonders beliebt in der Sowjetunion, wo die Top bewertete Filme und offiziellen Vertriebsgesellschaften sich nur langsam an die sich wandelnde Filme, Serien und Musik – Nachfrage anpassten, so dass Kinos keine populären Hollywood- und asiatischen Filme zeigen konnten.

 

 

 

 

Die besten Liebesfilme

 

 

 

 

Im Jahr 1967 startete die britische Regierung sieben maßgeschneiderte mobile Kino-Einheiten für den Filme, Serien und Musik – Einsatz als Teil der Ministerium für Technologie-Kampagne zur Erhöhung der Standards. Mit einem sehr futuristischen Look, wurden diese 27-sitzigen Kino-Fahrzeuge entworfen, um Aufmerksamkeit zu erregen. Sie wurden auf einem Bedford SB3 Chassis mit einem benutzerdefinierten Coventry Steel Caravan extrudierten Aluminium-Körper gebaut, um die 100 besten Filme aller Zeiten Liste.

 

 

 

 

Beste Kinofilme

 

 

 

 

 

Filme werden auch häufig auf Flugzeugen im Flug gezeigt, wobei große Bildschirme in jeder Kabine oder kleinere Bildschirme für jede Filme, Serien und Musik – Gruppe von Zeilen oder jeden einzelnen Sitz. Die Fluggesellschaft manchmal die 10 besten Filme aller Zeiten eine Gebühr für die Kopfhörer benötigt, um den Film zu hören. In ähnlicher Weise, Filme sind manchmal auch gezeigt in Zügen, wie Auto-Zug.

 

 

 

Filme Liste

 

 

 

Das kleinste zweckgebaute Kino ist das Cabiria Cine-Cafe, das 24 m² groß ist und Platz für 18 Personen bietet. Es wurde von Renata Carneiro Agostinho da Silva (Brasilien) in Brasília DF, Brasilien, gebaut und der witzigste Film der Welt. Erwähnt in der Guinness-Weltrekorde 2010. Das weltweit kleinste solarbetriebene mobile Filme, Serien und Musik – Kino ist Sol Cinema in Großbritannien. Touring seit 2010 ist das Kino eigentlich ein umgebauter Wohnwagen. Es sitzt 8-10 auf einmal.

 

 

 

 

 

Bester Film

 

Im Jahr 2015 zeigte es in einer Lenovo-Anzeige für die Filme, Serien und Musik – Einführung einer neuen Tablette. Die Bell Museum of Natural History in Minneapolis, Minnesota hat vor kurzem begonnen Sommer „Bike-Ins“, lädt nur Fußgänger oder Menschen auf Fahrrädern auf dem Gelände für Live-Musik und Filme.

 

 

 

 

Coole Filme

 

 

 

 

In verschiedenen kanadischen Städten, darunter Toronto, Calgary, Ottawa und Halifax, al-fresco Filme projiziert auf die Wände von Filme, Serien und Musik – Gebäuden oder vorübergehend errichteten Bildschirme in Parks arbeiten während des Sommers und sorgen für ein Fußgänger-Publikum. Das neue Parkway Museum in Oakland, Kalifornien ersetzt allgemeine Sitzplätze mit Sofas und Couchtischen, sowie mit einem vollen Restaurant-Menü anstelle von allgemeinen Kino-Konzessionen wie Popcorn oder Süßigkeiten um die besten Spielfilme aller Zeiten zu sehen.

 

 

 

3D Filme online kaufen

 

 

 

 

 

 

Ein typisches Multiplex (AMC Promenade 16 in Woodland Hills, Los Angeles). 3D-Film ist ein Filme, Serien und Musik – System der Präsentation von Filmbildern, so dass sie dem Betrachter dreidimensional erscheinen. Besucher in der Regel leihen oder halten spezielle Brille zu tragen, während Sie den Film. Je nach verwendetem System handelt es sich dabei um polarisierte Gläser und die besten Actionfilme der Welt.

 

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Beste Jugendfilme

 

 

 

 

Dreidimensionale Filme verwenden zwei Bilder, die jeweils an das rechte und linke Auge gelenkt werden, um die Tiefe zu simulieren, indem 3D-Gläser mit roten und blauen Linsen (Anaglyphen), polarisierten (linearen und kreisförmigen) und anderen Techniken für best bewertete Filme verwendet werden. 3-D-Brillen liefern das richtige Bild auf das richtige Auge und machen das Bild erscheinen „Pop-out“ am Filme, Serien und Musik – Betrachter und sogar folgen Sie dem Betrachter, wenn er / sie bewegt, damit die Zuschauer relativ gesehen das gleiche Bild.

 

 

 

 

Filme gute online kaufen

 

 

 

 

 

 

Die ersten 3-D-Filme wurden in den 1920er Jahren präsentiert. Es gab mehrere vorherige „Wellen“ der 3D-Filmverbreitung, vor allem in den 1950er Jahren, als sie gefördert wurden als eine Möglichkeit, Zuschauer etwas, dass sie nicht sehen konnte, zu Hause im Fernsehen. Dennoch verblasste das Filme, Serien und Musik – Verfahren schnell und war noch nie mehr als eine periodische Neuheit in der die neusten Kinofilme und Filmpräsentation generiert werden. Die „goldene Ära“ des 3D-Films begann in den frühen 1950er Jahren mit der Veröffentlichung der ersten Farb-Stereoskopie, Bwana Devil.

 

 

 

 

Geilefilme

 

 

 

 

 

Der Film spielte Robert Stack, Barbara Britton und Nigel Bruce. James Mage war ein frühes Pionier in der 3D-Craze. Mit seinem 16-mm-3D-Bolex-System feierte er sein Triorama-Programm im Februar 1953 mit seinen vier Shorts: Sunday In Stereo, Indian Summer, American Life und Dies ist Bolex Stereo. 1953 sahen zwei wegweisende Features in 3D: Columbias Mann in der Dunkelheit und Warner Bros. House of Wax, die erste 3D-Funktion mit stereophonem Filme, Serien und Musik – Klang.

 

 

 

 

 

Alte gute Filme

 

 

 

 

Viele Jahre lang wurden die meisten 3-D-Filme in Vergnügungsparks gezeigt, und sogar „4-D“ -Techniken wurden verwendet, wenn bestimmte Effekte wie das Sprühen von Wasser, die Bewegung von Sitzen und andere Filme, Serien und Musik – Effekte verwendet werden, um Aktionen auf dem Bildschirm die besten Drogenfilme zu simulieren . Der erste Rückgang der theatralischen 3D-Wahn begann im August und September 1953.

 

 

 

Gute aktuelle Filme

 

 

 

Im Jahr 2009 wurden Film-Aussteller mehr Interesse an 3D-Film. Die Zahl der 3D-Bildschirme in den Kinos nimmt zu. Die RealD-Firma erwartet im Jahr 2010 weltweit 15.000 Bildschirme. Die Verfügbarkeit von 3D-Filmen ermutigt die Filme, Serien und Musik – Aussteller, das digitale Kino zu übernehmen und bietet dem Theater die Möglichkeit, mit Heimkindern konkurrieren zu können.

 

 

 

 

Die besten Liebesfilme aller Zeiten

 

 

 

Ein Anreiz für Theater, 3D-Filme zu zeigen, ist, dass obwohl der Ticketverkauf zurückgegangen ist, die Filme, Serien und Musik – Einnahmen aus 3D-Tickets gewachsen sind. In den 2010er Jahren wurden 3D-Filme wieder populär. Das IMAX 3D System und digitale 3D Systeme werden verwendet (letzteres wird in den animierten Filmen von Disney / Pixar verwendet).

 

 

 

Beste Blu Ray Filme

 

 

 

 

Das RealD 3D-System arbeitet mit einem einzigen digitalen Projektor, der zwischen den Filme, Serien und Musik – Bildern für die Augen tauscht. Vor dem Projektor befindet sich ein Filter, der die Polarisation des vom Projektor kommenden Lichts verändert. Ein silberner Bildschirm wird verwendet, um dieses Licht wieder an das Publikum zu reflektieren und verringern Verlust der Helligkeit. Es gibt vier weitere Systeme: Volfoni, Master Image, XpanD und Dolby 3D.

 

 

 

Die berühmtesten Filme

 

 

 

 

Wenn ein Filme, Serien und Musik – System verwendet wird, das kostengünstige 3D-Brille erfordert, können sie manchmal durch den Schutzherrn gehalten werden. Die meisten Theater haben eine feste Kosten für 3D, während andere für die Brille, aber die letzteren ist ungewöhnlich (zumindest in den Vereinigten Staaten). Zum Beispiel in den Pathé-Theatern in den Niederlanden besteht die Zuschlagsgebühr für einen 3D-Film aus einer festen Gebühr von 1,50 € und einer optionalen Gebühr von 1 € für die Brille.

 

 

 

 

Schönsten Filme

 

 

 

 

Die Inhaber der Pathé Unlimited Gold Pass (siehe auch unten) sollen ihre eigene Brille mitbringen; Ein Paar, geliefert jährlich, robuster als die reguläre Filme, Serien und Musik – Art, ist im Preis inbegriffen.

 

 

 

 

IMAX Kino Filme kaufen

IMAX ist ein System, das Film mit mehr als dem Zehnfachen der Rahmengröße eines 35 mm-Films verwendet, um eine Filme, Serien und Musik – Bildqualität zu erzeugen, die weit über dem herkömmlichen Film liegt. IMAX-Kinos nutzen einen überdimensionalen Bildschirm sowie spezielle Projektoren. Erfunden von einem kanadischen Unternehmen, war das erste ständige IMAX-Theater am Ontario Place in Toronto, Ontario, Kanada. Im IMAX Kino, das dem Nationalen Medienmuseum in Bradford, West Yorkshire, England, im Vereinigten Königreich angegliedert ist, können Besucher im sechsten Stockwerk des Museums die IMAX-Projektionskabine über eine Glasrückwand beobachten und die großformatigen Filme beladen und beobachten Projiziert.

 

 

 

Die besten Kinofilme aller Zeiten kaufen

 

 

 

Kinos können nach der Art der Filme oder wenn sie angezeigt werden klassifiziert werden: First-Run-Theater: Ein Theater, das in erster Linie Filmmusik von den großen Filmfirmen und -verteilern, während der ersten neuen Release-Periode von jedem Film läuft.

 

 

 

Kinofilme Top 10

 

 

 

 

Zweite-oder Discount-Theater: Ein Theater, das Filme, die bereits gezeigt haben, in der First-Run-Theater und präsentiert zu einem niedrigeren Ticketpreis läuft. (Diese werden manchmal als Dollar Theater oder „Cheap Seats“ bekannt.) Diese Form des Kinos ist in der Filme, Serien und Musik – Rentabilität aufgrund der zunehmend verkürzten Intervalle, bevor die Filme „Home-Video-Release, genannt das Videofenster abnehmen.

 

 

Beliebte Horrorfilme

 

 

IMAX-Theater können konventionelle Filme zeigen, aber die großen Vorteile des IMAX-Systems sind nur verfügbar, wenn Filme mit ihm gedreht werden. Während in IMAX einige Mainstream-Kinofilme produziert wurden, sind IMAX-Filme oft Dokumentarfilme mit spektakulärer Filme, Serien und Musik – Naturlandschaft und können sich auf die 45-minütige Länge einer einzelnen Rolle IMAX-Films beschränken.
Präsentation

 

 

 

35 mm Filmprojektor

 

 

 

In der Regel in den 2010er Jahren ist ein Eintritt für einen Spielfilm. Manchmal sind zwei Spielfilme als eine Aufnahme (doppelte Eigenschaft), mit einer Pause dazwischen verkauft. Separate Aufnahme für ein kurzes Thema ist selten; Es ist entweder ein Extra vor einem Spielfilm oder ein Filme, Serien und Musik – Teil einer Serie von Kurzfilmen, die als eine Aufnahme verkauft werden (dies tritt hauptsächlich bei Filmfestivals auf). (Siehe auch Anthologie Film.) In den ersten Jahrzehnten der „Talkie“ -Filme, viele Kinos präsentiert eine Reihe von kürzeren Positionen zusätzlich zu den Spielfilm.

 

 

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Gute Tierfilme

 

 

 

Dies könnte eine Wochenschau, Live-Comedy-Kurzfilme, dokumentarische Kurzfilme, musikalische Kurzfilme und / oder Cartoon-Shorts (viele klassische Cartoons-Serien wie die Looney Tunes und Mickey Mouse Shorts wurden für diesen Zweck erstellt). Beispiele für diese Art der Filme, Serien und Musik – Programmierung gibt es auf bestimmten DVD-Veröffentlichungen von zwei der bekanntesten Filme mit Errol Flynn als spezielle Besonderheit Arrangement entwickelt, um diese Art von filmischen Erfahrung wiederherzustellen, während die PBS-Serie, Matinee am Bijou, den entsprechenden Inhalt präsentiert.

 

 

 

 

Gute Agentenfilme

 

 

 

Einige Theater liefen auf ununterbrochene Vorführungen, in denen die gleichen Einzelteile den ganzen Tag wiederholen würden, mit den Patrons, die zu jeder Zeit ankommen und abreisen, anstatt, unterschiedliche Eingangs- und Ausgangszyklen zu haben. Die Nachrichten wurden allmählich von den 1960er Jahren mit dem Aufstieg der Fernsehnachrichten veraltet, und das meiste Material, das jetzt vor einem Spielfilm gezeigt wird, ist von einer kommerziellen oder fördernden Natur (die normalerweise „Anhänger“ einschließen, die Anzeigen für Filme und Werbungen für andere Verbraucherprodukte sind oder Dienstleistungen).

 

 

 

 

 

Top Ten Kinofilme

 

 

 

Ein typisches modernes Theater präsentiert kommerzielle Werbe-Shorts, dann Film-Trailer, und dann den Spielfilm. Angekündigte Startzeiten sind in der Regel für das gesamte Programm oder die Filme, Serien und Musik – Session, nicht das Feature selbst, also Menschen, die Werbung und / oder Trailer vermeiden möchten, würden entscheiden, später einzugeben. Dies ist am einfachsten und verursacht die geringste Unannehmlichkeiten, wenn es nicht überfüllt ist, und / oder man ist nicht sehr wählerisch, wo man sitzen will.

 

 

 

 

Lustigsten Filme aller Zeiten

 

 

 

 

Wenn man ein Ticket für einen bestimmten Platz hat (siehe unten), ist man formal davon gesichert, aber es ist immer noch ungünstig und beunruhigend, ihn während der Filme, Serien und Musik – Werbespots und Anhänger zu finden und zu beanspruchen, es sei denn, er befindet sich in der Nähe eines Gangs.

 

 

 

Bekannte Filmtitel

 

 

 

 

Einige Kinos haben während der Präsentation eine Art Pause, besonders für sehr lange Filme. Es kann auch eine Pause zwischen dem einleitenden Material und dem Merkmal geben. Einige Länder wie die Niederlande haben eine Filme, Serien und Musik – Tradition, in regelmäßigen Spielfilmen eine Pause einzulegen, obwohl viele Theater diese Tradition bereits verlassen haben, während dies in Nordamerika sehr selten und in der Regel auf besondere Umstände mit extrem langen Filmen beschränkt ist.

 

 

 

 

 

Die besten Musikfilme

 

 

 

 

 

 

Während der Abschlusskredite viele Menschen verlassen, aber einige bleiben bis zum Ende. Normalerweise werden die Lichter nach den Credits, manchmal schon während der Credits eingeschaltet. Einige Filme zeigen Mid-credits Szenen, während die Filme, Serien und Musik – Credits rollen, die in Comedy-Filmen sind oft „Bloopers“ und Outtakes oder Post-Credits Szenen, die in der Regel eingerichtet das Publikum für eine Fortsetzung.

 

 

 

Top 100 Horrorfilme

 

 

 

 

Bis zur Multiplex-Ära, vor der Showtime, würde der Bildschirm in einigen Theatern durch einen Vorhang, im Stil eines Theaters für ein Spiel abgedeckt werden. Der Vorhang würde für die Funktion gezogen werden. Es ist gängige Praxis in Australien für den Filme, Serien und Musik – Vorhang, um einen Teil des Bildschirms während der Werbung und Anhänger, dann vollständig gezogen, um die volle Breite des Bildschirms für das Hauptmerkmal zu decken. Einige Theater, fehlte ein Vorhang, füllte den Bildschirm mit Folien von irgendeiner Form der abstrakten Kunst vor dem Beginn des Films.

 

 

 

Der beste Film der Welt

 

 

 

 

Derzeit, in Multiplexe, Theaterketten oft eine kontinuierliche Diashow zwischen den Aufführungen mit einer Schleife von Film-Trivia, Werbematerial für die Theater-Ketten (wie Förderung Patronen zum Kauf von Getränken, Snacks und Popcorn, Geschenkgutscheine und Gruppenpreise oder andere Foyer Einzelhandel Angebote) oder Filme, Serien und Musik – Werbung für lokale und nationale Unternehmen.

 

 

 

Top 10 Filme aller Zeiten

 

 

 

 

Anzeigen für Fandango und andere bequeme Methoden des Kaufes der Karten wird häufig gezeigt. Auch vor der Vorstellung des Films, Erinnerungen, in unterschiedlichen Formen würde gezeigt, über die Theater-Etikette (nicht rauchen, keine Rede, keine Littering, Entfernen von weinen Babys, etc.) und in den letzten Jahren fügte Filme, Serien und Musik – Erinnerungen an Schweigen Mobiltelefone sowie Warnung als Über Filmpiraterie mit Camcordern ( „Camming“).

 

 

 

Abenteuerfilme Liste

 

 

 

Einige gut ausgestattete Kinos verfügen über „Interlock“ -Projektoren, die es ermöglichen, zwei oder mehr Projektoren und Klangeinheiten miteinander zu verbinden, indem sie elektronisch oder mechanisch verbunden werden. Diese Einstellung kann verwendet werden, um zwei Drucke synchron (für Dual-Projektor 3-D) zu projizieren oder eine oder mehrere Filme, Serien und Musik – Tonspuren auf einen einzigen Film zu „verriegeln“. Schallschlösser wurden für stereophone Klangsysteme vor dem Aufkommen magnetischer Filmabzüge verwendet.

 

 

 

Ausgezeichnete Filme

 

 

 

Fantasound (entwickelt von RCA im Jahr 1940 für Disneys Fantasie) war ein frühes Interlock-System. Ebenso verwendeten frühe stereophonische Filme wie This Is Cinerama und House of Wax einen separaten, magnetischen, oxidbeschichteten Film, um bis zu sechs oder mehr Filme, Serien und Musik – Spuren von stereophonem Klang wiederzugeben.

 

 

 

Bester Film der Welt

 

 

 

 

Datasat Digital Entertainment, Käufer der DTS-Kino-Abteilung im Mai 2008, nutzt einen Filme, Serien und Musik – Zeitcode, der aufgedruckt und von dem Film gelesen wird, um mit einer CD-ROM in der Tonspur zu synchronisieren, wodurch Mehrkanal-Soundtracks oder Fremdsprachen-Spuren möglich sind. Dies wird jedoch nicht als Projektionssperre betrachtet. Diese Praxis ist am häufigsten mit Blockbuster-Filme. Muvico Theatres, Regal Entertainment Group, Pacific Theatern und AMC Theatern sind einige Theater, die Filme interlockieren.

 

 

 

 

Die spannendsten Filme

 

 

 

 

Live-Übertragung in Kinos. Manchmal bieten Kinos die digitale Projektion einer Live-Übertragung einer Oper, eines Konzertes oder einer anderen Performance oder Veranstaltung. Zum Beispiel gibt es regelmäßige Live-Sendungen zu Kinos der Metropolitan Opera Aufführungen, mit zusätzlichen begrenzten Wiederholungen. Die Filme, Serien und Musik – Eintrittspreise sind oft mehr als das Doppelte der regulären Kinobesuche Eintrittspreise.

 

 

 

Beste DVD kaufen

 

 

 

Um einen Kinobesuch zu erhalten, muss der künftige Theaterschauspieler in der Filme, Serien und Musik – Regel eine Eintrittskarte an der Abendkasse erwerben, die für einen beliebigen Sitzplatz ( „offene“ oder „freie“ Sitzplätze, first-come, first-served) Oder für eine bestimmte (zugewiesene Sitzplätze).

 

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Kinofilme Liste

 

 

 

 

Ab 2015 verkaufen einige Filme, Serien und Musik – Theater Tickets online oder an automatisierten Kiosken in der Theater-Lobby. Kinos in Nordamerika haben in der Regel offene Sitzplätze. Kinos in Europa können freie Sitzplätze oder nummerierte Sitzplätze haben. Einige Theater in Mexiko bieten nummerierte Sitzplätze, insbesondere Cinepolis VIP.

 

 

 

Richtig gute Filme

 

 

 

 

Im Fall von nummerierten Sitzplätzen kann der Filme, Serien und Musik – Teilnehmer oft Sitzplätze von einem Bildschirm aussuchen. Manchmal kann der Teilnehmer den Bildschirm nicht sehen und muss eine Wahl treffen, die auf einer verbalen Beschreibung der noch verfügbaren Sitze basiert. Bei freien Plätzen können bereits sitzende Kunden von den Mitarbeitern aufgefordert werden, einen oder mehrere Plätze zugunsten eines ankommenden Paares oder einer Gruppe zu verlegen, die zusammen sitzen wollen.

 

 

 

 

10 besten Filme

 

 

 

Für 2013 war der durchschnittliche Preis für eine Kinokarte in Deutschland lag bei 8,26 EURO. Der Preis eines Tickets kann während Off-Peak-Zeiten, z.B. Für Matineen, und höher an hektischen Zeiten, in der Regel abends und / oder am Wochenende. In Australien, Kanada und Neuseeland, wenn diese Filme, Serien und Musik – Praxis verwendet wird, ist es traditionell, die niedrigeren Preise für Dienstag für alle Vorstellungen bieten, einer der langsamsten Tage der Woche im Kino-Geschäft, die zum Spitznamen billig geführt hat Dienstag. Manchmal Karten sind billiger am Montag oder Sonntagmorgen.

 

 

 

Filme Ranking

 

 

 

Fast alle Kinos beschäftigen wirtschaftliche Preisdiskriminierung: Tickets für Jugendliche, Studenten und Senioren sind in der Regel billiger. Große Theaterketten, wie AMC-Theater, auch eigene kleinere Theater, die „zweite Läufe“ von populären Filmen zeigen, zu reduzierten Eintrittskartenpreisen. Kinos in Indien und anderen Filme, Serien und Musik – Entwicklungsländern beschäftigen Preisdiskriminierung in Sitzordnung: Sitze näher an den Bildschirm kosten weniger, während die am weitesten vom Bildschirm kostet mehr.

 

 

 

 

Die schönsten Filme aller Zeiten

 

 

 

In den Vereinigten Staaten verkaufen viele Kino-Ketten Discounted Pässe, die für Tickets für regelmäßige Vorstellungen ausgetauscht werden können. Diese Pässe werden traditionell in großen Mengen an institutionelle Kunden und auch an die breite Öffentlichkeit auf Bulktix.com verkauft. Einige Pässe bieten erhebliche Rabatte aus dem Preis der regulären Zulassung, vor allem, wenn sie Einschränkungen zu tragen. Gemeinsame Einschränkungen beinhalten eine Filme, Serien und Musik – Wartezeit nach der Veröffentlichung eines Films, bevor der Pass für ein Ticket oder bestimmte Theater ausgetauscht werden kann, in denen ein Pass nicht für die Aufnahme berechtigt ist.

 

 

 

Gute neue Horrorfilme

 

 

 

 

Einige Kinos und Ketten verkaufen monatliche Pässe für unbegrenzten Eintritt zu regelmäßigen Vorstellungen. Kinos in Thailand haben eine Beschränkung von einer Betrachtung pro Film. Die zunehmende Zahl von 3D-Filmen, für die eine zusätzliche Gebühr erforderlich ist, unterminiert das Konzept des unbegrenzten Zugangs zu regelmäßigen Filme, Serien und Musik – Vorstellungen etwas, insbesondere wenn keine 2D-Version gezeigt wird, außer in den Fällen, in denen 3D enthalten ist.

 

 

 

 

Beste Filme aller Zeiten Liste

 

 

 

 

Außerdem ist in einem Pathé-Theater in den Niederlanden an einem Tag der Woche der Kauf eines Getränks und eines Snacks obligatorisch. Einige Erwachsene Theater verkaufen eine Tageskarte, entweder als Standard-Ticket, oder als eine Filme, Serien und Musik – Option, die ein wenig mehr als eine Eintrittskarte kostet.

 

 

 

 

 

Top 100 Actionfilme

 

Auch für einige Filmfestivals wird ein Pass für unbegrenzten Eintritt verkauft. Discount-Kinos zeigen Filme zu einem stark reduzierten Preis, jedoch handelt es sich bei den dargestellten Filmen im allgemeinen um Filme, die bereits seit vielen Wochen in regelmäßigen Theatern laufen und somit nicht mehr ein Filme, Serien und Musik – Hauptdarsteller sind oder Filme, die an der Abendkasse geflogen sind und somit bereits gewesen sind Entfernt von den Aufführungen an den Haupttheatern, um Bildschirme für Filme freizugeben, die eine bessere Kasse ziehen.

 

 

 

Schöne alte Filme

 

 

 

 

Einige Kinos in den Stadtzentren bieten luxuriöse Sitzgelegenheiten mit Filme, Serien und Musik – Dienstleistungen wie kostenlosen Nachfüllen von alkoholfreien Getränken und Popcorn, eine Bar mit Bier, Wein und Spirituosen, Liegesitze und Sitzgarnituren. Kinos müssen eine Alkohol-Lizenz für Alkohol.

 

 

 

Ältere Filme

 

 

 

 

Die Vue Cinema-Kette ist ein gutes Beispiel für ein groß angelegtes Angebot eines solchen Dienstes, die so genannte „Gold-Klasse“, und ODEON, die größte britische Kinokette, verfügt über Galeriebereiche in einigen ihrer größeren Kinos, in denen es einen separaten Filme, Serien und Musik – Foyerbereich gibt Mit einer Bar und unbegrenzten Snacks.

 

 

 

Die besten Actionfilme aller Zeiten

 

 

 

Diese Ratings stammen aus dem im Oktober 2015 in Kraft getretenen revidierten Taiwan-Kinobildbewertungssystem.
Die Aufnahme zu einem Film kann auch durch ein Film-Rating-System, in der Regel durch Darstellungen von Gewalt, Nacktheit oder Aktionsequenzen beschränkt werden. Entsprechend solchen Systemen können Kinder oder Jugendliche unterhalb eines bestimmten Alters den Filme, Serien und Musik – Zugang zu Kinos verboten werden, die bestimmte Filme zeigen oder nur zugelassen werden, wenn sie von einem Elternteil oder einem anderen Erwachsenen begleitet werden.

 

 

 

 

Beste Filme seit 2000

 

 

 

 

In einigen Filme, Serien und Musik – Rechtsordnungen kann ein Rating diese Altersbeschränkungen für Kinos gesetzlich verhängen. Auch wenn Kinos nicht über diese gesetzliche Verpflichtung verfügen, können sie eigene Beschränkungen durchsetzen. Dementsprechend kann ein Kino entweder nicht erlaubt sein, einen nicht bewerteten Film zu programmieren, oder freiwillig davon abzusehen.

 

 

 

 

Die besten Filme aller Zeiten Liste

 

 

 

Filmstudios / Filmverleiher in den USA fahren traditionell harte Schnäppchen, die sie in den ersten Wochen bis zu 100% des Brutto-Ticketumsatzes berechtigen (und dann ändert sich die Balance um 10% zugunsten der Aussteller in Intervallen, die von Film zu Film variieren). Film-Ausstellung hat einen Anstieg in seiner Entwicklung mit Video-Konsolidierung sowie DVD-Vertrieb, der in den vergangenen zwei Jahrzehnten ist der größte Verdiener der Einnahmen gesehen.

 

 

 

Neue gute Filme

 

 

 

Entsprechend der zeitgenössischen Hollywood Film-Industrie, sagt Philip Drake, daß Kassenbüros gegenwärtig weniger als ein Viertel des Gesamtumsatzes ausmachen und in zunehmendem Maße „frontseitig geladen werden“ und verdienen die Filme, Serien und Musik – Mehrheit der Quittungen in den öffnenden zwei Wochen der Ausstellung, was bedeutet, dass Filme Eine nahezu augenblickliche Wirkung zu erzielen, um zu vermeiden, dass sie von den Ausstellern abgesetzt werden.

 

 

 

 

Kino Top 100

 

 

 

 

Im Wesentlichen, wenn der Film in den ersten Wochen seiner Entstehung nicht erfolgreich ist, wird es höchstwahrscheinlich fehlschlagen, in seinem Versuch, eine nachhaltige Menge an Einnahmen zu gewinnen und damit aus Filmtheater genommen. Darüber hinaus können höhere Budgetfilme am „Eröffnungswochenende“ oder an den drei Tagen von Freitag bis Sonntag bedeuten, wie viel Umsatz sie nicht nur nach Amerika, sondern auch nach Übersee bringen wird. Es kann auch bestimmen, der Preis in den Verteilungsfenstern durch Filme, Serien und Musik – Heimvideo und Fernsehen.

 

 

 

Top 10 beste Filme

 

 

 

 

In Kanada betrug der Gesamtumsatz in der Kinobranche im Jahr 2012 1,7 Milliarden US-Dollar, ein Anstieg von 8,4% gegenüber 2010. Dieser Anstieg resultierte vor allem aus dem Wachstum der Kassen- und Konzessionserlöse. Zusammengenommen machten sie 91,9% des Gesamtumsatzes der Industrie aus. [32] In den USA fiel die Zahl der verkauften Tickets nach 2004 um fast 11% zwischen 2004 und 2013, während der Filme, Serien und Musik – Kassenumsatz aufgrund gestiegener Ticketpreise um 17% zunahm.

 

 

 

Gute historische Filme

 

 

 

Ein Grund für den Filme, Serien und Musik – Rückgang der Ticketverkäufe in den 2000er Jahren ist, dass sich die „Home-Entertainment-Optionen“ ständig verbessern – egal, ob Streaming-Movies und Fernsehen, Videospiele oder mobile Apps – und Studios, die weniger Filme freigeben „, was bedeutet, dass“ Sind die Menschen weniger wahrscheinlich, um ihre lokalen Multiplex-Kopf. „

 

 

 

Witzigsten Filme

 

 

 

 

Eine Pew-Medien-Befragung aus dem Jahr 2006 ergab, dass die Beziehung zwischen den Kino-Filmen zu Hause im Vergleich zu dem Kinosaal in einem Verhältnis von fünf zu eins lag und 75% der Filme, Serien und Musik – Befragten ihre bevorzugte Art, einen Film zu Hause zu sehen, gegenüber 21% waren Lieber in ein Theater gehen.

 

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Beste Filme der letzten 5 Jahren

 

 

 

 

Im Jahr 2014 wurde berichtet, dass die Filme, Serien und Musik – Praxis der Freigabe eines Films in Theatern und via On-Demand-Dämpfen am selben Tag (für ausgewählte Filme) und die steigende Beliebtheit der Netflix-Streaming-Service hat zu Bedenken in der Kino-Industrie geführt. Eine andere Quelle des Wettbewerbs ist das Fernsehen, das „… viele gute Kino-Tricks – wie gute Produktionswerte und Top-Tier-Schauspieler – gestohlen hat und sie in die Wohnzimmer der Menschen gebracht hat.“

 

 

 

 

Die besten Agentenfilme

 

 

 

 

Seit den 2010er Jahren ist einer der wachsenden Ist der zunehmende Filme, Serien und Musik – Besitz von Heimkino-Systemen, die hochauflösende Blu-ray-Discs von Filmen auf großen, Breitbild-Flachbildfernsehern,  mit 5.1-Surround-Sound und einem leistungsstarken Subwoofer für niedrig darstellen können Geräuschen.

 

 

 

Die besten Weihnachtsfilme aller Zeiten

 

 

 

 

Die relativ starke Gleichförmigkeit der Kinokarten, vor allem in den USA, ist ein gemeinsames Wirtschaftspuzzle, denn die konventionelle Angebots- und Nachfragetheorie würde höhere Preise für populärere und teurere Filme und niedrigere Preise für eine unpopuläre „Bombe“ oder für ein Filme, Serien und Musik – Dokumentarfilm mit weniger Publikumsreiz.

 

 

 

Beste Film aller Zeiten

 

 

 

 

Anders als scheinbar ähnliche Formen der Unterhaltung wie Rock-Konzerte, in denen eine beliebte Performer Tickets viel mehr kosten als ein unpopulärer Künstler Karten, die Filme, Serien und Musik – Nachfrage nach Filmen ist sehr schwer vorauszusagen voraus.

 

 

Top 20 Filme

 

 

 

Einige Filme mit großen Stars wie Gigli (mit dem damaligen Supercouple von Ben Affleck und Jennifer Lopez) haben sich als Boxbomben erwiesen, während Low-Budget-Filme mit unbekannten Schauspielern zu Schlägen (z. B. das Blair-Hexenprojekt). Die Filme, Serien und Musik – Nachfrage nach Filmen ist in der Regel aus Ticketverkauf Statistiken nach dem Film ist bereits aus.

 

 

 

Top Filme aller Zeiten

 

 

 

Eine einheitliche Preisgestaltung ist daher eine Strategie zur Bewältigung der unvorhersehbaren Nachfrage. Historische und kulturelle Filme, Serien und Musik – Faktoren werden manchmal auch genannt.

 

 

 

Filme gut

 

 

 

In einigen Kino-Komplexen, sind die Theater so angeordnet, dass die Tickets am Eingang in den gesamten Platz, anstatt vor jedem Theater überprüft werden. In einem Theater mit einer ausverkauften Show gibt es oft einen zusätzlichen Ticketcheck, um sicherzustellen, dass jeder mit einem Ticket für diese Show einen Filme, Serien und Musik – Platz finden kann. Die Lobby kann vor oder nach dem Ticketcheck sein.

 

 

 

Kontroversen bei den Filmen

 

 

 

Werbung: Einige Kinobesucher beschweren sich über kommerzielle Werbe-Shorts vor Filmen gespielt, argumentiert, dass ihre Abwesenheit verwendet, um einer der Hauptvorteile zu gehen, um ein Kino zu sein. Andere Kritiker wie Roger Ebert haben Bedenken geäußert, dass diese Anzeigen, plus eine übermäßige Anzahl von Filmtrailern, zu Druck führen könnten, um die bevorzugte Länge der Spielfilme selbst zu beschränken, um Spielpläne zu erleichtern. Bisher waren die Theaterunternehmen in der Regel sehr resistent gegen diese Beschwerden, unter Berufung auf die Notwendigkeit der zusätzlichen Filme, Serien und Musik – Einnahmen.

 

 

 

 

Berühmte Filme

 

 

 

Einige Ketten wie berühmte Spieler und AMC Theater haben mit den Werbungen eingeschränkt, die vor der geplanten Anfangszeit für die Anhänger und den Spielfilm beschränkt werden. Einzelne Theater in einer Kette auch manchmal diese Politik. Loudness: Ein weiteres großes jüngstes Problem ist, dass die dramatischen Filme, Serien und Musik – Verbesserungen bei Stereo-Sound-Systemen und in Subwoofer-Systemen dazu geführt haben, dass Kinos die Soundtracks von Filmen in unakzeptabel hohen Lautstärken wiedergeben.

 

 

 

Beste Filme Ever

 

 

 

Normalerweise werden die Trailer auf einem sehr hohen Klangpegel präsentiert, vermutlich um die Klänge einer belebten Menge zu überwinden. Der Ton ist nicht nach unten für ein spärlich besetztes Theater eingestellt, und einige Gönner beschäftigen Ohrenstöpsel für die Anhängerperiode. Lautstärke wird normalerweise auf der Filme, Serien und Musik – Grundlage der Beurteilung des Projektionisten einer hohen oder niedrigen Anwesenheit eingestellt.

 

 

 

 

Die lustigsten Filme der Welt

 

 

 

Der Film ist in der Regel mit einem geringeren Volumen als die Anhänger gezeigt. Als Filme, Serien und Musik – Reaktion auf Publikum Beschwerden, erklärte ein Manager an einem Cinemark Theater in Kalifornien, dass die Studios Trailer Schallpegel, nicht das Theater gesetzt.

 

 

 

Beste Filme aller Zeiten Top 10

 

 

 

Copyright Piraterie: In den letzten Jahren haben Kinos begonnen, Warnungen zu zeigen, bevor der Film gegen die Filme, Serien und Musik – Verwendung von Kameras und Camcordern während des Films (Camming) beginnt. Einige Schirmherren zeichnen den Film auf, um „Bootleg“ – Kopien auf dem Schwarzmarkt zu verkaufen.

 

 

 

Interessante Filme

 

 

 

Diese Warnungen bedrohen die Filme, Serien und Musik – Kunden aus dem Kino entfernt und von der Polizei verhaftet. Dieses Beispiel wurde in den Kinos in Großbritannien gezeigt: Sie sind nicht berechtigt, eine Kamera oder ein Aufnahmegerät in diesem Kino zu benutzen.

 

 

 

100 besten Filme aller Zeiten

 

 

 

 

Dies wird als ein Versuch, das Urheberrecht zu verletzen behandelt werden. Jede Person, die dies tut, kann ausgeworfen werden, und diese Gegenstände können von der Polizei beschlagnahmt werden. Wir bitten das Publikum, wachsam zu sein gegen solche Filme, Serien und Musik – Aktivitäten und berichten über Angelegenheiten, die dem Kinopersonal den Verdacht wecken. Vielen Dank.

 

 

 

Beste Agentenfilme

 

 

 

 

Einige Theater (einschließlich der mit IMAX-Stadien) haben Detektoren an den Türen, um die Aufnahme Schmuggler abholen. Bei besonders erwarteten Filme, Serien und Musik – Vorstellungen können Theatern Nachtsichtgeräte einsetzen, um eine Arbeitskamera während eines Screenings zu erfassen. In einigen Rechtsordnungen ist dies illegal, es sei denn, die Praxis wurde der Öffentlichkeit im Voraus bekannt gegeben.

 

 

 

Beste Actionfilme aller Zeiten

 

 

Crowd Control: Wie Kinos in Multiplexe und Megaplexe gewachsen sind, hat die Kontrolle der Menschenmenge ein großes Anliegen geworden. Ein überfüllter Megaplex kann ziemlich unangenehm sein und im Notfall äußerst gefährlich sein (in der Tat ist das „Schreien des Feuers in einem überfüllten Theater“ das Filme, Serien und Musik – Standardbeispiel im amerikanischen Englisch der Grenzen der freien Meinungsäußerung, weil es eine tödliche Panik auslösen könnte).

 

 

 

Die schönsten Liebesfilme aller Zeiten

 

 

 

Daher haben alle großen Theaterketten Maßnahmen zur Massenkontrolle implementiert. Die bekannteste Maßnahme ist die allgegenwärtige Holdout-Linie, die verhindert, dass Karteninhaber für die nächste Show des beliebtesten Films dieses Wochenendes vom Filme, Serien und Musik – Betreten des Gebäudes bis ihr bestimmtes Auditorium gelöscht und gereinigt worden ist.

 

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Beliebte Actionfilme

 

 

 

 

Seit den 1980er-Jahren haben einige Theaterketten (vor allem AMC-Theatern) eine Filme, Serien und Musik – Politik der Ko-Lokalisierung ihrer Theater in Einkaufszentren (im Gegensatz zu der alten Praxis der Errichtung eigenständiger Theater) entwickelt.

 

 

 

Die besten neuen Filme

 

 

 

 

 

In einigen Fällen können Lobbies und Korridore nicht so viele Menschen wie die Auditorien halten, so dass Haltelinien notwendig. Im Gegenzug können Karteninhaber zum Einkaufen oder zum Essen verführt werden, während sie außerhalb in der Haltestelle stecken bleiben. Angesichts der Filme, Serien und Musik – Tatsache, dass die Miete auf der Grundfläche basiert, ist die Praxis, eine kleinere Lobby zu haben, etwas verständlich.

 

 

Die besten Filme der letzten 10 Jahren

 

 

 

Eine Tüte Popcorn vom Plaza-Theater in Atlanta. Rückerstattungen: Die meisten Kinofirmen geben Rückerstattungen aus, wenn es einen technischen Fehler wie einen Stromausfall gibt, der die Leute davon abhält, einen Film zu sehen. Erstattungen können während der ersten 30 Minuten des Screenings angeboten werden. Die New York Times berichtete, dass einige Filme, Serien und Musik – Publikummitglieder aus Terrence Malicks Film Tree of Life herausgegangen und um Rückerstattungen gebeten haben.

 

 

 

 

Bester Dokumentarfilm

 

 

 

 

Bei AMC-Theatern, „… Patrons, die durch den gesamten Film saß und dann beschlossen, sie wollten ihr Geld zurück waren aus Glück, da AMC die Politik nur zu bieten Rückerstattungen 30 Minuten in ein Screening „Wenn ein Film nicht was erwartet wird … und das Feature weniger als 30 Minuten angesehen wird, kann eine Filme, Serien und Musik – Rückerstattung für Sie an der Abendkasse bearbeitet werden.“

 

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Film

 

 

 

Snack Preise: Der Preis für alkoholfreie Getränke und Süßigkeiten in den Kinos ist in der Filme, Serien und Musik – Regel deutlich höher als die Kosten für diese Elemente an einer Fast-Food-Kette und Lebensmittelgeschäft, respectively. Popcorn Preise können auch exorbitant sein. Es wurde „… geschätzt, dass Kinos einen 85% Gewinn an den Konzessionen auf überteuert Soda, Süßigkeiten, Nachos, Hot Dogs und natürlich Popcorn zu machen. Movie-Theater Popcorn wurde als eines der größten Rip- Offs, mit einem Verkaufspreis von neun Mal, was es kostet zu machen.

 

 

 

Gute Filmreihen

 

 

 

Gehen auf Daten zu den Filmen ist seit langem mit dem Küssen verbunden gewesen; Jedoch empfiehlt ein Filmkolumnist, dass Paare, die so geneigt sind, Sitze auf der Rückseite des Theaters wählen sollten, um zu vermeiden, andere Filme, Serien und Musik – Gönner zu stören.

 

 

Die lustigsten Filme aller Zeiten

Schon vor der Filme, Serien und Musik – Erfindung von Bewegungsbildern waren die verdunkelten Auditorien von Opernhäusern mit der physischen Intimität zwischen Paaren verbunden, vor allem in den teuren Eigenkästen auf dem Balkon, die Vorhänge hatten, die man ziehen konnte. Seit der Einführung des Kino wurde diese Tradition fortgesetzt.

 

 

 

Beste Filme der Welt

 

 

 

 

Einige Paare besuchen Filme, weil der abgedunkelte Filme, Serien und Musik – Zuschauerraum die Möglichkeit eines Kussens und einer körperlichen Intimität bietet mit zusätzlicher Privatsphäre in der hinteren Reihe), daher die gleiche Intimität ist eine geringere Form der öffentlichen Zuneigung.

 

 

Die besten Filme der letzten 5 Jahren

 

 

 

Dies gilt insbesondere für junge Menschen, die noch bei ihren Eltern leben und deren Eltern dazu neigen, bestimmte Filme, Serien und Musik – Tätigkeiten zu überwachen und / oder zu verbieten sowie bei anderen sozialen oder sogar rechtlichen Problemen mit PDA. Verglichen mit dem Zusammensein in einem Raum ohne andere Menschen, kann es auch für ein oder beide der Paare (und für Eltern) beruhigend sein, dass die Intimität notwendigerweise begrenzt ist.

 

 

Serien

 

 

Ein Serie, oder mehrere Serien Fernsehprogramm wir die für Rundfunk, Fernsehen oder Internet-Fernsehen gedacht sind, mit Ausnahme eines Werbespots, eines Anhängers oder eines anderen Inhaltsbereichs, der nicht als Attraktion für Zuschauer dient . Es kann eine einzelne Filme, Serien und Musik – Produktion oder häufiger eine Reihe von verwandten Produktionen (auch Fernsehserie oder Fernsehsendung genannt) sein.

 

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Gute Serien

 

 

 

Eine begrenzte Anzahl von Episoden einer Fernsehshow kann eine Miniserie oder eine serielle oder limitierte Serie genannt werden. Serien ohne feste Länge werden in der Regel in Jahreszeiten (U.S.) oder Serien (UK), jährliche oder halbjährliche Sätze neuer Filme, Serien und Musik – Episoden aufgeteilt. Während es keine definierte Länge gibt, hat die Praxis der U.S. traditionell längere Fernsehjahreszeiten als die anderer Länder favorisiert.

 

 

 

Beste Serien

 

 

 

Eine einmalige Sendung einer oder mit einer Vielzahl von Serien kann ein „spezielles“ oder besonders in Großbritannien eine „spezielle Episode“ genannt werden. Ein Fernsehfilm ( „made-for-TV-Film“ oder „Fernsehfilm“) ist ein Movie, der zunächst im Filme, Serien und Musik – Fernsehen ausgestrahlt wird, anstatt in Theatern oder Direct-to-Video veröffentlicht wird.

 

 

 

Die besten Serien

 

 

 

Ein Programm kann entweder aufgezeichnet werden, wie auf Videobändern, anderen verschiedenen elektronischen Filme, Serien und Musik – Medienformen, die mit einem On-Demand-Player gespielt oder im Live-Fernsehen gesehen werden.

 

 

Top Frauen Serien

Fernsehprogramme können fiktiv sein (wie in Komödien und Dramen) oder nicht-fiktionalen (wie in Dokumentarfilmen, Filme, Serien und Musik – Nachrichten und Realität Fernsehen). Es kann aktuell sein (wie bei einer lokalen Nachrichtensendung und einigen Fernsehfilmen) oder historisch (wie bei vielen Dokumentarfilmen und fiktiven Serien). Sie könnten in erster Linie lehrreich oder pädagogisch oder unterhaltsam sein, wie es der Fall in der Situation Komödie und Spiel zeigt.

 

 

Coole amerikanische Serien

 

 

Ein Drama-Programm in der Regel verfügt über eine Reihe von Schauspielern spielen Charaktere in einer historischen oder zeitgenössischen Umgebung. Das Programm folgt ihrem Leben und Abenteuer. Abgesehen von Seifenoper-Serien-Serien, viele Shows vor allem vor den 1980er Jahren, blieb statisch ohne Story Bögen, und die Hauptfiguren und Prämisse veränderte wenig. Wenn einige Änderungen das Leben der Filme, Serien und Musik – Charaktere während der Episode passierten, wurde es normalerweise durch das Ende rückgängig gemacht.

 

 

 

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Aus diesem Grund könnten die Episoden in beliebiger Reihenfolge ausgestrahlt werden.) Seit den 1980er Jahren gibt es viele Serien, die eine progressive Veränderung der Handlung, der Charaktere oder beides aufweisen. Zum Beispiel, Hill Street Blues und St. Elsewhere waren zwei der ersten amerikanischen prime Zeit Drama TV-Serie, um diese Art von dramatischen Struktur haben, während die spätere Serie, Babylon 5, ist ein extremes Beispiel für eine solche Filme, Serien und Musik – Produktion, die eine vorgegebene Geschichte ausgeführt hat Über seinen beabsichtigten Fünfjahreszeitlauf.

 

 

Die besten Jugendserien

 

 

Im Jahr 2012 wurde berichtet, dass das Fernsehen zu einem größeren Teil der großen Medienunternehmen Umsatz als Film wuchs. [2] Einige nahmen auch die Zunahme der Qualität von einigen Fernsehprogrammen. Im Jahr 2012 sagte der Oscar-preisgekrönte Filmregisseur Steven Soderbergh, der auf Ambiguität und Komplexität von Charakter und Erzählung hindeutete: „Ich denke, dass diese Qualitäten jetzt im Fernsehen gesehen werden und dass Menschen, die Filme, Serien und Musik – Geschichten sehen wollen, die diese Qualitäten haben, sind Fernsehen. „

 

 

Amerikanische Krimiserien Liste

Wenn eine Person oder ein Unternehmen entscheidet, eine neue Serie zu schaffen, entwickeln sie die Elemente der Show, bestehend aus dem Konzept, den Charakteren, der Besatzung und dem Cast. Dann bieten sie ( „pitch“) es an die verschiedenen Netzwerke in einem Versuch, ein Interesse genug zu finden, um einen Prototyp ersten Episode der Serie, bekannt als Pilot zu finden. Eric Coleman, ein Animationschef bei Disney, sagte zu einem Interviewer: „Ein Irrglaube ist, dass es sehr schwierig ist, sich einzubringen und Ihre Show zu platzieren, wenn die Wahrheit ist, dass Führungskräfte in Filme, Serien und Musik – Netzwerken sehr viel Ideen hören wollen Erhalten Sie das Wort auf, welche Arten von Shows sie suchen. „

 

 

Neue coole Serien

 

 

Um den Piloten zu schaffen, müssen die Struktur und das Team der gesamten Serie zusammengestellt werden. Wenn das Netzwerk den Piloten mag, holen sie die Show ab, um es in der nächsten Saison (meist Fall) zu lüften. Manchmal sparen sie es für die Zwischensaison, oder fordern Sie umschreibt und weitere Überprüfung (bekannt in der Industrie als Entwicklungs-Hölle). Andere Zeiten, sie passieren vollständig, zwingt den Schöpfer der Filme, Serien und Musik – Show zu anderen Netzwerken. Viele Shows kommen nie an der Pilotstufe vorbei.

 

 

 

Gute deutsche Serie

 

 

Die Show schreibt einen Stall von Schriftstellern ein, die in der Regel parallel arbeiten: der erste Schriftsteller arbeitet an der ersten Episode, der zweite an der zweiten Episode usw. Wenn alle Schriftsteller verwendet wurden, beginnt die Episodenzuweisung wieder mit dem ersten Schriftsteller. Auf anderen Schauen arbeiten die Schriftsteller jedoch als Team. Manchmal entwickeln sie eigenständig Story-Ideen und bringen sie zum Schöpfer der Show, der sie zu einem Filme, Serien und Musik – Drehbuch zusammenfaltet und umschreibt.

 

 

Lustige TV Serien

 

 

Wenn die Show abgeholt wird, bestellt das Netzwerk einen „Lauf“ von Episoden – meist nur sechs oder 13 Episoden auf den ersten, obwohl eine Filme, Serien und Musik – Saison in der Regel besteht aus mindestens 22 Episoden. (Die mittlere Seasons sieben und letzte neun Episoden sind manchmal die „Mitte-sieben“ und „Back Nine“ -Borgen die umgangssprachlichen Begriffe aus Bowling und Golf).

 

 

 

Serien in Großbritannien

 

 

 

 

Im Gegensatz zu dem oben dargestellten U.S.-Modell wird das britische Verfahren auf einem manchmal ähnlichen, aber viel kleineren Maßstab betrieben.

Die Methode des „Mannschaftsschreibens“ wird auf einigen längeren dramatischen Serien (in der Regel bis zu einem Maximum von etwa 13 Episoden) eingesetzt. Die Filme, Serien und Musik – Idee für ein solches Programm kann „in-house“ durch eines der Netzwerke erzeugt werden; Es könnte von einer unabhängigen Produktionsfirma (manchmal ein Produkt von beidem) stammen. Zum Beispiel ist die BBC-Langzeit-Seifenoper EastEnders ganz eine BBC-Produktion, während ihr populäres Drama Life on Mars von Kudos in Verbindung mit dem Sender entwickelt wurde.

 

 

Lustige TV Serien

 

 

Allerdings gibt es noch eine beträchtliche Anzahl von Programmen (meist Sitcoms), die um nur ein oder zwei Schriftsteller und ein kleines, engmaschiges Filme, Serien und Musik – Produktionsteam aufgebaut sind. Diese werden in der traditionellen Weise „aufgeschlagen“, aber da der Schöpfer alle Schreibanforderungen erfüllt, gibt es einen Durchlauf von sechs oder sieben Episoden pro Reihe, sobald Zustimmung gegeben worden ist. Viele der populärsten britischen Komödien wurden auf diese Weise gemacht, darunter Monty Pythons Flying Circus (allerdings mit einem exklusiven Team aus sechs Schriftstellern), Fawlty Towers, Blackadder und The Office.

 

 

 

Serien – Produktion

Bei der Produktionsfirma, die oft getrennt vom Sender ist, ist der ausführende Produzent, oft der Schöpfer der Show, für den Betrieb der Show verantwortlich. Sie wählen die Crew und helfen, die Schauspieler zu werfen, zu genehmigen und manchmal schreiben Serien-Plots (einige sogar schreiben oder direkte großen Episoden). Verschiedene andere Produzenten sorgen dafür, dass die Filme, Serien und Musik – Show reibungslos läuft.

 

 

Die besten Krimi Serien aller Zeiten

 

 

Wie beim Filmemachen oder anderen elektronischen Medien Produktion kann die Filme, Serien und Musik – Produktion einer einzelnen Episode in drei Teile unterteilt werden. Die Vorproduktion beginnt, wenn ein Skript genehmigt wird. Ein Regisseur wird ausgewählt, um den letzten Blick der Episode zu planen.

 

 

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Pre-Production-Aufgaben gehören Storyboarding, Bau von Sets, Requisiten und Kostüme, Casting Gaststerne, Budgetierung, Erwerb von Ressourcen wie Beleuchtung, Spezialeffekte, Stunts, etc. Sobald die Show geplant ist, muss es dann geplant werden, Szenen sind oft aus der Sequenz gefilmt, Gast-Schauspieler oder sogar Stammgäste können nur zu bestimmten Zeiten verfügbar sein. Manchmal muss die Hauptfotografie verschiedener Episoden gleichzeitig durchgeführt werden, was den Filme, Serien und Musik – Zeitplan kompliziert (ein Gaststar könnte Szenen aus zwei Episoden am selben Nachmittag schießen). Komplexe Szenen werden vom Storyboard zu Animationen übersetzt, um die Handlung weiter zu klären. Skripts werden den veränderten Anforderungen angepasst.

 

 

Beliebte deutsche Serien

 

 

Einige Shows haben einen kleinen Stall von Regisseuren, aber auch in der Regel auf externe Regisseure verlassen. Angesichts der zeitlichen Einschränkungen des Rundfunks könnte eine einzelne Show zwei oder drei Episoden in der Vorproduktion, ein oder zwei Episoden in der Hauptfotografie und einige mehr in verschiedenen Filme, Serien und Musik – Stadien der Postproduktion haben. Die Aufgabe der Regie ist komplex genug, dass ein einzelner Regisseur kann in der Regel nicht auf mehr als eine Episode oder Show zu einem Zeitpunkt arbeiten, daher die Notwendigkeit für mehrere Regisseure.

 

 

 

Gute Polizeiserien

Hauptaufnahme ist die eigentliche Dreharbeiten der Episode. Regisseur, Schauspieler und Besatzung sammeln sich in einem Fernsehstudio oder vor Ort für das Filmen oder Videoing einer Szene. Eine Szene wird weiter in Aufnahmen geteilt, die während der Vorproduktion geplant werden sollten. Abhängig von der Filme, Serien und Musik – Terminierung kann eine Szene in nicht-sequentieller Reihenfolge der Story aufgenommen werden. Konversationen können zweimal aus verschiedenen Kamerawinkeln gefilmt werden, oft mit Stand-Ins, so dass ein Schauspieler alle ihre Linien in einem Satz von Aufnahmen ausführen kann, und dann wird die andere Seite des Konversations aus der entgegengesetzten Perspektive gefilmt.

 

 

Die erfolgreichsten Serien aller Zeiten

 

 

Um eine Produktion pünktlich zu vervollständigen, kann eine zweite Einheit eine andere Szene an einem anderen Ort oder Ort gleichzeitig filmen, indem sie einen anderen Satz von Schauspielern, einen Regieassistenten und eine zweite Filme, Serien und Musik – Einheitencrew verwendet. Ein Direktor der Fotografie überwacht die Beleuchtung jedes Schusses, um Konsistenz sicherzustellen.

 

 

Beste englische Serien

Sobald Hauptfotografie vollständig ist, koordinieren Produzenten Aufgaben, um die Videobearbeitung zu beginnen. Visuelle und digitale Videoeffekte werden zu dem Film hinzugefügt; Dies wird oft an Unternehmen ausgelagert, die sich auf diese Bereiche spezialisiert haben. Häufig wird Musik mit dem Leiter unter Verwendung des Films als Zeitreferenz durchgeführt (andere musikalische Elemente können vorher aufgezeichnet werden). Ein Filme, Serien und Musik – Redakteur schneidet die verschiedenen Stücke von Film zusammen, fügt die musikalische Partitur und Effekte, bestimmt Szenenübergänge und montiert die fertige Show.

 

Beste TV Serie aller Zeiten

Die meisten Fernsehnetze auf der ganzen Welt sind „kommerziell“, abhängig von Werbezeit oder Sponsorenwerbung. Das Hauptanliegen der Rundfunkunternehmer liegt in ihrer Zielgruppe. Sobald die Anzahl der „freien Luft“ -Stationen durch die Verfügbarkeit von Kanalfrequenzen beschränkt war, erlaubt das Kabelfernsehen (außerhalb der Vereinigten Staaten, Satellitenfernsehen) eine Ausweitung der Zahl der Filme, Serien und Musik – Kanäle, die den Zuschauern zur Verfügung stehen (manchmal zu Prämienraten) In einem wesentlich wettbewerbsintensiveren Umfeld.

 

 

 

Bestbewertete Serien

 

 

 

Viele Skriptsysteme in den USA werden durch Defizitfinanzierung finanziert: Ein Studio finanziert die Produktionskosten einer Show und ein Netzwerk zahlt eine Lizenzgebühr an das Studio für das Recht auf die Sendung. Diese Lizenzgebühr deckt nicht die Filme, Serien und Musik – Produktionskosten der Show, was zu einem Defizit führt. Obwohl das Studio sein Geld nicht zurück in der ursprünglichen Ausstrahlung der Show macht, behält es das Eigentum an der Show.

 

 

Top amerikanische Serien

 

 

 

Diese Eigentumsvorbehalt ermöglicht das Studio, sein Geld zurück zu verdienen und einen Gewinn durch Syndication und DVD und Blu-ray Disc Umsatz zu verdienen. Dieses System stellt die meisten finanziellen Risiken auf die Studios, aber eine Show, die ein Hit in der Syndication und Heimvideo-Märkte ist, kann mehr als die Misses nachholen. Obwohl das Defizitfinanzierungssystem ein minimales finanzielles Risiko für die Filme, Serien und Musik – Netze darstellt, verlieren sie die künftigen Gewinne der Big-Hits, da sie nur die Shows bewilligen.

 

 

Die geilsten Serien

 

 

 

Die Kosten werden vor allem durch Werbeeinnahmen für Rundfunknetze und einige Kabelkanäle, während andere Kabelkanäle von den Abonnementerlösen abhängen. Im Allgemeinen sind Werbetreibende und damit Netzwerke, die von Filme, Serien und Musik – Werbeeinnahmen abhängen, mehr an der Zahl der Zuschauer im Alter von 18 bis 49 Jahren interessiert als an der Gesamtzahl der Zuschauer. Inserenten sind bereit, mehr zu werben, um auf Shows erfolgreich mit jungen Erwachsenen zu werben, weil sie weniger Fernsehen und sind schwerer zu erreichen als ältere Erwachsene. Laut Advertising Age war Gray’s Anatomy während der Saison 2007/08 in der Lage, 419.000 US-Dollar kommerziell zu vergeben, im Vergleich zu nur 248.000 US-Dollar für einen kommerziellen Einsatz bei CSI, trotz CSI mit fast fünf Millionen Zuschauern im Durchschnitt.

 

 

Serien Rating

 

 

 

Wegen seiner Filme, Serien und Musik – Stärke in jungen Demos konnte Friends fast dreimal so viel für eine kommerzielle Werbung wie Mord-Serien einnehmen, schrieb sie, obwohl die beiden Serien ähnliche Gesamtzahl der Zuschauer während der Jahreszeiten hatten, die sie zusammen in der Luft waren. Glee und The Office zeichneten weniger Zuschauer als NCIS während der Saison 2009/10, verdienten aber durchschnittlich $ 272.694 und $ 213.617, verglichen mit $ 150.708 für NCIS.

 

 

Die besten Frauenserien

Nach der Filme, Serien und Musik – Produktion wird die Sendung an das Fernsehsender übergeben, der sie an ihre Teilnehmerstationen sendet, die sie im vorgegebenen Broadcast-Programmierzeitschlitz senden. Wenn die Nielsen Ratings gut sind, wird die Show so lange wie möglich am Leben gehalten. Wenn nicht, wird die Show normalerweise abgebrochen. Die Schöpfer der Show werden dann über verbleibende Episoden und die Möglichkeit zukünftiger Episoden in andere Netzwerke geschickt. Auf besonders erfolgreichen Serien rufen die Produzenten ihre eigenen Serien wie Seinfeld, The Cosby Show, Corner Gas und M * A * S * H auf und beenden sie mit einer abschließenden Episode, die manchmal ein großes Serienfinale ist.

 

 

Serien im Fernsehen

 

 

In seltenen Fällen kann eine Serie, die nicht besonders hohe Filme, Serien und Musik – Bewertungen erregt hat und storniert wurde, eine Rückzahlung erhalten, wenn die DVD-Verkäufe besonders stark waren. Dies geschah in den Fällen von Family Guy in den USA und Peep Show in Großbritannien.

 

 

Serien online ansehen

 

 

Wenn die Show populär oder lukrativ ist und eine Reihe von Episoden (in der Regel 100 Episoden oder mehr) gemacht werden, geht es in Broadcast-Syndication (in den Vereinigten Staaten), wo Rechte auf Sendung des Programms dann weiterverkauft werden. Die Filme, Serien und Musik – Terminologie, die verwendet wird, um einen Satz von Episoden zu definieren, der von einer Fernsehserie produziert wird, variiert von Land zu Land.

 

 

Die besten HBO Serien

 

 

Im nordamerikanischen Fernsehen ist eine Reihe ein verbundenes Set von Fernsehprogramm-Episoden, die unter dem gleichen Titel laufen, möglicherweise überspannt viele Jahreszeiten. Seit den späten 1960er Jahren umfasst diese Broadcast-Programmierung Zeitplan typischerweise zwischen 20 und 26 Episoden. (Bis dahin könnte eine reguläre Fernsehsaison durchschnittlich mindestens 30 Episoden ausmachen.) Bis in die 1980er Jahre debütierten die meisten (aber sicher nicht alle) neuen Filme, Serien und Musik – Programme für die Broadcast-Netze in der „Herbstsaison“, die von September bis März lief Und nominell von 24 bis 26 Episoden enthalten.

 

 

Die besten amerikanischen Serien

 

 

 

Diese Filme, Serien und Musik – Episoden wurden rebroadcast während der Frühlings- (oder Sommer-) Jahreszeit, von April bis August. Aufgrund des Kabelfernsehens und der Nielsen-Sweeps reicht die „Herbst“ -Saison in der Regel bis Mai. So läuft eine „volle Saison“ auf einem Broadcast-Netzwerk in der Regel von September bis Mai für mindestens 22 Episoden.

 

 

Serien im Internet

 

 

 

Eine ganze Saison ist manchmal in zwei separate Filme, Serien und Musik – Einheiten mit einer Pause um das Ende des Kalenderjahres, wie die erste Saison von Jericho auf CBS aufgeteilt. Wenn diese Spaltung auftritt, wird die letzte Hälfte der Episoden manchmal mit dem Buchstaben B bezeichnet, wie in „Die letzten neun Episoden (von The Sopranos) werden Teil dessen sein, was entweder“ Season 6, Teil 2 „oder“ Season „genannt wird 6B „, oder in“ Futurama ist die Teilung seiner Jahreszeiten ähnlich wie South Park tut, eine halbe Saison zu einer Zeit, so dass dies Saison 6B für sie ist. Seit den 1990er Jahren haben diese kürzere Jahreszeiten auch Die als „.5“ oder Halbjahreszeiten bezeichnet wurden, wo der Lauf zwischen September und Dezember als „Saison X“ bezeichnet wird und der zweite Lauf zwischen Januar und Mai „Saison X.5“ genannt wird Inkarnation von Battlestar Galactica, ABC’s FlashForward und ABC-Familie machen es oder Break It.

 

 

Beliebteste Serien weltweit

 

 

Heutzutage wird eine neue Serie häufig nur für die ersten 10 bis 13 Episoden bestellt (gefördert), um das Filme, Serien und Musik – Publikuminteresse zu messen. Wenn es „abgeholt“ wird, wird die Saison zu den regulären 20 bis 26 Episoden abgeschlossen. Ein Midseason-Ersatz ist eine kostengünstige Short-Run-Show (10-13 Episode) entworfen, um den Platz einer Original-Serie, die nicht zu einem Publikum zu gewinnen und wurde nicht abgeholt. Ein „Serienfinale“ ist die letzte Show der Serie, bevor die Show nicht mehr produziert wird. (In Großbritannien bedeutet dies das Ende einer Saison, was in den USA als „Saisonfinale“ bekannt ist).

 

 

Amerikanische Jugendserien

Im Vereinigten Königreich und in anderen Ländern werden diese Sätze von Episoden als „Serie“ bezeichnet. In Australien kann die Sendung von der nordamerikanischen Nutzung abweichen; Jedoch werden die Ausdrücke Reihe und Jahreszeit beide verwendet und sind die selben. ZB hat Battlestar Galactica eine ursprüngliche Reihe sowie ein Remake, beide werden als eine unterschiedliche Filme, Serien und Musik – Reihe jeder mit ihrer eigenen Zahl der einzelnen Jahreszeiten betrachtet.

 

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Die 10 beliebtesten Serien

 

 

Australischen Fernsehen nicht folgen „Jahreszeiten“ in der Art, dass US-Fernsehen tut; Zum Beispiel gibt es keine „Herbstsaison“ oder „Herbstzeitplan“. Viele Jahre lang gingen populäre Nachtdramas in Australien für einen Großteil des Jahres aus und gingen nur während der Sommerperiode (Dezember-Februar, wie Australien in der südlichen Hemisphäre ist), wenn keine Bewertung vorgenommen wird. Folglich würden populäre Filme, Serien und Musik – Dramen normalerweise von Februar bis November jedes Jahr laufen. Dieser Zeitplan wurde in den siebziger Jahren für populäre Dramen einschließlich Zahl 96 verwendet. Viele Dramaserien, wie McLeods Töchter, haben in der Mehrheit von zwischen 22 und 32 Episoden pro Jahreszeit empfangen.

 

 

Erfolgreiche US Serien

 

 

Normalerweise würde eine Seifenoper wie Heim und Auswärts eine neue Jahreszeit Ende Januar beginnen und das Saisonfinale würde Ende November, mit 220-230 Episoden pro Jahreszeit Luft. Doch während der Olympischen Spiele, Heim-und Auswärtssiedlung oft gehen auf Hiatus, die als „Olympic Cliffhanger“ bezeichnet wird. Daher würde die Filme, Serien und Musik – Anzahl der Episoden abnehmen. Dies ist nicht mehr der Fall, da die Olympischen Spiele nicht mehr im Winter auf dem Seven Network ab dem Jahr 2012 ausgestrahlt werden. Die australische Situation Komödie Serie ‚Jahreszeiten sind etwa 13 Episoden lang und Premiere jedes Mal zwischen Februar und November.

 

 

Beliebteste Serien USA

 

 

 

Britische Shows haben in den letzten Jahren eher zu kürzeren Serien geführt. Zum Beispiel zeigte die erste Serie der langlebigen Science-Fiction-Show Doctor Who im Jahr 1963 zweiundvierzig 25-minütige Episoden, fiel diese bis 25 von 1970 auf Veränderungen in der Filme, Serien und Musik – Produktion und setzte sich bis 1984. Für 1985 wurden weniger aber längere Episoden gezeigt , Aber auch nach einer Rückkehr zu kürzeren Episoden im Jahr 1986, Mangel an Unterstützung innerhalb der BBC bedeutete weniger Episoden wurden beauftragt, was zu nur vierzehn 25-Minuten-Episoden bis zu denen im Jahr 1989, nachdem sie abgesagt wurde.

 

 

Die erfolgreichsten Serien aller Zeiten Liste

 

 

Die Wiederbelebung von Doctor Who aus dem Jahr 2005 umfasst dreizehn 45-minütige Raten. Jedoch gibt es einige Serien in Großbritannien, die eine größere Anzahl von Episoden haben, zum Beispiel Waterloo Road begann mit 8 bis 12 Episoden, aber von Serie drei weiter ging es auf 20 Episoden, und Serie sieben wird 30 Episoden enthalten. Vor kurzem haben amerikanische Nichtkabelnetze auch begonnen, mit kürzeren Serien für einige Filme, Serien und Musik – Programme zu experimentieren, besonders Reality-Shows wie Survivor. Allerdings sind sie oft Luft zwei Serien pro Jahr, was in etwa die gleiche Anzahl von Episoden pro Jahr als Drama.

 

 

Die beste deutsche Serie

 

 

Dies ist eine Reduktion einer Serie von den 1950er Jahren, in der viele amerikanische Shows (z. B. Gunsmoke) zwischen 29 und 39 Episoden pro Saison hatten. Die tatsächliche Filme, Serien und Musik – Geschichtenerzählzeit innerhalb einer kommerziellen Fernsehstunde hat sich allmählich im Laufe der Jahre verringert, von 50 Minuten von allen 60 auf die aktuellen 44 (und noch weniger auf einigen Netzwerken), beginnend im frühen 21. Jahrhundert.

 

 

Beste Fernsehserien aller Zeiten

 

 

 

Die Filme, Serien und Musik – Verwendung von „Saison“ und „Serie“ unterscheiden sich für DVD und Blu-ray-Versionen in Australien und Großbritannien. In Australien werden viele lokal produzierte Shows anders als bei Heimvideo-Releases bezeichnet. Zum Beispiel wird ein Satz der Fernsehdrama-Reihe, die zu den Rafters oder zu Wentworth gepackt wird, als „Jahreszeit“ ( „die komplette erste Jahreszeit“ etc.) bezeichnet, während Dramaserien wie Tangle als „Reihe“ Serie 1 „usw.). Allerdings werden britisch produzierte Shows wie Mrs. Brown’s Boys in Australien als „Saison“ für die DVD- und Blu-ray-Veröffentlichungen bezeichnet.

 

 

Meistgesehene Serie der Welt

 

 

Im Vereinigten Königreich werden die meisten britisch produzierten Shows als „Serie“ für DVD und Blu-ray bezeichnet, außer für Shows wie die Drama-Serie Hex und Echo Beach, die als „Saison“ bekannt sind. „Season“ wird nur für Filme, Serien und Musik – Veröffentlichungen von amerikanischen, australischen und internationalen Shows verwendet. Obwohl in der Vergangenheit, wenn eine amerikanische Serie veröffentlicht wurde, wurde es als „Serie“, zum Beispiel Friends: Series 1 bezeichnet. Allerdings sind alle nachfolgenden Re-Release jetzt bekannt als „Saison“

 

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Die besten Teenager Serien

In den Vereinigten Staaten sind Dramen, die für Stunden-Zeitschlitze erzeugt werden, typischerweise 39 bis 42 Minuten lang (ohne Werbung), während Sitcoms, die für 30-Minuten-Zeitschlitze erzeugt werden, typischerweise 18 bis 21 Minuten lang sind. Es gibt Ausnahmen als Filme, Serien und Musik – Abonnement-basierte TV-Kanäle (wie Showtime) haben Episoden mit 45 bis 48 Minuten Programm, ähnlich wie in Großbritannien.

 

 

Beliebte Serien für Frauen

 

 

In Großbritannien laufen Dramen Serien von ungefähr 45 bis 48 Minuten, mit 57 bis 59 Minuten auf BBC1. Sitcoms variieren stark und sind zwischen 22 und 27 Minuten im Allgemeinen und 27 bis 29 Minuten auf BBC1. Die längere Dauer auf den nationalen Fernsehkanälen (BBC1 und BBC2) beruht auf dem Mangel an Werbung, die nur Zeit für die Überbrückung von Filme, Serien und Musik – Kommentaren und Trailer in jedem Programmschlitz erfordert.

 

 

 

Musik

 

 

 

Musik ist eine Kunstform und kulturelle Aktivität, deren Medium Klang und Stille ist, die in der Zeit existieren. Die gemeinsamen Elemente der Musik sind Tonhöhe (die Melodie und Harmonie bestimmt), Rhythmus (und die damit verbundenen Filme, Serien und Musik – Konzepte Tempo, Meter und Artikulation), Dynamik (Lautheit und Weichheit) und die Klangqualität von Klangfarbe und Textur (die manchmal auch als „Farbe“ eines musikalischen Klangs). Verschiedene Stile oder Arten von Musik können betonen, de-betonen oder weglassen einige dieser Elemente.

 

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Die Musik wird mit einer breiten Filme, Serien und Musik – Palette von Instrumenten und Gesangstechniken durchgeführt, von Gesang bis Klopfen, und es gibt nur Instrumentalstücke, ausschließlich Gesangstücke (wie Songs ohne Instrumentalbegleitung) und Stücke, die Gesang und Instrumente kombinieren. Das Wort stammt aus dem Griechischen μουσική (mousike; „Kunst der Musen“). In ihrer allgemeinsten Form schließen die Tätigkeiten, die Musik als eine Kunstform beschreiben, die Produktion von Werken der Musik (Lieder, Melodien, Symphonien, und so weiter), die Kritik der Musik, das Studium der Musikgeschichte und die ästhetische Untersuchung Der Musik.

 

 

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Antike griechische und indische Philosophen definierten Musik als Töne, die horizontal als Melodien und vertikal als Harmonien angeordnet wurden. Gemeinsame Worte wie „die Harmonie der Sphären“ und „es ist Musik in meinen Ohren“ deuten auf die Filme, Serien und Musik – Vorstellung hin, dass Musik oft bestellt und angenehm zu hören ist. Der Komponist John Cage aus dem 20. Jahrhundert dachte, dass jeder Ton Musik sein kann, zum Beispiel: „Es gibt keinen Lärm, nur Klang.“

 

 

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Die Filme, Serien und Musik – Entstehung, die Leistung, die Bedeutung und sogar die Definition der Musik variieren je nach Kultur und sozialem Kontext. Tatsächlich wurden im Laufe der Geschichte einige neue Formen oder Stile der Musik als „nicht Musik“ kritisiert, darunter Beethovens Grosse Fuge Streichquartett im Jahre 1825, der frühe Jazz Anfang des 19. Jahrhunderts und der Hardcore-Punk. Es gibt viele Arten von Musik, darunter populäre Musik, traditionelle Musik, Kunst Musik, Musik geschrieben für religiöse Zeremonien und Arbeit Songs wie chanteys. Die Musik reicht von streng organisierten Kompositionen wie klassischen Musiksymphonien aus den Jahren 1700 bis 1800 bis hin zu spontan gespielter improvisatorischer Musik wie Jazz und avantgardistischen Stilen zeitgenössischer Musik aus dem 20. und 21. Jahrhundert.

 

 

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Die Musik kann in Gattungen (z. B. Countrymusik) unterteilt werden und Filme, Serien und Musik – Genres können weiter in Subgenres unterteilt werden (zB Country Blues und Pop Country sind zwei der vielen Subgenres), obwohl die Trennlinien und Beziehungen zwischen den Musikgenres oft subtil sind, Manchmal offen für persönliche Interpretation, und gelegentlich umstritten. Zum Beispiel kann es schwierig sein, die Linie zwischen einigen frühen 1980er Jahren Hard Rock und Schwermetall zu ziehen. Innerhalb der Kunst kann Musik als darstellende Kunst, als bildende Kunst oder als auditive Kunst klassifiziert werden. Musik kann gespielt, gesungen und live bei einem Rockkonzert oder einer Orchesteraufführung gespielt werden, live im Rahmen eines dramatischen Werkes (einer Musiktheater-Show oder Oper) live aufgenommen oder auf einem Radio, MP3-Player, CD aufgenommen und abgespielt werden Spieler, Smartphone oder als Filmmusik oder TV-Show.

 

 

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In vielen Kulturen ist Musik ein wichtiger Bestandteil der Lebensweise der Menschen, da sie eine Schlüsselrolle in religiösen Ritualen, Riten von Passagen (zB Graduierung und Heirat), soziale Aktivitäten (zB Tanz) und kulturelle Aktivitäten von Amateuren einnimmt Karaoke-Gesang zum Spielen in einer Amateur-Funkband oder Gesang in einem Gemeinschaftschor. Die Menschen können Musik als Hobby, zum Beispiel, ein Teenager, der Cello spielt in einem Jugendorchester, oder durch die Arbeit als professioneller Musiker oder Sänger. Die Musikindustrie umfasst die Personen, die neue Songs und musikalische Stücke, wie Songwriter und Komponisten, zu schaffen; Die Musik, darunter Orchester, Jazzband und Rockbandmusiker, Sänger und Dirigenten; Personen, die Musik (Musikproduzenten und Toningenieure) aufnehmen und Konzertreisen organisieren und diejenigen, die Filme, Serien und Musik – Aufzeichnungen und Noten an Kunden zu verkaufen.

 

 

 

Etymologie

 

 

 

In der griechischen Mythologie waren die neun Musen die Filme, Serien und Musik – Inspiration für viele kreative Anstrengungen, einschließlich der Künste.
Das Wort stammt aus dem Griechischen μουσική (mousike; „Kunst der Musen“). In der griechischen Mythologie waren die neun Musen die Göttinnen, die die Literatur, die Wissenschaft und die Künste inspirierten und die Quelle des Wissens waren, das in der Poesie, den Liedertexten und den Mythen in der griechischen Kultur verkörpert wurde. Laut dem Online Etymological Dictionary wird der Begriff „Musik“ von „mid-13c., Musike, from old français musique. Und direkt von der lateinischen musica“ die Kunst der Musik „, einschließlich auch der poesie (auch [die ] Quelle der spanischen Musik, Italienische Musik, Alte Hochdeutsche Moschee, Deutsche Musik, Holländische Muziek, Dänische Musik). “ Dies ist aus dem „… griechischen Mousike (techne)“ (Kunst) der Musen, „von fem. Von mousikos“ in Bezug auf die Musen „, von Mousa“ Muse „(siehe Muse (n.)) Abgeleitet Im klassischen Griechenland [bezieht sich die Bezeichnung „Musik“ auf] jede Kunst, in der die Musen herrschten, aber vor allem Musik und Lyrik.

 

 

 

Musik als eine Form der Kunst oder Unterhaltung

 

 

 

 

Jean-Gabriel Ferlan bei einem Konzert im Jahr 2008 auf dem Collège-Lycée Saint-François Xavier. Musik wird für viele Zwecke zusammengestellt und durchgeführt, angefangen von ästhetischem Vergnügen, religiösen oder zeremoniellen Zwecken oder als Unterhaltungsprodukt für den Markt. Wenn Musik nur über Notenblätter, wie während der klassischen und romantischen Ära, verfügbar war, würden Musikliebhaber die Noten ihrer Lieblingsstücke und Lieder kaufen, damit sie sie zu Hause auf dem Klavier spielen konnten. Mit dem Aufkommen der Tonaufnahme, Aufzeichnungen von populären Songs, anstatt Noten wurde die dominierende Art und Weise, dass Musikliebhaber würden ihre Lieblings-Songs zu genießen. Mit dem Aufkommen von Home-Tape-Recordern in den 1980er Jahren und digitaler Musik in den 1990er Jahren konnten Musikliebhaber Bänder oder Playlists ihrer Lieblings-Songs machen und sie mit einem tragbaren Kassettenspieler oder MP3-Player mitnehmen. Einige Musikliebhaber schaffen Mixbänder ihrer Lieblingslieder, die als „Selbstporträt, Geste der Freundschaft, Rezept für eine ideale Partei … und eine Filme, Serien und Musik – Umgebung dienen, die nur aus dem besteht, was am meisten geliebt wird.“

 

 

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Amateurmusiker komponieren und / oder führen Musik zum eigenen Vergnügen und leiten ihr Einkommen anderweitig ab. Professionelle Musiker werden von einer Reihe von Institutionen und Organisationen eingesetzt, darunter Streitkräfte (in marschierenden Bands, Konzertbands und populären Musikgruppen), Kirchen und Synagogen, Symphonieorchester, Rundfunk- oder Filmproduktionsfirmen und Musikschulen. Professionelle Musiker arbeiten manchmal als Filme, Serien und Musik – Freelancer oder Session-Musiker, suchen Verträge und Engagements in einer Vielzahl von Einstellungen. Es gibt oft viele Verbindungen zwischen Amateur- und Berufsmusikern. Beginnend Amateur-Musiker nehmen Unterricht mit professionellen Musikern. In Community-Einstellungen führen fortgeschrittene Amateur-Musiker mit professionellen Musikern in einer Vielzahl von Ensembles wie Community-Konzertbands und Community-Orchestern.

 

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Oftmals wird zwischen Musik für ein Live-Publikum und Musik, die in einem Studio durchgeführt wird, unterschieden, so dass es aufgezeichnet und über das Musik-Einzelhandelssystem oder das Rundfunksystem verteilt werden kann. Es gibt aber auch viele Fälle, in denen eine Live-Aufführung vor dem Filme, Serien und Musik – Publikum aufgezeichnet und verteilt wird. Live Konzertaufnahmen sind in der klassischen Musik und in populären Musikformen wie Rock beliebt, wo illegal geklebte Live-Konzerte von Musikliebhabern geschätzt werden. In der Jam-Bandszene sind Live-, improvisierte Jam-Sessions bevorzugt Studioaufnahmen.

 

 

Musikalische Komposition

 

 

 

Menschen komponieren Musik im Jahr 2013 mit elektronischen Tastaturen und Filme, Serien und Musik – Computern. Französischer Barockmusikkomponist Michel Richard Delalande (1657-1726), Feder in der Hand.  „Komposition“ ist die Handlung oder Praxis, ein Lied, ein instrumentales Musikstück, ein Werk mit Gesang und Instrumenten oder eine andere Art von Musik zu schaffen. In vielen Kulturen, einschließlich westlicher klassischer Musik, beinhaltet die Komponierung auch die Schaffung von Musiknotation, wie eine Notenpartitur, die dann vom Komponisten oder von anderen Sängern oder Musikern aufgeführt wird. In der populären Musik und der traditionellen Musik kann die Kompositionshandlung, die in der Regel als Songwriting bezeichnet wird, die Schaffung eines grundlegenden Umrisses des Liedes, das so genannte Lead Sheet, die die Melodie, Lyrik und Akkord-Progression.

 

 

Klassische Musik

 

 

 

In der klassischen Musik orchestriert der Komponist typischerweise ihre eigenen Kompositionen, aber im Musiktheater und in der Popmusik können Songwriter einen Arrangeur einstellen, um die Orchestrierung durchzuführen. In einigen Fällen kann ein Songwriter nicht Filme, Serien und Musik – Notation überhaupt verwenden, und stattdessen das Lied in ihrem Kopf und dann spielen oder aufzeichnen sie aus dem Gedächtnis. Im Jazz und in der populären Musik sind bemerkenswerte Aufnahmen von einflussreichen Performern das Gewicht gegeben, das geschriebene Partituren in der klassischen Musik spielt.

 

 

Jazz Musik

 

 

Auch wenn Musik relativ präzise, wie in der klassischen Musik, notiert wird, gibt es viele Entscheidungen, die ein Filme, Serien und Musik – Performer zu machen hat, weil Notation nicht alle Elemente der Musik genau spezifiziert. Der Prozess der Entscheidung, wie man Musik, die zuvor zusammengesetzt und notiert wurde durchführen wird als „Interpretation“. Verschiedene Interpretationen der Interpreten desselben Musikstückes können sehr unterschiedlich sein, in Bezug auf die gewählten Tempi und den Spiel- oder Gesangsstil oder die Phrasierung der Melodien. Komponisten und Songwriter, die ihre eigene Musik präsentieren, interpretieren ihre Songs genauso wie diejenigen, die die Musik anderer spielen. Der Standardkörper der Entscheidungen und Techniken, die zu einem gegebenen Zeitpunkt und zu einem gegebenen Ort vorhanden sind, wird als Aufführungspraxis bezeichnet, während Interpretation allgemein verwendet wird, um die individuellen Entscheidungen eines Darstellers zu bedeuten.

 

 

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Obwohl eine musikalische Komposition oft musikalische Notation verwendet und einen einzigen Autor hat, ist dies nicht immer der Fall. Ein Werk der Musik kann mehrere Komponisten haben, die oft in der Volksmusik auftreten, wenn eine Band zusammenarbeitet, um ein Lied zu schreiben, oder im Musiktheater, wenn eine Person die Melodien schreibt, eine zweite Person die Texte schreibt und eine dritte Person die Lieder orchestriert. In einigen Arten von Musik, wie der Blues, kann ein Komponist / Songwriter erstellen, durchführen und aufzeichnen neue Songs oder Stücke, ohne jemals schreiben sie in Musiknotation. Ein Musikstück kann auch mit Worten, Bildern oder Filme, Serien und Musik – Computerprogrammen komponiert werden, die erklären, wie der Sänger oder Musiker musikalische Klänge erzeugen sollte. Beispiele reichen von Avantgarde-Musik, die grafische Notation, Text-Kompositionen wie Aus den sieben Tagen verwendet, um Computerprogramme, die Klänge für musikalische Stücke auswählen. Die Musik, die von Zufall und Zufall Gebrauch macht, wird aleatorische Musik genannt und ist mit zeitgenössischen Komponisten assoziiert, die im 20. Jahrhundert aktiv sind, wie John Cage, Morton Feldman und Witold Lutosławski. Ein bekannteres Beispiel für zufallsbasierte Musik ist der Klang der Windspiele, die in einer Brise klingen.

 

 

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Das Studium der Komposition wurde traditionell von der Untersuchung der Filme, Serien und Musik – Methoden und der Praxis der westlichen klassischen Musik beherrscht, doch die Definition der Komposition ist breit genug, um populäre Musik und traditionelle Musiklieder und Instrumentalstücke zu schaffen und spontane improvisierte Werke wie jene des freien Jazz aufzunehmen Performer und afrikanische Schlagzeuger wie Ewe-Trommler.

 

 

Musikalische Notenvariationen

 

 

 

Noten sind Musikdarstellung. Dies ist eine homorhythmische (d.h. hymnische) Anordnung eines traditionellen Stückes mit dem Titel „Adeste Fideles“, im Standard-Zwei-Stab-Format für gemischte Stimmen. In den 2000er Jahren bedeutet Musiknotation typischerweise den schriftlichen Ausdruck von Musiknoten und Rhythmen auf Papier mit Symbolen. Wenn Musik aufgeschrieben wird, werden die Tonhöhen und der Rhythmus der Musik, wie die Noten einer Melodie, notiert. Musiknotation gibt auch häufig Filme, Serien und Musik – Anweisungen, wie man die Musik durchführt. Zum Beispiel kann die Notenmusik für einen Song angeben, dass der Song ein „langsamer Blues“ oder ein „schneller Swing“ ist, der das Tempo und das Genre anzeigt. Um Musiknotation zu lesen, muss eine Person ein Verständnis der Musiktheorie, der Harmonie und der Aufführungspraxis haben, die mit einem bestimmten Lied oder Stückgattung verbunden ist.

 

 

Rhytmus und Musiknoten

 

 

 

Schriftliche Schreibweise variiert mit Stil und Zeit der Musik. In den 2000er Jahren wird notierte Musik als Noten oder für Personen mit Computer-Scorewriter-Programmen als Bild auf einem Computerbildschirm erzeugt. In alten Zeiten, Musik Notation wurde auf Stein oder Ton-Tabletten. Um Noten aus Noten zu machen, benötigt ein Sänger oder Instrumentalist ein Verständnis der in den Symbolen verkörperten rhythmischen und Tonhöhenelemente und der Aufführungspraxis, die mit einem Musikstück oder einem Filme, Serien und Musik – Genre verbunden ist. In Gattungen, die musikalische Improvisation erfordern, spielt der Darsteller oft von Musik, wo nur der Akkordwechsel und die Form des Liedes geschrieben sind, wobei der Darsteller ein großes Verständnis für die Struktur, die Harmonie und die Stile eines bestimmten Genres (z. B. Jazz) haben muss Oder Country-Musik).

 

 

 

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In der Kunst der westlichen Kunst sind die häufigsten Arten der schriftlichen Notation Partituren, die alle Musikteile eines Ensemblestückes enthalten, und Teile, die die Notenschrift für die einzelnen Interpreten oder Sänger sind. In der populären Musik, im Jazz und im Blues, ist die übliche musikalische Notation das Bleiblatt, das die Melodie, Akkorde, Lyriken (wenn es ein Gesangstück ist) und Struktur der Musik notiert. Fake-Bücher werden auch im Jazz verwendet; Sie können aus Bleiblättern oder einfach Akkordkarten bestehen, die es den Rhythmusabschnittmitgliedern ermöglichen, einen Begleitungsteil zu Jazzliedern zu improvisieren. Scores und Parts werden auch in der populären Musik und Jazz, vor allem in großen Ensembles wie Jazz „Big Bands“ verwendet. In der populären Musik lesen Gitarristen und E-Bass-Spieler oft in der Tabulatur notierte Musik (oft als „Tabulatur“ abgekürzt), die die Position der Noten, die auf dem Instrument gespielt werden sollen, anhand eines Filme, Serien und Musik – Schemas der Gitarre oder des Bass-Griffbretts anzeigt. Tabulatur wurde auch in der Barockzeit verwendet, um Musik für die Laute zu notieren, ein Saiteninstrument.

 

 

 

Musikalische Improvisation

 

 

 

Musikalische Improvisation ist die Schaffung von spontanen Musik, oft innerhalb (oder basierend auf) eine bestehende harmonische Rahmen oder Akkord-Progression. Improvisation ist der Akt der augenblicklichen Komposition von Performern, wo Kompositionstechniken mit oder ohne Vorbereitung angewendet werden. Improvisation ist ein wichtiger Teil von einigen Arten von Musik, wie Blues, Jazz und Jazz Fusion, in denen Instrumental-Performer Soli, Melodie-Linien und Begleitung Teile improvisieren. In der westlichen Kunstmusiktradition war die Improvisation eine bedeutende Fähigkeit während der Barockzeit und während der klassischen Ära. In der Barock-Ära improvisierten die Interpreten improvisierte Filme, Serien und Musik – Ornamente und Basso continuo-Keyboarder improvisierte Akkordstimmen auf der Grundlage der gedachten Bass-Notation. In der klassischen Ära improvisierten Solisten und Sänger virtuose Kadenzen während Konzerten. Doch im 20. und frühen 21. Jahrhundert, als „gemeinsame Praxis“ Western Art Musik Performance wurde in Symphonie Orchester, Opernhäuser und Ballette institutionalisiert, hat Improvisation eine kleinere Rolle gespielt. Gleichzeitig begannen einige moderne Komponisten zunehmend die Improvisation in ihrer kreativen Arbeit. In der indischen klassischen Musik ist die Improvisation eine Kernkomponente und ein wesentliches Leistungskriterium.

 

 

 

Musiktheorie

 

 

 

Die Musiktheorie umfasst die Natur und Mechanik der Musik. Es geht oft darum, Muster zu bestimmen, die die Techniken der Komponisten bestimmen und die Sprache und die Noten von Musik untersuchen. In großem Sinne destilliert und analysiert die Musiktheorie die Parameter oder Elemente der Musik – Rhythmus, Harmonie (harmonische Funktion), Melodie, Struktur, Form und Textur. Im Großen und Ganzen kann die Musiktheorie jede Aussage, einen Glauben oder eine Filme, Serien und Musik – Konzeption von oder über Musik einschließen. Menschen, die diese Eigenschaften studieren, werden als Musiktheoretiker bezeichnet. Einige haben Akustik, menschliche Physiologie und Psychologie auf die Erklärung angewandt, wie und warum Musik wahrgenommen wird.

 

 

 

Die unterschiedlichen Aspekte der Musik

 

 

 

Musik hat viele verschiedene Grundlagen oder Elemente. Abhängig von der verwendeten Definition von „Element“ können diese umfassen: Tonhöhe, Schlag oder Puls, Tempo, Rhythmus, Melodie, Harmonie, Textur, Stil, Zuordnung von Stimmen, Klangfarbe oder Farbe, Dynamik, Ausdruck, Artikulation, Form und Struktur . Die Elemente der Musik spielen in den Musiklehrplänen von Australien, Großbritannien und den USA eine herausragende Rolle. Alle drei Curricula identifizieren Tonhöhe, Dynamik, Klangfarbe und Textur als Elemente, aber die anderen identifizierten Elemente der Musik sind weit von universell vereinbart. Unten ist eine Filme, Serien und Musik – Liste der drei offiziellen Versionen der „Elemente der Musik“:

 

 

 

Elemente der Musik

 

 

 

Australien: Tonhöhe, Klangfarbe, Textur, Dynamik und Ausdruck, Rhythmus, Form und Struktur.
UK: Tonhöhe, Klangfarbe, Textur, Dynamik, Dauer, Tempo, Struktur.
USA: Tonhöhe, Klangfarbe, Textur, Dynamik, Rhythmus, Form, Harmonie, Stil / Artikulation.
In Bezug auf das britische Curriculum wurde 2013 die Bezeichnung „passende musikalische Notationen“ zu ihrer Liste der Elemente hinzugefügt, und der Titel der Liste wurde von den „Elementen der Musik“ zu den „verwandten Dimensionen der Musik“ geändert. Die zusammenhängenden Dimensionen der Musik werden als: Tonhöhe, Dauer, Dynamik, Tempo, Klangfarbe, Textur, Struktur und entsprechende musikalische Notationen aufgelistet.

 

 

 

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Der Ausdruck „die Elemente der Musik“ wird in einer Reihe von unterschiedlichen Filme, Serien und Musik – Kontexten verwendet. Die beiden häufigsten Kontexte lassen sich unterscheiden, indem man sie als die „rudimentären Elemente der Musik“ und die „Wahrnehmungselemente der Musik“ beschreibt.

 

 

 

Rudimentäre Variationen der Musik

 

 

In den 1800er Jahren wurden der Ausdruck „die Elemente der Musik“ und der Ausdruck „die Rudimente der Musik“ austauschbar verwendet. Die Elemente, die in diesen Dokumenten beschrieben werden, beziehen sich auf Aspekte der Musik, die erforderlich sind, um Musiker zu werden. Aktuelle Schriftsteller wie Estrella scheinen den Satz „Elemente der Musik“ in ähnlicher Weise zu benutzen. Eine Definition, die diese Verwendung am genauesten widerspiegelt, ist: „die rudimentären Filme, Serien und Musik – Prinzipien einer Kunst, Wissenschaft, etc .: die Elemente der Grammatik.“ Der britische Curriculum Wechsel zu den „inter-related Dimensionen der Musik“ scheint zu sein Zurück zu den rudimentären Elementen der Musik.

 

 

 

Die Klangfarbe der Musik
Seit der Entstehung des Studiums der Psychoakustik in den 1930er Jahren haben sich die meisten Listen der Elemente der Musik mehr darauf bezogen, wie wir Musik hören, als dass wir lernen, es zu spielen oder zu studieren. C.E. Seashore, in seinem Buch Psychology of Music, identifiziert vier „psychologische Attribute des Klangs“. Diese waren: „Tonhöhe, Lautheit, Zeit und Klangfarbe“. Er nannte sie nicht die „Elemente der Musik“, sondern bezeichnet sie als „elementare Komponenten“. Trotzdem verknüpfen diese elementaren Filme, Serien und Musik – Komponenten exakt mit vier der häufigsten musikalischen Elemente: „Pitch“ und „Timbre“ passen genau zusammen, „Loudness“ verbindet Dynamik und „Zeit“ mit den zeitbasierten Elementen von Rhythmus, Dauer und Tempo. Diese Verwendung der Phrase „Die Elemente der Musik“ verknüpft enger mit Websters Neuen 20. Jahrhundert Wörterbuch Definition eines Elements als: „eine Substanz, die nicht in eine einfachere Form mit bekannten Methoden aufgeteilt werden“ und Bildungsinstitutionen Listen von Elemente mit dieser Liste übereinstimmen.

 

 

Lieder

 

 

Schriftsteller von Listen von „rudimentären Elementen der Musik“ variieren ihre Listen je nach ihren persönlichen Prioritäten. In Bezug auf die perzeptiven Elemente der Musik sollte es jedoch möglich sein, eine Liste von diskreten Elementen zu identifizieren, die unabhängig manipuliert werden können, um einen beabsichtigten musikalischen Effekt zu erzielen. Es scheint in diesem Stadium, dass es noch Forschung in diesem Filme, Serien und Musik – Bereich durchgeführt werden.

 

 

 

Analyse von musikalischen Stilen

 

 

 

Funk setzt die meisten seiner Betonung auf Rhythmus und Groove, mit ganzen Filme, Serien und Musik – Songs um einen Vamp auf einem einzigen Akkord basiert. Dargestellt sind die einflussreichen Funkmusiker George Clinton und Parlament Funkadelic im Jahr 2006.

 

 

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Einige Stile der Musik legen einen Schwerpunkt auf bestimmte dieser Grundlagen, während andere weniger Gewicht auf bestimmte Elemente. Um ein Beispiel zu nennen, verwendet der Bebop-Ära-Jazz sehr komplexe Akkorde, darunter veränderte Dominanten und anspruchsvolle Akkordfolgen, mit Akkorden, die sich zwei- oder mehrmals pro Takt ändern und die Tasten mehrmals in einer Melodie wechseln Rhythmus und Groove, mit ganzen Songs um einen Vamp auf einem einzigen Akkord basiert. Während die romantische Epoche klassische Musik von der Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts die dramatischen Veränderungen der Dynamik, vom Flüstern von Pianissimo-Sektionen bis zu donnernden Fortissimo-Abschnitten, verwendet, können einige Barock-Tanz-Suiten für Cembalo aus den frühen 1700er Jahren eine einzige Filme, Serien und Musik – Dynamik nutzen. Um ein weiteres Beispiel zu geben, während einige Kunstmusikstücke wie Symphonien sehr lang sind, sind einige Pop-Songs nur ein paar Minuten lang.

 

 

 

Tonhöhe und Melodie

 

 

Tonhöhe ist ein Aspekt eines Klangs, den wir hören können, ob ein musikalischer Klang, Ton oder Ton „höher“ oder „niedriger“ als ein anderer musikalischer Klang, Ton oder Ton ist. Wir können über die Höherheit oder die Liedrigkeit der Tonhöhe im allgemeineren Sinne reden, wie die Art und Weise, wie ein Zuhörer eine piercingly hohe piccolo Note oder einen pfeifenden Ton höht, der höher ist als ein tiefer Schlag einer Bass-Trommel. Wir sprechen auch über Tonhöhe im genauen Sinne, verbunden mit musikalischen Melodien, Basslines und Akkorden. Eine genaue Tonhöhe kann nur in Tönen bestimmt werden, die eine Filme, Serien und Musik – Frequenz haben, die klar und stabil genug ist, um vom Rauschen zu unterscheiden. Zum Beispiel ist es viel einfacher für Hörer zu erkennen, die Tonhöhe einer einzigen Note auf einem Klavier gespielt, als zu versuchen, die Tonhöhe eines Crash-Becken, die geschlagen wird, zu erkennen.

 

 

Deutsche Musik

 

 

 

Eine Melodie (auch „Melodie“ genannt) ist eine Folge von Tonlagen (Töne), die nacheinander aufeinanderfolgen (oft hintereinander), oft in steigendem und fallendem Muster. Die Noten einer Melodie werden typischerweise mit Tonhöhen-Systemen wie Skalen oder Modi erzeugt. Melodien enthalten oft auch Noten aus den im Song verwendeten Akkorden. Die Melodien in einfachen Volksliedern und traditionellen Liedern können nur die Noten einer einzigen Skala, die Skala, die mit der Tonika oder Taste eines bestimmten Liedes verbunden ist, verwenden. Zum Beispiel kann ein Volkslied in der Tonart C (auch als C-Dur bezeichnet) eine Melodie haben, die nur die Noten der C-Dur-Tonleiter verwendet (die einzelnen Noten C, D, E, F, G, A, B) Und C, das sind die „weißen Töne“ auf einer Klaviertastatur, andererseits können der Bebop-Ära-Jazz aus den 1940er-Jahren und die zeitgenössische Musik des 20. und 21. Jahrhunderts Melodien mit vielen chromatischen Noten (d. h. Noten zusätzlich zu Die Noten auf der Klavierstimme, auf einem Klavier eine chromatische Filme, Serien und Musik – Skala alle Noten auf der Tastatur, darunter die „weißen Noten“ und „schwarzen Noten“ und ungewöhnliche Skalen, wie die gesamte Tonskala (eine ganze Tonskala in Die Tonart C enthält die Noten C, D, E, F♯, G♯ und A♯). Eine tiefe musikalische Linie, die von Bassinstrumenten wie Kontrabass, E-Bass oder Tuba gespielt wird, wird als Bassline bezeichnet.

 

 

 

Harmonie und Akkorde

 

 

 

Wenn Musiker drei oder mehr verschiedene Noten gleichzeitig spielen, erzeugt dies einen Akkord. In der westlichen Musik, einschließlich klassischer Musik, Popmusik, Rockmusik und vielen ähnlichen Stilen, sind die häufigsten Akkorde Dreiklänge – drei Noten in der Regel zur gleichen Zeit gespielt. Die am häufigsten verwendeten Akkorde sind der Dur-Akkord und der Moll-Akkord. Ein Beispiel für einen Dur-Akkord sind die drei Tonhöhen C, E und G. Ein Beispiel für einen kleinen Akkord sind die drei Tonhöhen A, C und E. (Abb. Ist ein Gitarrist, der einen Akkord auf einer Gitarre spielt).

 

 

 

Neue Musik

 

 

 

Harmonie bezieht sich auf die „vertikalen“ Klänge von Tonhöhen in der Musik, die Tonhöhen bedeutet, die gleichzeitig gespielt oder gesungen werden, um einen Akkord zu erzeugen. Normalerweise bedeutet dies, dass die Noten gleichzeitig gespielt werden, obwohl Harmonie auch von einer Melodie impliziert werden kann, die eine harmonische Struktur umgrenzt (d.h. durch Verwendung von Melodienoten, die nacheinander gespielt werden und die Noten eines Akkords umreißen). In der Musik, die mit dem System der Dur-Moll-Tonart ( „Schlüssel“), die die meisten klassischen Musik von 1600 bis 1900 und die meisten westlichen Pop-, Rock-und traditionelle Musik enthält beinhaltet umfasst die Schlüssel eines Stücks bestimmt die Skala verwendet, die zentriert Die „Home-Note“ oder Tonika der Taste. Einfache klassische Stücke und viele Pop- und traditionelle Musik-Songs werden so geschrieben, dass alle Musik in einem einzigen Key ist. Komplexere Klassische, Pop- und traditionelle Musikstücke und Stücke können zwei Tasten (und in manchen Fällen auch drei oder mehr Tasten) haben. Klassische Musik aus der Romantik (geschrieben von ca. 1820-1900) enthält oft mehrere Tasten, wie der Jazz, vor allem der Bebop-Jazz aus den vierziger Jahren, in dem sich der Schlüssel oder die „Hauptnote“ eines Liedes alle vier Filme, Serien und Musik – Takte oder sogar alle ändern kann Zwei Balken.

 

 

 

 

Rhythmus der Musik

 

 

 

Rhythmus ist die Anordnung von Klängen und Schweigen in der Zeit. Meter animiert die Zeit in regelmäßigen Pulsgruppierungen, die in der klassischen klassischen, populären und traditionellen Musik oft in Gruppen von zwei Gruppen (z. B. 2/4 Zeit), drei (z. B. 3/4 Zeit, auch bekannt als Walzerzeit oder 3/8-Zeit) oder vier (z. B. 4/4-Zeit). Meters werden leichter zu hören, weil Lieder und Stücke oft (aber nicht immer) einen Schwerpunkt auf den ersten Schlag jeder Gruppierung. Es gibt bemerkenswerte Ausnahmen, wie zum Beispiel der in vielen westlichen Pop und Rock gespielte Rückschlag, bei dem ein Song, der aus vier Schlägen (4/4 oder Common Time) besteht, Filme, Serien und Musik – Akzente auf den Beats 2 und 4 haben wird Typisch durch den Schlagzeuger auf der Snare-Trommel, ein lautes und eigenartig klingende Schlaginstrument. In Pop und Rock werden die Rhythmus-Parts eines Songs von der Rhythmus-Sektion gespielt, die Akkord-Instrumente (zB E-Gitarre, Akustikgitarre, Piano oder andere Tasteninstrumente), ein Bassinstrument (typischerweise E-Bass oder für Einige Stile wie Jazz und Bluegrass, Kontrabass) und ein Drum-Kit-Player.

 

 

 

Textur der Musik

 

 

 

Die Musikalische Textur ist der Gesamtklang eines Musikstückes oder Songs. Die Textur eines Stückes oder Sings wird bestimmt, wie die melodischen, rhythmischen und harmonischen Materialien in einer Filme, Serien und Musik – Komposition zusammengefaßt werden, wodurch die Gesamtheit des Klangs in einem Stück bestimmt wird. Die Beschaffenheit wird oft in Bezug auf die Dichte oder die Dicke und den Bereich oder die Breite zwischen den niedrigsten und höchsten Tönen in relativer Hinsicht beschrieben und genauer gemß der Anzahl von Stimmen oder Teilen und der Beziehung zwischen diesen Stimmen unterschieden (Siehe allgemeine Typen unten). Zum Beispiel enthält eine dicke Textur viele „Schichten“ von Instrumenten. Eine dieser Schichten könnte ein Saitenabschnitt oder ein anderes Messing sein. Die Dicke wird auch durch die Menge und den Reichtum der Instrumente beeinflusst. Textur wird üblicherweise nach der Anzahl und dem Verhältnis zwischen Teilen oder Musiklinien beschrieben:

 

 

 

Popmusik

 

 

 

Monophonie: eine einzelne Melodie (oder „Melodie“) mit weder instrumentaler Begleitung noch Harmoniestimme. Eine Mutter, die ein Wiegenlied zu ihrem Baby singt, wäre ein Beispiel.
Heterophonie: zwei oder mehr Instrumente oder Sänger spielen / singen die gleiche Melodie, aber mit jedem Filme, Serien und Musik – Performer etwas variiert den Rhythmus oder die Geschwindigkeit der Melodie oder das Hinzufügen von verschiedenen Ornamente an die Melodie. Zwei Bluegrass-Geiger, die die gleiche traditionelle Geigenmelodie zusammen spielen, werden typischerweise jede die Melodie ein wenig variieren und jeweils verschiedene Ornamente hinzufügen.

 

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Partymusik

 

 

 

Polyphonie: mehrere unabhängige Melodielinien, die miteinander verflochten, die gleichzeitig gesungen oder gespielt werden. Chormusik in der Renaissance-Musik-Ära geschrieben wurde in der Regel in diesem Stil geschrieben. Eine Runde, die ein Lied wie „Row, Row, Row Your Boat“ ist, das verschiedene Sängergruppen zu einem anderen Zeitpunkt zu singen beginnen, ist ein einfaches Beispiel für Polyphonie. Homophonie: eine klare Melodie, unterstützt durch Akkordbegleitung. Die meisten westlichen populären Musik-Songs aus dem 19. Jahrhundert sind in dieser Textur geschrieben. Musik, die eine große Anzahl von unabhängigen Teilen enthält (z. B. ein Doppelkonzert, begleitet von 100 Orchesterinstrumenten mit vielen verschachtelten melodischen Linien), wird allgemein als „dicker“ oder „dichtere“ Textur bezeichnet als ein Filme, Serien und Musik – Werk mit wenigen Teilen (Soloflötenmelodie begleitet von einem Cello).

 

 

 

Timbre oder „Klangfarbe“

 

 

 

 

Timbre, manchmal auch „Farbe“ oder „Klangfarbe“ genannt, ist die Qualität oder der Klang einer Stimme oder eines Instruments. [19] Timbre ist, was einen bestimmten musikalischen Klang unterscheidet sich von einem anderen, auch wenn sie die gleiche Tonhöhe und Lautstärke haben. Zum Beispiel, eine 440 Hz Eine Note klingt anders, wenn es auf Oboe, Klavier, Violine oder E-Gitarre gespielt wird. Auch wenn verschiedene Spieler desselben Instruments dieselbe Note spielen, können sich ihre Töne aufgrund von Unterschieden in der Instrumentaltechnik (z. B. verschiedenen Embouchuren), verschiedenen Filme, Serien und Musik – Zubehörtypen (z. B Mundstücke für Bläser, Schläge für Oboe und Fagott) oder Saiten aus unterschiedlichen Materialien für Streicher (z. B Darmsaiten gegenüber Stahlsaiten). Selbst zwei Instrumentalisten, die dieselbe Note auf demselben Instrument (einer nach dem anderen) abspielen, können aufgrund unterschiedlicher Spielweisen des Instruments unterschiedlich klingen (z. B. können zwei Streicher den Bogen unterschiedlich halten).

 

 

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Die physikalischen Eigenschaften des Klangs, die die Wahrnehmung von Klangfarbe bestimmen, umfassen das Spektrum, die Hüllkurve und die Obertöne einer Note oder eines musikalischen Klangs. Für elektrische Instrumente, die im 20. Jahrhundert entwickelt wurden, wie z. B. E-Gitarre, E-Bass und E-Piano, kann der Spieler auch den Klang ändern, indem er die Equalizer-Regler, die Klangregler am Instrument und die elektronischen Effekteinheiten wie Verzerrungspedale anpasst. Der Ton der elektrischen Hammond-Orgel wird durch die Filme, Serien und Musik – Einstellung der Zugstangen gesteuert.

 

 

 

Ausdruck der Musik

 

 

 

Sänger fügen den Melodien, die sie singen, mit vielen Methoden Ausdruck, indem sie den Ton ihres Singens ändern, Vibrato zu bestimmten Noten hinzufügen oder wichtige Wörter in den Texten hervorheben. Ausdrucksstarke Eigenschaften sind jene Elemente in der Musik, die eine Veränderung in der Musik erzeugen, ohne die Haupttöne zu verändern oder die Rhythmen der Melodie und ihrer Begleitung wesentlich zu verändern. Sänger und Instrumentalisten können durch Hinzufügen von Filme, Serien und Musik – Phrasierungen, wie Vibrato (mit Stimme und einigen Instrumenten wie Gitarre, Violine, Blechbläser und Holzbläser), Dynamik (Lautstärke oder Lautstärke) einem Gesang oder Werk einen musikalischen Ausdruck verleihen (Z. B. ritardando oder accelerando, die das Tempo verlangsamen und beschleunigen), durch Hinzufügen von Pausen oder Fermaten auf eine Trittfrequenz und durch Ändern der Artikulation der Töne (z. ZB indem man Noten stärker oder akzentuiert macht, indem man Noten mehr legato macht, was reibungslos verbunden ist, oder indem man Notizen kürzer macht).

 

 

 

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Notenklang für den Chor (Refrain) des Weihnachtsliedes „Jingle Bells“ Über diesen Ton Play. In Musik beschreibt Form, wie die Gesamtstruktur oder der Plan eines Liedes oder Musikstückes, und es beschreibt das Layout einer Komposition, wie in Abschnitte unterteilt. Am Anfang des 20. Jahrhunderts waren die Songs von Tin Pan Alley und die Broadway-Musicals oft in AABA-32-Bar-Form, in der die A-Sektionen dieselbe 8-Stab-Melodie wiederholten und die B-Sektion eine kontrastreiche Melodie und / oder Harmonie für 8 Bar zur Verfügung stellte. Ab den 1960er-Jahren sind westliche Pop- und Rock-Songs oft in Vers-Chorus-Form, die auf einer Filme, Serien und Musik – Sequenz aus Versen und Chorus ( „Refrain“) Sektionen basiert, mit neuen Texten für die meisten Verse und wiederkehrenden Texten für die Chöre. Populäre Musik verwendet oft strophische Form, manchmal in Verbindung mit zwölf Bar-Blues.

 

 

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In der zehnten Ausgabe von The Oxford Companion to Music definiert Percy Scholes die musikalische Form als „eine Reihe von Strategien, um ein erfolgreiches Mittel zwischen den entgegengesetzten Extremen der unerfüllten Wiederholung und der ungebundenen Veränderung zu finden“. [22] Beispiele für gemeinsame Formen westlicher Musik Gehören die Fuge, die Erfindung, Sonate-Allegro, Kanon, Stroph, Thema und Variationen und Rondo. Scholes besagt, dass die europäische klassische Musik nur sechs eigenständige Filme, Serien und Musik – Formen hatte. Ein einfaches binäres, einfaches ternäres, zusammengesetztes Binär, Rondo, Luft mit Variationen und Fuge (obwohl der Musikwissenschaftler Alfred Mann betont, dass die Fuge in erster Linie eine Kompositionsmethode ist, Über bestimmte Strukturübereinkommen.

 

 

Streaming Musik

 

 

Wenn ein Stück nicht leicht in Sektionseinheiten zerlegt werden kann (obwohl es eine Form aus einem Gedicht, einer Geschichte oder einem Programm leihen kann), so heißt es, es sei durchkomponiert. Das ist oft der Fall mit einer Fantasie, einem Vorspiel, einer Rhapsodie, einem Etüde (oder einem Studium), einem symphonischen Gedicht, einer Bagatelle, einem Impromptu usw. Professor Charles Keil hat Formulare und formale Filme, Serien und Musik – Details als „Querschnitts-, Entwicklungs- oder Variationsformen“ klassifiziert.

 

 

Musiktitel

 

 

Diese Filme, Serien und Musik – Form stammt aus einer Sequenz klarer Einheiten, die mit Buchstaben bezeichnet werden können, aber oft auch Gattungsbezeichnungen wie Einleitung und Coda, Exposition, Entwicklung und Rekapitulation, Verse, Chorus oder Refrain und Brücke. Einführungen und Codas, wenn sie nicht mehr sind, sind häufig von der formalen Analyse ausgeschlossen. Alle derartigen Einheiten können typischerweise acht Maße lang sein Sektionsformen umfassen:

 

 

 

Strophische Form

 

 

 

Medley, Potpourri ist das äußerste Gegenteil, das der „ungelösten Variation“: es ist einfach eine unbestimmte Filme, Serien und Musik – Folge von in sich geschlossenen Abschnitten (ABCD …), manchmal mit Wiederholungen (AABBCCDD …). Beispiele umfassen Orchester-Ouvertüren, die manchmal nicht mehr als eine Reihe von den besten Melodien der Musiktheater Show oder Oper zu kommen.

 

 

Binärform

 

 

Binäre Form in Dur und Moll Tasten. Jeder Abschnitt muss mindestens drei Sätze lang sein.
Dieses Formular verwendet zwei Abschnitte (AB …), die oft wiederholt werden (AABB …). In der westlichen klassischen Musik des 18. Jahrhunderts wurde „einfache binäre“ Form oft für Tänze verwendet und trug die Konvention, dass die beiden Abschnitte in verschiedenen musikalischen Schlüsseln, aber gleichen Rhythmus, Dauer und Ton sein sollten. Der Wechsel von zwei Melodien gibt genügend Filme, Serien und Musik – Abwechslung, um eine Verlängerung des Tanzes so lange wie gewünscht zu ermöglichen.

 

 

 

Ternäre Form

 

 

Dieses Formular besteht aus drei Teilen. In der westlichen klassischen Musik hat eine einfache ternäre Form einen dritten Abschnitt, der eine Rekapitulation des ersten (ABA) ist. Oft wird der erste Abschnitt wiederholt (AABA). Dieser Ansatz war in der Opernarie des 18. Jahrhunderts populär, und wurde als da capo (d. H. „Wiederholung von oben“) bezeichnet. Später entstand das 32-stimmige Lied, wobei die B-Sektion dann oft als „mittlere Achtel“ bezeichnet wurde. Ein Filme, Serien und Musik – Lied hat mehr Bedürfnis als ein Tanz einer eigenständigen Form mit einem Anfang und einem Ende natürlich.

 

 

 

Rondo bilden

 

 

Diese Form hat ein wiederkehrendes Thema abwechselnd mit verschiedenen (meist kontrastierenden) Abschnitten, die „Episoden“ genannt werden. Es kann asymmetrisch (ABACADAEA) oder symmetrisch (ABACABA) sein. Eine wiederkehrende Filme, Serien und Musik – Sektion, besonders das Hauptthema, ist manchmal gründlicher verschieden, oder eine Episode kann eine „Entwicklung“ davon sein. Eine ähnliche Anordnung ist die Ritornellform des Barockkonzertes grosso. Bogenform (ABCBA) ähnelt einem symmetrischen Rondo ohne Zwischenwiederholungen des Hauptthemas. Es wird normalerweise in einer Runde verwendet.

 

 

Variation Musik

 

 

 

Ein Filme, Serien und Musik – Thema, das an sich kürzer sein kann (binär, ternär usw.), bildet den einzigen „Schnitt“ und wird unendlich wiederholt (wie in der Strophenform), wird aber jedesmal verändert (A, B , A, F, Z, A), um eine Art von geschnittener Kettenform zu bilden. Eine wichtige Variante, die in der britischen Musik des 17. Jahrhunderts und in Passacaglia und Chaconne verwendet wurde, war die des Grundbasses – ein sich wiederholendes Bassthema oder Basso-Ostinato, über das sich der Rest der Struktur oft, aber nicht entfaltet Immer, polyphone oder kontrapunktische Fäden drehende oder improvisierende Divisionen und Abkömmlinge. Dies wird von Scholes (1977) gesagt, um die Form par excellence von unbegleiteter oder begleiteter Solo-Instrumentalmusik zu sein. Der Rondo wird häufig mit Abschnitten (AA1BA2CA3BA4) oder (ABA1CA2B1A) gefunden.

 

 

 Musikalische Entwicklung

 

 

 

Entwicklungsformen werden direkt aus kleineren Einheiten wie Motiven aufgebaut. Ein bekanntes Klassikstück mit einem Motiv ist Beethovens fünfte Sinfonie, die mit drei kurzen wiederholten Tönen und dann einer langen Note beginnt. In klassischen Stücken, die auf Motiven basieren, wird das Motiv in der Regel kombiniert, variiert und auf unterschiedliche Weise ausgearbeitet, vielleicht mit einer symmetrischen oder bogenförmigen Unterstreichung und einer progressiven Entwicklung von Anfang bis Ende. Die weitaus wichtigste Filme, Serien und Musik – Entwicklungsform in der westlichen klassischen Musik ist die Sonatenform. Diese Form, auch bekannt als Sonatenform, erste Bewegungsform, zusammengesetzte binäre, ternäre und eine Vielzahl anderer Namen, entwickelt aus der oben beschriebenen binär geformten Tanzbewegung, wird aber fast immer in einer größeren ternären Form gegossen Nominale Unterteilungen von Exposition, Entwicklung und Rekapitulation. In der Regel, aber nicht immer, können die „A“ -Teile (Exposition und Rekapitulation) in zwei oder drei Themen oder Themengruppen unterteilt werden, die auseinander genommen und zu dem „B“ -Teil zusammengesetzt werden. G. (AabB [von a und / oder b] A1ab1 + coda). Diese Entwicklungsform beschränkt sich in der Regel auf bestimmte Teile des Stückes, wie auf den mittleren Teil des ersten Satzes einer Sonate, obwohl Komponisten des 19. Jahrhunderts, wie Berlioz, Liszt und Wagner, große Anstrengungen unternommen haben, großformatige Werke rein oder hauptsächlich herzuleiten Aus dem Motiv.

 

 

Prähistorische Musik

 

 

Eine über 41.000 Jahre alte Knochenflöte. Prähistorische Musik kann nur auf der Filme, Serien und Musik – Grundlage von Erkenntnissen aus paläolithischen Archäologie-Orten theoretisiert werden. Flöten sind oft entdeckt, geschnitzt aus Knochen, in denen seitliche Löcher wurden durchbohrt; Diese sind gedacht, an einem Ende wie die japanischen shakuhachi geblasen worden zu sein. Die Divje Babe Flöte, geschnitzt aus einer Höhle Bär Femur, wird gedacht, mindestens 40.000 Jahre alt sein. Instrumente wie die siebenblättrige Flöte und verschiedene Arten von Saiteninstrumenten, wie die Ravanahatha, wurden aus den archäologischen Fundstätten der Indus Valley Civilization gewonnen. Indien hat eine der ältesten musikalischen Traditionen der Welt – Referenzen zu indischer klassischer Musik (Marga) finden sich in den Veden, alten Schriften der hinduistischen Tradition. Die früheste und größte Sammlung prähistorischer Musikinstrumente wurde in China gefunden und stammt aus der Zeit zwischen 7000 und 6600 v. Chr. Das Hurrianlied, gefunden auf Tontafeln, die bis ungefähr 1400 BC zurückgehen, ist die älteste überlebende notierte Arbeit der Musik.

 

 

 

Musik aus Ägypten

 

 

 

Musiker von Amun, Grab von Nakht, 18. Dynastie, westliche Theben.
Die alten Ägypter kreditierten einen ihrer Götter, Thoth, mit der Erfindung der Musik, mit Osiris wiederum als Teil seiner Filme, Serien und Musik – Bemühungen, die Welt zu zivilisieren. Die frühesten materiellen und repräsentativen Beweise für ägyptische Musikinstrumente stammen aus der predynastischen Zeit, aber die Beweise werden im Alten Reich sicherer bestätigt, wenn Harfen, Flöten und Doppelklarinetten gespielt wurden. Schlaginstrumente, Lyren und Laute wurden den Orchestern vom Reich der Mitte hinzugefügt. Die Becken begleiteten oft Musik und Tanz, wie sie es heute noch in Ägypten tun. Die ägyptische Volksmusik, einschließlich der traditionellen Sufi-Dhikr-Rituale, ist das engste zeitgenössische Musikgenre der altägyptischen Musik, das viele seiner Eigenschaften, Rhythmen und Instrumente bewahrt hat.

 

 

Asiatische Musik Kulturen

 

 

Musik von Iran, Musik von Afghanistan, Musik von Tadschikistan, Musik von Sri Lanka und Musik von Usbekistan
Indische klassische Musik ist eine der ältesten musikalischen Traditionen in der Welt. Die Kultur des Indus-Tals hat Skulpturen, die Tanz und alte Musikinstrumente zeigen, wie die sieben gelochte Flöte. Verschiedene Arten von Saiteninstrumenten und Trommeln wurden von Harappa und Mohenjo Daro durch Ausgrabungen von Sir Mortimer Wheeler wiedergewonnen. Der Rigveda hat Elemente der gegenwärtigen indischen Musik, mit einer musikalischen Notation, um den Filme, Serien und Musik – Zähler und die Art des Chantens zu bezeichnen. Indische klassische Musik (Marga) ist monophon, und basiert auf einer einzigen Melodie Linie oder raga rhythmisch organisiert durch Talas. Silappadhikaram von Ilango Adigal gibt Auskunft darüber, wie neue Skalen durch Modalverlagerung der Tonika aus einer bestehenden Skala gebildet werden können. Hindustani-Musik wurde von den persischen Aufführungspraktiken der afghanischen Moguln beeinflusst. Carnatic Musik, populär in den südlichen Staaten, ist weitgehend devotional; Die meisten der Lieder sind an die Hindu-Gottheiten gerichtet. Es gibt auch viele Lieder, die Liebe und andere soziale Themen betonen.

 

 

 

Musik Hits

 

 

 

Asiatische Musik umfasst die Musikkulturen Arabien, Zentralasien, Ostasien, Südasien und Südostasien. Chinesische klassische Musik, die traditionelle Kunst oder Hofmusik von China, hat eine Geschichte, die sich über dreitausend Jahre erstreckt. Es hat seine eigene einzigartige Systeme musikalischer Notation sowie musikalische Stimmung und Tonhöhe, Musikinstrumente und Stile oder Musikgenres. Die chinesische Musik ist pentatonisch-diatonische, mit einer Skala von zwölf Noten zu einer Oktave (5 + 7 = 12) als auch europäisch beeinflusste Musik. Persische Musik ist die Musik von Persien und persischer Sprache Länder: Musiqi, die Wissenschaft und die Kunst der Musik und Muzik, den Klang und die Aufführung von Musik (Sakata 1983).

 

 

 

Geschichte der Musik in der biblischen Zeit

 

 

 

Musik und Theaterwissenschaftler die Geschichte und Anthropologie der semitisch und frühen jüdisch-christlichen Kultur studiert haben gemeinsame Links in Theater- und Musik Aktivität zwischen den klassischen Kulturen der Hebräer und die der späteren Griechen und Römer entdeckt. Der gemeinsame Bereich der Leistung wird in einem „sozialen Phänomen namens Litanei“, eine Form des Gebets, bestehend aus einer Filme, Serien und Musik – Reihe von Anrufungen oder Flehen gefunden. The Journal of Religion und Theater stellt fest, dass unter den frühesten Formen der Litanei „Hebrew Litanei durch eine reiche musikalische Tradition begleitet wurde:“

 

 

 

Musik zu downloaden

 

 

 

Vater aller solcher „Während Genesis 4.21 Jubal als identifiziert“, wie die Harfe und Pfeife Griff „, ist der Pentateuch nahezu geräuschlos über die Praxis und Unterricht von Musik im frühen Leben von Israel. Dann in I Samuel 10 und die Texte, die folgen, eine seltsame Sache passiert. „ein in den biblischen Text findet“, schreibt Alfred Sendrey „, eine plötzliche und unerklärliche Zunahme von großen Chören und Orchestern, die aus sorgfältig organisiert und ausgebildet Musikgruppen, die ohne lange praktisch nicht denkbar wäre, methodische Filme, Serien und Musik – Vorbereitung. „das einige Gelehrte geführt hat, zu glauben, dass der Prophet Samuel, der Patriarch einer Schule war, die nicht nur Propheten und die heiligen Menschen gelehrt, sondern auch heilig-rite Musiker. Diese öffentliche Musikschule, vielleicht die älteste in der aufgezeichneten Geschichte war Nicht beschränkt auf eine priesterliche Klasse – das ist, wie der Hirtenbub David auf der Szene als Spielmann dem König Saul erscheint.

 

 

 

Musik in der Antike

 

 

 

Große antike westliche Kulturen haben großen Einfluss auf die Filme, Serien und Musik – Entwicklung der Videospiele gehabt. Die Geschichte der Musik in den westlichen Kulturen kann bis in die altgriechische Zeit zurückverfolgt werden. Die antike griechische Gesellschaft produzierte die ersten westlichen Philosophen, von denen einige Theorien über Musik schrieben. Musik war ein wichtiger Teil der altgriechischen Kultur, und wiederum beeinflusste die antike römische Kultur.

 

 

Altes Griechenland und Musik

 

 

 

Musik war ein wichtiger Teil des sozialen und kulturellen Lebens im antiken Griechenland. Musiker und Sänger spielten eine bedeutende Rolle im griechischen Theater. Mixed-Gender-Chöre für die Unterhaltung, Feier und geistliche Zeremonien durchgeführt. Zu den Instrumenten gehörten das Doppelreed Aulos und ein gezupftes Streichinstrument, die Leier, vor allem die besondere Art, die Kithara genannt wird. Musik war ein wichtiger Teil der Bildung, und Jungen wurden unterrichtet Musik ab dem Alter von sechs Jahren. Griechische Musikkompetenz schuf eine Blüte der Musikentwicklung. Griechische Musiktheorie umfaßte die griechischen musikalischen Moden, die schließlich die Grundlage für westliche religiöse und klassische Musik wurden. Später änderten die Filme, Serien und Musik – Einflüsse aus dem Römischen Reich, Osteuropa und dem Byzantinischen Reich die griechische Musik. Die Seikilos-Epitaph ist das älteste erhaltene Beispiel einer kompletten musikalischen Komposition, einschließlich musikalischer Notation, von überall auf der Welt.

 

 

 

 

Mittelalter

 

 

 

Die mittelalterliche Ära (476 bis 1400), die im Mittelalter stattfand, begann mit der Filme, Serien und Musik – Einführung der monophonen (einzelne melodische Linie), die in römisch-katholische Gottesdienste sang. Musikalische Notation wurde seit der Antike in der griechischen Kultur verwendet, aber im Mittelalter wurde die Notation zuerst von der katholischen Kirche eingeführt, so dass die singenden Melodien niedergeschrieben werden konnten, um die Verwendung der gleichen Melodien für religiöse Musik über den gesamten Katholiken zu erleichtern Reich. Das einzige mittelalterliche mittelalterliche Repertoire, das in schriftlicher Form vor 800 gefunden wurde, ist der monophonische liturgische Plainsong-Gesang der römisch-katholischen Kirche, deren zentrale Tradition der Gregorianische Gesang war. Neben diesen Traditionen der Kirchenmusik gab es eine lebendige Tradition des weltlichen Liedes (nichtreligiöse Lieder). Beispiele für Komponisten aus dieser Zeit sind Léonin, Pérotin und Guillaume de Machaut.

 

 

Renaissance und Musik

 

 

Die Renaissance-Musik (um 1400 bis 1600) konzentrierte sich mehr auf weltliche (nichtreligiöse) Themen wie höfische Liebe. Um 1450 wurde die Druckmaschine erfunden, die die Druckmusik deutlich preiswerter und leichter massenproduzieren ließ (vor der Erfindung der Druckmaschine wurde alle notierte Musik von Hand kopiert). Die erhöhte Verfügbarkeit von Noten half, Musikstile schneller und über einen größeren Raum zu verbreiten. Musiker und Sänger arbeiteten oft für die Kirche, die Gerichte und die Städte. Die Kirchenchöre wuchsen an Größe, und die Kirche blieb ein bedeutender Patron der Musik. Um die Mitte des 15. Jahrhunderts schrieben Filme, Serien und Musik – Komponisten reich polyphonische sakrale Musik, in der verschiedene Melodielinien gleichzeitig verwoben wurden. Zu den bedeutendsten Komponisten dieser Epoche gehören Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley und Orlande de Lassus. Als sich die musikalische Tätigkeit von der Kirche zu den aristokratischen Höfen verlagerte, kämpften Könige, Königinnen und Fürsten um die besten Komponisten. Viele der bedeutendsten Komponisten kamen aus den Niederlanden, Belgien und Nordfrankreich. Man nennt sie die französisch-flämischen Komponisten. Sie hielten wichtige Positionen in ganz Europa, besonders in Italien. Weitere Länder mit pulsierender musikalischer Aktivität waren Deutschland, England und Spanien.

 

 

 

Barock

 

 

Die barocke Ära der Musik fand von 1600 bis 1750 statt, als der barocke künstlerische Stil in ganz Europa blühte; Und während dieser Zeit, erweitert Musik in seinem Umfang und Komplexität. Barocke Musik begann, als die ersten Opern (dramatische Solo-Vokalmusik begleitet von Orchester) geschrieben wurden. Während der Barockzeit blieb die polyfonische kontrapunktische Musik, in der mehrere, gleichzeitig unabhängige Melodielinien verwendet wurden, im Vordergrund (Kontrapunkt war wichtig in der Vokalmusik des Mittelalters). Deutsche Barockkomponisten schrieben für kleine Filme, Serien und Musik – Ensembles wie Streicher, Blechbläser und Holzbläser sowie für Chöre und Tasteninstrumente wie Pfeifenorgel, Cembalo und Clavichord. Während dieser Periode wurden mehrere große Musikformen definiert, die in späteren Perioden dauerten, als sie erweitert und weiter entwickelt wurden, einschließlich der Fuge, der Erfindung, der Sonate und des Konzertes. Der spätbarocke Stil war polyphonisch komplex und reich verziert. Wichtige Komponisten aus der Barockzeit sind Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Georg Philipp Telemann und Vivaldi.

 

 

Klassizismus

 

Wolfgang Amadeus Mozart (sitzend an der Tastatur) war ein Wunderkind-Virtuose auf Klavier und Geige. Schon bevor er ein berühmter Komponist wurde, war er weithin bekannt als talentierter Performer und Improvisator. Die Musik der klassischen Periode (1730-1820) zielte darauf ab, das, was als Schlüsselelemente der Kunst und Philosophie des antiken Griechenlands und Roms gesehen wurde, nachzuahmen: die Ideale der Balance, des Verhältnisses und des disziplinierten Ausdrucks. (Anmerkung: Die Musik aus der Klassik darf nicht mit der klassischen Musik im Allgemeinen verwechselt werden, ein Filme, Serien und Musik – Begriff, der sich auf die westliche Kunstmusik vom 5. Jahrhundert bis in die 2000er Jahre bezieht und die die klassische Periode als eine von mehreren Perioden umfasst). Musik aus der Klassik hat eine leichtere, klarere und wesentlich einfachere Textur als die Barockmusik, die ihr vorausging. Der Hauptstil war Homophonie, wo eine prominente Melodie und ein untergeordneter Akkordbegleitungsteil deutlich voneinander getrennt sind. Klassische Instrumentalmelodien tendierten dazu, nahezu voicelike und singbar zu sein. Neue Gattungen wurden entwickelt, und das Fortepiano, der Vorläufer des modernen Klaviers, ersetzte das barocke Cembalo und die Orgel als Haupttastaturinstrument.

 

 

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Wichtig war die Instrumentalmusik. Es dominierte die Weiterentwicklung der zunächst im Barock entwickelten musikalischen Formen: die Sonate, das Konzert und die Symphonie. Andere Hauptarten waren das Trio, Streichquartett, Serenade und Divertimento. Die Sonate war die wichtigste und entwickelte Filme, Serien und Musik – Form. Obwohl die barocken Komponisten auch Sonaten schrieben, ist der klassische Stil der Sonate völlig verschieden. Alle Hauptinstrumentalformen der klassischen Ära, von Streichquartetten bis zu Sinfonien und Konzerten, basierten auf der Struktur der Sonate. Die Instrumente verwendeten Kammermusik und Orchester wurden mehr standardisiert. Anstelle der basso continuo Gruppe des Barock, die aus Cembalo, Orgel oder Laute zusammen mit einer Reihe von Bassinstrumenten, die nach dem Ermessen des Gruppenleiters (z. B. Viola, Cello, Theorbo, Schlange), klassischen Kammergruppen (z. B. ein Streichquartett von zwei Violinen, einer Viola und einem Cello). Die barocke Ära improvisiert Akkord-Spiel des Continuo Keyboarder oder Laute Spieler wurde allmählich ausgeschaltet zwischen 1750 und 1800.

 

 

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Eine der wichtigsten Veränderungen in der Klassik war die Entwicklung öffentlicher Konzerte. Die Aristokratie spielte noch eine bedeutende Filme, Serien und Musik – Rolle in der Förderung von Konzerten und Kompositionen, aber es war jetzt möglich für Komponisten zu überleben, ohne ständige Mitarbeiter von Königinnen oder Fürsten. Die zunehmende Beliebtheit der klassischen Musik führte zu einer Zunahme der Zahl und der Arten der Orchester. Die Erweiterung der Orchesterkonzerte erforderte den Bau großer öffentlicher Aufführungsräume. Symphonische Musik einschließlich Sinfonien, musikalische Begleitung zum Ballett und gemischte vokale / instrumentale Gattungen wie Oper und Oratorium wurden immer beliebter.

 

 

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Die bekanntesten Komponisten des Klassizismus sind Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven und Franz Schubert. Beethoven und Schubert gelten auch als Komponisten im späteren Filme, Serien und Musik – Teil der klassischen Ära, da sie anfingen, sich der Romantik zu nähern.

 

 

 

Romantik

 

 

 

Das Klavier war im 19. Jahrhundert das Herzstück der gesellschaftlichen Aktivität für bürgerliche Städtebauer (Moritz von Schwind, 1868). Der Mann am Klavier ist Komponist Franz Schubert.
Romantische Musik (um 1810 bis 1900) aus dem 19. Jahrhundert hatte viele Elemente gemeinsam mit den romantischen Stilen in der Literatur und Malerei der Ära. Romantik war eine künstlerische, literarische und intellektuelle Bewegung, die durch Filme, Serien und Musik – Emotionen und Individualismus sowie Verherrlichung der Vergangenheit und Natur gekennzeichnet war. Die romantische Musik dehnte sich über die starren Stile und Formen der klassischen Ära hinaus in leidenschaftlichere, dramatisch ausdrucksvolle Stücke und Lieder. Romantische Komponisten wie Wagner und Brahms versuchten in ihrer Musik den emotionalen Ausdruck und die Macht zu vertiefen, um tieferliegende Wahrheiten oder menschliche Gefühle zu beschreiben. Mit symphonischen Klanggedichten versuchten die Komponisten mit Instrumentalmusik Geschichten zu erzählen und Bilder oder Landschaften zu evozieren. Einige Komponisten förderten nationalistischen Stolz mit patriotischer Orchestermusik, die von Volksmusik inspiriert wurde. Die emotionalen und expressiven Qualitäten der Musik hatten Vorrang vor der Tradition.

 

 

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Romantische Komponisten wuchsen im Idiosynkrasie und gingen weiter in den Synkretismus, verschiedene Kunstformen in einem musikalischen Kontext (wie Literatur), Geschichte (historische Figuren und Legenden) oder die Natur selbst zu erforschen. Romantische Liebe oder Sehnsucht war ein weit verbreitetes Thema in vielen Werken, die während dieser Periode komponiert wurden. In einigen Fällen wurden die formalen Filme, Serien und Musik – Strukturen aus der klassischen Periode weiter verwendet (z. B. die Sonatenform, die in Streichquartetten und Symphonien verwendet wurde), aber diese Formen wurden erweitert und verändert. In vielen Fällen wurden neue Ansätze für bestehende Gattungen, Formen und Funktionen erforscht. Auch wurden neue Formen geschaffen, die für das neue Thema besser geeignet waren. Die Komponisten setzten fort, Oper- und Ballettmusik zu entwickeln, neue Stile und Themen zu erforschen.

 

 

 

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In den Jahren nach 1800 führte die von Ludwig van Beethoven und Franz Schubert entwickelte Musik einen dramatischeren, expressiveren Stil ein. In Beethovens Fall entwickelten sich die organisch entwickelten Motive, die Melodie als die bedeutendste Kompositionseinheit zu ersetzen (ein Beispiel ist die unverkennbare Vier-Ton-Figur, die in seiner fünften Symphonie verwendet wird). Später nutzten romantische Komponisten wie Pjotr Iljitsch Tschaikowsky, Antonín Dvořák und Gustav Mahler ungewöhnliche Akkorde und mehr Dissonanz, um dramatische Spannungen zu erzeugen. Sie erzeugten komplexe und oft viel längere musikalische Werke. In der späten Romantik erforschten die Komponisten dramatische chromatische Veränderungen der Tonalität, wie erweiterte Akkorde und veränderte Akkorde, die neue Klangfarben erschufen. Das späte 19. Jahrhundert sah eine dramatische Ausdehnung in der Größe des Orchesters, und die industrielle Revolution half, bessere Instrumente zu schaffen, wodurch ein kraftvoller Sound. Öffentliche Konzerte wurden zu einem wichtigen Filme, Serien und Musik – Bestandteil einer gut funktionierenden städtischen Gesellschaft. Es sah auch eine neue Vielfalt in der Theatermusik, einschließlich Operette, und musikalische Komödie und andere Formen des Musiktheaters.

 

 

Musik des 20. Jahrhunderts

 

 

Eine Jazzgruppe bestehend aus dem Kontrabassisten Reggie Workman, dem Tenorsaxophonisten Pharoah Sanders und dem Schlagzeuger Idris Muhammad, der 1978 auftrat
Eines der wichtigsten Wege, wie neue Kompositionen der Öffentlichkeit bekannt wurden, war im 19. Jahrhundert der Verkauf von Noten, die die Amateur-Liebhaber zu Hause am Klavier oder an anderen gemeinsamen Instrumenten wie Violine aufführen würden. Mit der Musik des 20. Jahrhunderts führte die Erfindung neuer elektrischer Technologien wie Rundfunksendungen und der Filme, Serien und Musik – Massenmarktverfügbarkeit von Schallplatten dazu, dass Tonaufnahmen von Liedern und Stücken, die von Hörern (entweder im Radio oder auf dem Plattenspieler) gehört wurden, der Hauptweg wurden Um neue Songs und Stücke kennenzulernen. Es gab eine enorme Zunahme der Musik zu hören, da das Radio gewonnen Popularität und Phonographen wurden verwendet, um wiederzugeben und zu verteilen Musik, denn während im 19. Jahrhundert konzentrierte sich der Schwerpunkt auf Noten beschränkte Zugang zu neuen Musik für die Mittelklasse und Oberschicht Menschen, die könnte Lesen Sie Musik und wer besaß Klaviere und Instrumente. Im 20. Jahrhundert konnte jeder mit Radio oder Plattenspieler Opern, Symphonien und Big Bands direkt im eigenen Wohnzimmer hören. Dies ermöglichte einkommensschwache Menschen, die sich niemals eine Oper oder Symphonie-Konzertkarte leisten konnten, um diese Musik zu hören. Es bedeutete auch, dass die Leute Musik aus verschiedenen Teilen des Landes oder sogar verschiedenen Teilen der Welt hören konnten, auch wenn sie sich nicht leisten konnten, an diesen Orten zu reisen. Das half, musikalische Stile zu verbreiten.

 

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Kunstmusik

 

 

Der Filme, Serien und Videospiele – Schwerpunkt der Kunstmusik im 20. Jahrhundert war geprägt durch die Erforschung neuer Rhythmen, Stile und Klänge. Die Schrecken des Ersten Weltkriegs beeinflussten viele Künste, darunter auch Musik, und einige Komponisten begannen, düsterere, härtere Klänge zu entdecken. Traditionelle Musikstile wie Jazz und Volksmusik nutzten die Komponisten als Ideengeber für die klassische Musik. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg und John Cage waren alle einflussreiche Komponisten der Kunst des 20. Jahrhunderts. Die Erfindung der Tonaufnahme und die Fähigkeit, Musik zu bearbeiten, führte zu einem neuen Subgenre der klassischen Musik, einschließlich der akusmatischen und musique concrète Schulen der elektronischen Komposition. Die Tonaufzeichnung war auch ein wichtiger Einfluss auf die Entwicklung populärer Musikgenres, da sie Aufnahmen von Songs und Bands weit verbreitet erlaubte. Die Einführung des Multitrack-Aufnahmesystems hatte einen großen Einfluss auf die Rockmusik, denn es konnte viel mehr als eine Band-Performance aufnehmen. Mit einem Multitrack-System konnten eine Band und ihr Musikproduzent viele Schichten von Instrumentenspuren und Gesang überlagern und so neue Sounds erzeugen, die bei einer Live-Performance nicht möglich wären.

 

 

Rock Musik

 

 

Jazz entwickelte sich und wurde ein wichtiges Genre der Musik im Laufe des 20. Jahrhunderts, und während der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, Rock-Musik hat das gleiche. Jazz ist eine amerikanische musikalische Kunstform, die Anfang des 20. Jahrhunderts in afrikanischen amerikanischen Gemeinden in den südlichen Vereinigten Staaten von einem Zusammenfluss von afrikanischen und europäischen Musiktraditionen entstand. Der westafrikanische Stammbaum des Stils zeigt sich in seiner Filme, Serien und Musik – Verwendung von blauen Noten, Improvisationen, Polyrhythmen, Synkopien und der geschwungenen Note. Von seiner frühen Entwicklung bis zur Gegenwart hat Jazz auch Musik aus der amerikanischen Volksmusik des 19. und 20. Jahrhunderts aufgenommen.  Jazz hat von Anfang des 20. Jahrhunderts eine Vielzahl von Subgenres hervorgebracht, die von New Orleans Dixieland (1910) bis zu den 1970er und 1980er-Jazz-Rock-Fusion reichen.

 

 

Techno Musik

 

 

 

Rockmusik ist ein Genre der populären Musik, die in den 1960er Jahren aus den 1950er Jahren Rock’n’Roll, Rockabilly, Blues und Country-Musik entstand. Der Klang des Felsens dreht sich oft um die E-Gitarre oder die Akustikgitarre und verwendet einen starken Rückschlag, der von einem Rhythmusabschnitt der E-Bassgitarre, Trommeln und Tasteninstrumenten wie Orgel, Klavier oder seit den 1970er Jahren analysiert wird Synthesizer und digitale und Computer seit den 1990er Jahren. Zusammen mit der Gitarre oder Keyboards werden Saxophon und Blues-Mundharmonika als Soloinstrumente verwendet. In seiner „reinsten Form“ hat er drei Akkorde, einen starken, beharrlichen Rückschlag und eine eingängige Melodie. “ In den späten 1960er und frühen 1970er Jahren verzweigte er sich in verschiedene Filme, Serien und Musik – Subgenres, von Bluesrock und Jazz Rock-Fusion auf Heavy Metal und Punk Rock, sowie das klassisch beeinflusste Genre des progressiven Rocks und diverse experimentelle Rock-Genres.

 

 

Chinesische Naxi Musiker

 

 

Assyrer spielen zurna und Davul, die Instrumente, die Tausende von Jahren zurückgehen.
Performance ist der physische Ausdruck von Musik, der auftritt, wenn ein Lied gesungen wird oder wenn ein Klavierstück, eine E-Gitarrenmelodie, Symphonie, Schlagzeug oder ein anderes musikalisches Teil von Musikern gespielt wird. In der klassischen Musik wird ein musikalisches Werk in Notenschrift eines Komponisten geschrieben, und dann wird es durchgeführt, wenn der Komponist mit seiner Filme, Serien und Musik – Struktur und Instrumentierung zufrieden ist. Jedoch, wie es durchgeführt wird, kann die Interpretation eines Liedes oder Stückes entwickeln und ändern. In der klassischen Musik können Instrumentalmusiker, Sänger oder Dirigenten allmählich die Phrasierung oder das Tempo eines Stückes verändern. In der populären und traditionellen Musik haben die Performer viel mehr Freiheit, Änderungen an der Form eines Liedes oder eines Stückes vorzunehmen. Als solche, in populären und traditionellen Musik-Stile, auch wenn eine Band ein Cover-Song spielt, können sie Änderungen daran vornehmen, wie das Hinzufügen einer Gitarre Solo oder Einfügen einer Einführung.

 

 

Musik im Internet

 

 

 

In der klassischen Musik, mit Jazz-Big Bands und vielen populären Musikstilen kann eine Aufführung entweder geplant und geübt (geübt) werden oder über eine Akkordfolge (eine Folge von Akkorden) improvisiert werden Jazz und Blues Gruppen. Proben von Orchestern, Konzertbändern und Chören werden von einem Dirigenten geführt. Rock, Blues und Jazz-Bands werden in der Regel von der Bandleader geführt. Eine Probe ist eine strukturierte Wiederholung eines Liedes oder Stückes durch die Filme, Serien und Musik – Darsteller, bis es gesungen und / oder richtig gespielt werden kann, und wenn es ein Lied oder Stück für mehr als einen Musiker ist, bis die Teile aus einer rhythmischen und tuning-Perspektive zusammen sind. Improvisation ist die Schaffung einer musikalischen Idee – eine Melodie oder eine andere musikalische Linie, die auf der Stelle, oft auf Skalen oder vorbestehende melodische Riffs basiert erstellt.

 

 

Filme, Serien und Musik

 

 

Viele Kulturen haben starke Traditionen der Solo-Performance (in denen ein Sänger oder Instrumentalist auftritt), wie in der klassischen indischen Musik und in der westlichen Kunst-Musik-Tradition. Andere Kulturen, wie in Bali, schließen starke Traditionen der Gruppenleistung ein. Alle Kulturen schließen eine Mischung aus beidem ein, und die Leistungen können von improvisiertem Solo-Spiel bis hin zu hoch geplanten und organisierten Filme, Serien und Musik – Darbietungen wie dem modernen klassischen Konzert, religiösen Prozessionen, klassischen Musikfestivals oder Musikwettbewerben reichen. Die Kammermusik, die Musik für ein kleines Ensemble mit nur wenigen Instrumenten ist, wird oft als intimer angesehen als große symphonische Werke.

 

 

 

 

Mündliche und klangliche Musik Tradition

 

 

 

Viele Arten von Musik, wie traditionelle Blues und Volksmusik wurden nicht in Noten geschrieben; Stattdessen wurden sie ursprünglich im Gedächtnis der Performer bewahrt, und die Lieder wurden oral, von einem Musiker oder Sänger zum anderen überliefert, oder aural, in dem ein Filme, Serien und Musik – Interpret ein Lied „durch das Ohr“ lernt. Wenn der Komponist eines Liedes oder eines Stückes nicht mehr bekannt ist, wird diese Musik oft als „traditionell“ oder als „Volkslied“ klassifiziert. Unterschiedliche musikalische Traditionen haben unterschiedliche Einstellungen, wie und wo man das ursprüngliche Ausgangsmaterial, von ganz streng, zu jenen ändern kann, die Improvisation oder Modifikation der Musik fordern. Eine Geschichte der Geschichte und Geschichten können auch durch das Ohr durch Lied weitergegeben werden.

 

 

Ornament Musik

 

 

 

In einer Partitur oder einem Musikstück eines Musikers zeigt dieses Zeichen an, dass der Musiker einen Triller ausführen sollte – einen schnellen Wechsel zwischen zwei Noten. Über diesen Ton Play. In der Musik, ein „Ornament“ ist eine Dekoration für eine Melodie, Bassline oder anderen musikalischen Teil. Das Detail, das explizit in der Musiknotation enthalten ist, variiert zwischen Genres und historischen Perioden. Im Allgemeinen verlangte die Musiknotation vom 17. bis zum 19. Jahrhundert von den Darstellern ein großes Kontextwissen über das Ausführen von Stilen. Zum Beispiel im 17. und 18. Jahrhundert, Musik für Solo-Darsteller notiert typischerweise eine einfache, schmucklose Melodie. Allerdings wurde den Darstellern erwartet, dass sie wissen, wie man stilistisch passende Ornamente hinzufügt, um Interesse für die Musik, wie Triller und Wendungen, hinzuzufügen.

 

 

Das Tempo der Musik

 

 

Im 19. Jahrhundert kann Kunstmusik für Solo-Darsteller eine allgemeine Anweisung geben, um die Musik ausdrucksvoll auszuführen, ohne detailliert zu beschreiben, wie der Darsteller dies tun sollte. Der Performer sollte wissen, wie man Tempo-Änderungen, Akzentuierung und Pausen (unter anderem Geräte) zu verwenden, um diese „expressive“ Performance-Stil zu erhalten. Im 20. Jahrhundert wurde Kunstmusik-Notation oft expliziter und verwendete eine Reihe von Markierungen und Anmerkungen, um den Darstellern anzuzeigen, wie sie das Stück spielen oder singen sollten.

In der populären Musik und im Jazz zeigt Musiknotation fast immer nur das Grundgerüst des Melodie-, Harmonie- oder Performanceansatzes an; Musikern und Sängern erwartet werden, um die Performance-Konventionen und Stile mit bestimmten Genres und Stücke zugeordnet wissen. Zum Beispiel kann die „Bleiblatt“ für eine Jazz-Melodie nur die Melodie und die Akkordänderungen anzeigen. Die Interpreten des Jazz-Ensembles sollten wissen, wie man diese Filme, Serien und Musik – Grundstruktur durch Zusatz von Ornamenten, improvisierter Musik und Akkordbegleitung „ausfertigt“.

 

 

 

Philosophie der Musik und Ästhetik der Musik

 

 

 

Eine Malerei von Boldini einer Frau, die das Klavier spielt.
Philosophie der Musik ist ein Subfeld der Philosophie. Die Philosophie der Musik ist das Studium grundlegender Fragen der Musik. Das philosophische Studium der Musik hat viele Verbindungen zu philosophischen Fragen in der Metaphysik und der Ästhetik. Einige grundlegende Fragen in der Philosophie der Musik sind:

 

 

Wer hat die Musik erfunden?

 

 

Was ist die Definition von Musik?
Was ist das Verhältnis von Musik und Geist?
Was zeigt uns die Musikgeschichte über die Welt?
Was ist die Verbindung zwischen Musik und Emotionen?
Was bedeutet Musik?
In alten Zeiten, wie bei den alten Griechen, erforschte die Ästhetik der Musik die mathematischen und kosmologischen Dimensionen der rhythmischen und harmonischen Organisation. Im 18. Jahrhundert verschoben sich die Schwerpunkte auf die Erfahrung des Hörens von Musik und damit auf Filme, Serien und Musik – Fragen über ihre Schönheit und menschlichen Genuss (Plaisir und Jouissance) der Musik. Der Ursprung dieser philosophischen Verschiebung wird manchmal Baumgarten im 18. Jahrhundert zugeschrieben, gefolgt von Kant. Durch ihr Schreiben erhielt der alte Begriff „Ästhetik“, dh Sinneswahrnehmung, seine heutige Konnotation. In den 2000er Jahren haben Philosophen neigen dazu, Fragen neben Schönheit und Genuss zu betonen. Zum Beispiel war die Fähigkeit der Musik, Emotionen auszudrücken, ein zentrales Thema.

 

 

Wer hat die meisten Musik Alben verkauft?

 

 

 

Im 20. Jahrhundert wurden wichtige Beiträge von Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton und Stephen Davies gemacht. Allerdings haben viele Musiker, Musikkritiker und andere Nicht-Philosophen zur Ästhetik der Musik beigetragen. Im 19. Jahrhundert entstand zwischen Eduard Hanslick, einem Musikkritiker und Musikwissenschaftler, und dem Komponisten Richard Wagner eine wichtige Debatte darüber, ob Musik die Bedeutung ausdrücken kann. Harry Partch und einige andere Musikwissenschaftler, wie Kyle Gann, haben studiert und versucht, die Mikrotonalmusik und die Verwendung alternativer musikalischer Skalen zu popularisieren. Auch viele moderne Komponisten wie La Monte Young, Rhys Chatham und Glenn Branca haben viel Filme, Serien und Musik – Aufmerksamkeit auf eine so genannte Intonation gelegt.

Es wird oft angenommen, dass Musik die Fähigkeit hat, unsere Emotionen, Intellekt und Psychologie zu beeinflussen; Es kann unsere Einsamkeit lindern oder unsere Leidenschaften anreizen. Der Philosoph Plato schlägt in der Republik vor, daß die Musik eine direkte Wirkung auf die Seele habe. Daher schlägt er vor, daß im idealen Regime die Musik vom Staat eng reguliert würde.

Es hat eine starke Tendenz in der Ästhetik der Musik gegeben, die überragende Bedeutung der kompositorischen Struktur zu betonen; Aber auch andere Fragen der Ästhetik der Musik sind Lyrik, Harmonie, Hypnotismus, Emotivität, zeitliche Dynamik, Resonanz, Verspieltheit und Farbe (siehe auch musikalische Entwicklung).

 

 

 

Musikpsychologie

 

 

 

Die moderne Musikpsychologie zielt darauf ab, musikalisches Verhalten und Erfahrung zu erklären und zu verstehen. [50] Forschung auf diesem Gebiet und seine Teilgebiete sind hauptsächlich empirisch; Ihre Kenntnisse neigen dazu, auf der Grundlage von Interpretationen von Daten gesammelt durch systematische Beobachtung und Interaktion mit menschlichen Teilnehmern voranzutreiben. Neben der Filme, Serien und Musik – Fokussierung auf fundamentale Wahrnehmungen und kognitiven Prozesse ist die Musikpsychologie ein Forschungsgebiet mit praxisrelevanter Relevanz für viele Bereiche wie Musikleistung, Komposition, Erziehung, Kritik und Therapie sowie Untersuchungen zur menschlichen Eignung, Geschicklichkeit und Intelligenz , Kreativität und soziales Verhalten.

 

 

Kognitive Neurowissenschaft der Musik

 

 

 

Der primäre auditorische Kortex ist einer der Filme, Serien und Musik – Hauptbereiche, die mit überlegener Tonhöhenauflösung verbunden sind.
Kognitive Neurowissenschaft der Musik ist die wissenschaftliche Erforschung von Gehirn-basierten Mechanismen in den kognitiven Prozessen beteiligt zugrunde liegenden Musik. Diese Verhaltensweisen sind Musik hören, die Durchführung, zu komponieren, das Lesen, Schreiben und Hilfstätigkeiten. Sie beschäftigt sich zunehmend mit der Gehirnbasis für musikalische Ästhetik und musikalische Emotionen. Das Feld, das durch seine Abhängigkeit von direkten Beobachtungen des Gehirns auszeichnet, solche Techniken wie funktionelle Magnetresonanztomographie (fMRI) unter Verwendung der transkraniellen Magnetstimulation (TMS), Magnetenzephalographie (MEG), Elektroenzephalographie (EEG) und die Positronen-Emissions-Tomographie (PET) .

 

Dieses interdisziplinäre Feld untersucht Themen wie die Parallelen zwischen Sprache und Musik im Gehirn. Biologisch inspirierte Berechnungsmodelle werden häufig in der Forschung, wie neuronale Netze und evolutionäre Programme enthalten. Dieses Feld versucht, zu modellieren, wie musikalisches Wissen dargestellt, gespeichert, wahrgenommen, durchgeführt und erzeugt wird. Durch die Verwendung einer gut strukturierten Computerumgebung, die systematischen Strukturen dieser kognitiven Phänomene untersucht werden.

 

 

Psychoakustik in der Musik

 

 

Psychoakustik ist die wissenschaftliche Untersuchung der Klangwahrnehmung. Genauer gesagt, ist es der Filme, Serien und Musik – Zweig der Wissenschaft Studium der psychologischen und physiologischen Reaktionen im Zusammenhang mit Ton (einschließlich Sprache und Musik). Es kann weiter als ein Zweig der Psychophysik kategorisiert werden.

 

 

 

Evolutionäre Musikwissenschaft

 

 

 

Die evolutionäre Musikwissenschaft betrifft die „Ursprünge der Musik, die Frage des Tierliedes, den Selektionsdruck, der der Musikentwicklung zugrunde liegt“ und „Musikentwicklung und menschliche Evolution“. Sie versucht, Musikwahrnehmung und -tätigkeit im Kontext der Evolutionstheorie zu verstehen. Charles Darwin spekulierte, dass die Musik einen adaptiven Vorteil gehabt haben und als protolanguage funktionieren könnte, eine Filme, Serien und Musik – Ansicht, die mehrere konkurrierende Theorien der Musikentwicklung hervorgebracht hat. Eine alternative Ansicht sieht Musik als Nebenprodukt der sprachlichen Evolution; Eine Art „Hörkäsekuchen“, der die Sinne erfreut, ohne eine adaptive Funktion zu bieten. Diese Ansicht wurde von zahlreichen Musikforschern direkt bekämpft.

 

 

Ethnomusik

Die Filme, Serien und Musik – Kultur oder Ethnizität eines Individuums spielt eine Rolle in ihrer Musikkognition, einschließlich ihrer Präferenzen, ihrer emotionalen Reaktion und ihres musikalischen Gedächtnisses. Die musikalischen Präferenzen sind auf kulturell vertraute musikalische Traditionen angelegt, beginnend im Kleinkindalter, und die Klassifizierung von Erwachsenen der Emotion eines musikalischen Stücks hängt sowohl von kulturspezifischen als auch universellen Strukturmerkmalen ab. Darüber hinaus sind die musikalischen Gedächtnisfähigkeiten der Individuen für kulturell vertraute Musik größer als für kulturell nicht vertraute Musik.

 

 

Soziomusik

 

 

 

Diese Song-Dynastie (960-1279), mit dem Titel „Night Revels of Han Xizai“, zeigt chinesische Musiker unterhalten Gäste auf einer Party in einem Haus des 10. Jahrhunderts.
Viele ethnographische Studien zeigen, dass Musik eine partizipative, gemeindebasierte Aktivität ist. Musik wird von Einzelpersonen in einer Reihe von sozialen Einstellungen reicht von allein zu einem großen Konzert, bilden eine Musik-Community, die nicht als eine Funktion des individuellen Willens oder Unfalls verstanden werden kann, erlebt; Es umfasst sowohl kommerzielle als auch nichtkommerzielle Teilnehmer mit gemeinsamen gemeinsamen Filme, Serien und Musik – Werten. In verschiedenen Kulturen und sozioökonomischen Milieus nehmen musikalische Darbietungen unterschiedliche Formen an. In Europa und Nordamerika gibt es oft eine Kluft zwischen welchen Arten von Musik als „Hochkultur“ und „Niedrige Kultur“ angesehen werden. Zu den Hochkulturen gehören typisch westliche Kunstmusiken wie Barock-, Klassik-, Romantik- und Modern-Symphonien, Konzerte und Solo-Werke, die typischerweise in Konzerthallen und Kirchen in formellen Konzerten mit ruhigem Publikum zu hören sind In den Sitzen.

 

 

Wer erfand die elektronische Musik?

 

 

Andere Musikrichtungen wie Jazz, Blues, Soul und Country werden oft in Bars, Diskotheken und Theatern aufgeführt, wo das Filme, Serien und Musik – Publikum in der Lage sein kann, zu trinken, zu tanzen und sich durch Jubel auszudrücken. Bis zum späteren 20. Jahrhundert wurde die Trennung zwischen „hohem“ und „tiefem“ musikalischen Formen weithin akzeptiert als eine gültige Unterscheidung, die bessere Qualität, fortgeschrittenere „Kunstmusik“ von den populären Stilen der Musik, die in den Stäben und in den Tanzhallen gehört wird, trennte.

In den 1980er und 1990er Jahren argumentierten Musikwissenschaftler, die diese wahrgenommene Trennung zwischen „hohem“ und „tiefem“ musikalischem Genre untersuchten, dass diese Unterscheidung nicht auf dem musikalischen Wert oder der Qualität der verschiedenen Musikarten beruht Argumentiert, dass diese Unterscheidung weitgehend auf der sozioökonomischen Stellung oder sozialen Klasse der Darsteller oder das Publikum der verschiedenen Arten von Musik basiert. Zum Beispiel, während das Publikum für klassische Symphonie Konzerte haben in der Regel überdurchschnittliche Einkommen, das Publikum für Ein Rap-Konzert in einem innerstädtischen Gebiet kann unterdurchschnittliche Einkommen haben. Obwohl die Darsteller, Publikum oder Veranstaltungsort, wo keine „Kunst“ -Musik durchgeführt wird, einen niedrigeren sozioökonomischen Status haben kann, wird die Musik, die durchgeführt wird , Wie Blues, Rap, Punk, Funk oder Filme, Serien und Musik können sehr komplex und anspruchsvoll sein.

 

 

 

Wer hört klassische Musik

 

 

Wenn Komponisten Stile der Musik einführen, die mit Konventionen brechen, kann es einen starken Widerstand von akademischen Musikexperten und populärer Kultur geben. Spät-Beethoven-Streichquartette, Strawinsky Ballett Partituren, Serialismus, Bebop-Ära Jazz, Hip-Hop, Punk-Rock und Electronica wurden alle als Nicht-Musik von einigen Kritikern, als sie zum ersten Mal eingeführt wurden In der Soziologie der Musik. Das soziologische Studium der Musik, manchmal auch Soziomusik genannt, wird oft in Abteilungen der Soziologie, Medienwissenschaft oder Musik verfolgt und ist eng mit dem Gebiet der Ethnomusik verbunden.

 

 

 

Frauen in der Musik

 

 

 

 

Neunzehnten Jahrhunderts Komponist und Pianistin Clara Schumann.
Frauen haben eine bedeutende Rolle in der Musik im Laufe der Geschichte gespielt, als Komponisten, Songwriter, Instrumentalisten, Sänger, Dirigenten, Musikwissenschaftler, Musikpädagogen, Musikkritiker / Musikjournalisten und andere musikalische Berufe. Außerdem beschreibt es Musikbewegungen, Ereignisse und Genres in Bezug auf Frauen, Frauenfragen und Feminismus. In den 2010er Jahren, während Frauen einen bedeutenden Anteil an populären Musik- und Klassiksängern und einem bedeutenden Anteil an Songwritern (viele davon Singer-Songwriter) umfassen, gibt es nur wenige Rekorde, Rockkritiker und Rock-Instrumentalisten. Zwar gab es in der klassischen Musik eine große Anzahl von Filme, Serien und Musik – Komponisten, von der mittelalterlichen Epoche bis zur heutigen Zeit aber sind die Komponisten des Komponisten im klassischen Musikrepertoire, in den Musikgeschichtsbüchern und in den Musiklexika deutlich unterrepräsentiert; Zum Beispiel in der Concise Oxford Geschichte der Musik, ist Clara Schumann einer der einzigen weiblichen Komponisten, die erwähnt wird.

 

 

Wer kennt gute Musik

 

 

Frauen umfassen einen erheblichen Anteil an Instrumentalsolisten in der klassischen Musik und der Anteil der Frauen in Orchestern nimmt zu. Ein Artikel von 2015 über Konzert-Solisten in großen kanadischen Orchestern zeigte jedoch an, dass 84% der Solisten des Orchesters Symphonique de Montreal Männer waren. Im Jahr 2012 machten Frauen nur noch 6% des erstklassigen Wiener Philharmonischen Orchesters aus. Frauen sind in den populären Musikgenres wie Rock und Heavy Metal eher selten als Instrumentalisten tätig, obwohl es einige bemerkenswerte weibliche Instrumentalisten und All-Female-Bands gab. Frauen sind in extremen Metallgenres besonders unterrepräsentiert. In den sechziger Jahren war die Popmusikszene die meisten Filme, Serien und Musik – Aspekte des … Musikgeschäfts, [in den 1960er-Jahren] war das Songwriting ein von Männern dominiertes Feld, obwohl es viele weibliche Sänger im Radio gab. Wurden vor allem als Konsumenten gesehen: … Singen war manchmal ein akzeptabler Zeitvertreib für ein Mädchen, aber ein Instrument zu spielen, Songs zu schreiben oder Platten zu produzieren, war einfach nicht getan. „Junge Frauen“ … waren nicht sozialisiert Sich als Menschen zu sehen, die Musik erschaffen.“

 

 

Wer kauft noch Musik?

 

 

 

Frauen sind auch unterrepräsentiert in Orchesterleitung, Musikkritik / Musikjournalismus, Musikproduktion und Tontechnik. Während Frauen im 19. Jahrhundert vom Filme, Serien und Musik – Komponieren entmutigt wurden und nur wenige Frauen Musikwissenschaftler waren, wurden Frauen in die Musikpädagogik eingebunden „… in einem solchen Ausmaß, dass Frauen in der späteren Hälfte des 19. Jahrhunderts beherrschten Das 20. Jahrhundert. „

 

 

Jazz Musik online kaufen

 

 

Laut Jessica Duchen, einem Musikschreiber für Londons The Independent, sind Frauenmusiker in der klassischen Musik „… zu oft für ihre Auftritte beurteilt, eher als ihr Talent“ und sie stehen vor dem Druck „… um sexy auf der Bühne und auf Fotos zu sehen “ Duchen stellt fest, dass“ hier Frauenmusiker sind, die sich weigern, auf ihrem Aussehen zu spielen, … diejenigen, die eher materiell erfolgreich sind. “ Laut dem britischen Radio 3 Editor , Edwina Wolstencroft, ist die Musikindustrie seit langem offen für Frauen in Performance oder Entertainment-Rollen, aber Frauen sind viel weniger wahrscheinlich, dass die Filme, Serien und Musik – Positionen der Autorität, wie der Führer eines Orchesters. In der populären Musik, während es viele Sängerinnen gibt, die Songs aufnehmen, gibt es sehr wenige Frauen hinter der Audio-Konsole, die als Musikproduzenten agieren, die Personen, die den Aufnahmeprozess steuern und verwalten. Einer der bekanntesten Künstler ist Asha Bhosle, eine indische Sängerin, bekannt als Playback-Sängerin im Hindi-Kino.

 

 

 

Computermusik und Musiktechnik

 

 

 

Musikproduktion in den 2000er Jahren mit einer digitalen Audio-Workstation (DAW) mit elektronischer Tastatur und Multimonitor-Setup.
Die Musik, die Komponisten machen, kann man durch mehrere Medien hören; Der traditionellste Weg ist es, es live, in Gegenwart der Musiker (oder als einer der Musiker), in einem Außen-oder Innenraum wie ein Amphitheater, Konzerthalle, Kabarett Raum oder Theater zu hören. Seit dem 20. Jahrhundert kann Live-Musik auch über Radio, Fernsehen oder Internet übertragen oder auf einem CD-Player oder Mp3-Player aufgezeichnet und abgespielt werden. Einige musikalische Filme, Serien und Musik – Stile konzentrieren sich auf die Herstellung eines Klangs für eine Aufführung, während andere auf die Herstellung einer Aufnahme konzentrieren, die Klänge miteinander vermischt, die nie „live“ gespielt wurden. Die Aufnahme, auch von im Wesentlichen lebenden Stilen wie Rock, nutzt oft die Fähigkeit zu bearbeiten und Spleißen, um Aufnahmen, die als „besser“ als die tatsächliche Leistung.

 

 

Wer Lust und Liebe zur Musik hat

 

 

Technologie hat einen Einfluss auf die Musik seit prähistorischen Zeiten, als Höhle Menschen einfache Werkzeuge verwendet, um Bohrungen Bohrungen in Knochen Flöten vor 41.000 Jahren. Die Technik fuhr fort, Musik in der gesamten Geschichte der Musik zu beeinflussen, da sie neue Instrumente und Musiknotation-Wiedergabesysteme verwendet werden konnte, wobei einer der Wasserscheidungsmomente in der Musiknotation die Erfindung der Druckpresse im 1400s war, was Musikstücke Nr. Bedeutete Länger musste kopiert werden. Im 19. Jahrhundert führte die Musiktechnologie zur Filme, Serien und Musik – Entwicklung eines kraftvolleren, lauteren Klaviers und führte zur Entwicklung von neuen Instrumenten für Blechblasinstrumente. Am Anfang des 20. Jahrhunderts (in den späten 1920er Jahren), als sich im frühen 20. Jahrhundert mit ihren voraufgezeichneten musikalischen Tracks ins Gespräch kam, stellten sich immer mehr Orchestermusiker aus der Arbeit. In den 1920er-Jahren waren die musikalischen Aufführungen von Orchestern, Pianisten und Theaterverträgern in Erstaufführungen üblich. Mit dem Kommen der sprechenden Filmbilder wurden diese vorgestellten Auftritte weitgehend eliminiert. Die Amerikanische Föderation der Musiker (AFM) holte Zeitungsanzeigen, die gegen den Ersatz von Live-Musikern mit mechanischen Spielgeräten protestierten. Eine 1929 Anzeige, die in der Pittsburgh-Presse erschien, kennzeichnet ein Bild einer Dose, die „verbotene Musik / große Geräusch-Marke / garantiert wird, keine geistige oder emotionale Reaktion zu produzieren, was auch immer“.

 

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Wer singt Pop Musik

 

 

Seit der Einführung von Rechtsvorschriften zum Schutz von Interpreten, Komponisten, Verlegern und Filme, Serien und Musik – Produzenten, einschließlich des Audio Home Recording Act von 1992 in den Vereinigten Staaten und der 1979 revidierten Berner Übereinkunft zum Schutz von literarischen und künstlerischen Arbeiten im Vereinigten Königreich, Aufnahmen und Liveauftritten Haben auch zugänglicher geworden durch Computer, Geräte und Internet in einer Form, die gemeinhin als Music-On-Demand bekannt ist.

 

 

Jazz Musik

 

 

In vielen Filme, Serien und Musik – Kulturen gibt es weniger Unterscheidung zwischen Durchführen und Hören von Musik, da praktisch jeder in irgendeine Art von musikalischer Aktivität, oft kommunalen beteiligt ist. In den Industrieländern wurde das Hören von Musik über eine aufgezeichnete Form, wie Tonaufnahmen oder das Ansehen eines Musikvideos, häufiger als das Erleben von Live-Aufführungen, etwa in der Mitte des 20. Jahrhunderts.

 

 

Wer vermarktet Musik

 

 

Manchmal beinhalten liveaufführungen vorbespielte Klänge. Zum Beispiel verwendet ein Disc-Jockey Disc-Aufzeichnungen zum Scratchen, und einige Werke des 20. Jahrhunderts haben ein Solo für ein Instrument oder eine Stimme, die zusammen mit Musik, die auf ein Band aufgezeichnet wird, durchgeführt wird. Computer und viele Tastaturen können programmiert werden, um Musikinstrument-Digital-Schnittstelle (MIDI) Musik zu produzieren und zu spielen. Das Publikum kann auch Künstler werden, indem es an Karaoke teilnimmt, eine Tätigkeit japanischen Ursprungs, die auf einem Gerät basiert, das sprachgespielte Filme, Serien und Musik – Versionen bekannter Lieder spielt. Die meisten Karaoke-Maschinen haben auch Video-Bildschirme, die zeigen, Songtexte zu Songs durchgeführt werden; Können die Künstler den Songs folgen, während sie über die Instrumentalstücke singen.

 

 

Internet Musik

 

 

YouTube präsentiert den Popsänger Taylor Swift. Das Aufkommen des Internets und der weit verbreitete Hochgeschwindigkeits-Breitbandzugang veränderten das Erlebnis der Musik, zum Teil durch den erhöhten Zugang zu Musikaufzeichnungen über Streaming-Video und eine deutlich gestiegene Auswahl an Musik für die Verbraucher. Chris Anderson, in seinem Buch The Long Tail: Warum die Zukunft des Geschäfts ist weniger verkaufen mehr, schlägt vor, dass, während das traditionelle ökonomische Modell von Angebot und Nachfrage beschreibt Filme, Serien und Musik – Knappheit, das Internet-Retail-Modell auf Fülle beruht. Digitale Speicherkosten sind niedrig, so kann ein Unternehmen es sich leisten, seine gesamte Aufzeichnung Inventar online verfügbar machen, so dass Kunden so viel Auswahl wie möglich. Es ist somit wirtschaftlich tragfähig, Musikaufnahmen anzubieten, an die nur wenige Menschen interessiert sind. Das wachsende Bewusstsein der Verbraucher für ihre wachsende Wahl führt zu einer engeren Zugehörigkeit zwischen dem Zuhören und der sozialen Identität und der Schaffung tausender Nischenmärkte.

 

 

Was Musik alles kann

 

 

Eine weitere Wirkung des Internets entstand mit Online-Communities und Social-Media-Websites wie YouTube und Facebook, einem Social Networking Service. Diese Filme, Serien und Musik – Seiten machen es einfacher für aufstrebende Sänger und Amateur-Bands, um Videos von ihren Songs zu verbreiten, mit anderen Musikern zu verbinden und das Interesse der Zuschauer zu gewinnen. Professionelle Musiker nutzen auch YouTube als kostenloser Verlag von Werbematerial. YouTube-Nutzer zum Beispiel nicht nur nur herunterladen und hören MP3s, sondern auch aktiv ihre eigenen erstellen. Entsprechend Don Tapscott und Anthony D. Williams, in ihrem Buch Wikinomics, gibt es eine Verschiebung von einer traditionellen Verbraucherrolle zu, was sie eine „Prosumer“ Rolle nennen, ein Verbraucher, der sowohl schafft Inhalt und verbraucht. Manifestationen davon in der Musik umfassen die Produktion von Mashes, Remixes und Musikvideos von Fans.

 

 

 

Musikindustrie

 

 

 

Die Musikindustrie bezieht sich auf die Unternehmen, die mit der Schaffung und dem Verkauf von Musik verbunden sind. Es besteht aus Songwritern und Komponisten, die neue Songs und Musikstücke, Musikproduzenten und Toningenieure erstellen, die Songs und Stücke, Plattenfirmen und Verleger, die aufgenommene Musikprodukte und Noten international verteilen und die oft die Rechte an diesen Filme, Serien und Musik – Produkten kontrollieren, aufnehmen. Einige Musik-Labels sind „unabhängig“, während andere sind Tochtergesellschaften von größeren Unternehmen oder internationalen Mediengruppen. In den 2000er Jahren hatte die zunehmende Beliebtheit, Musik als digitale Musikdateien auf MP3-Playern, iPods oder Computern zu hören und Musik auf File-Sharing-Websites zu handeln oder sie online in Form von digitalen Dateien zu kaufen, einen großen Einfluss auf die traditionelle Musik Geschäft. Viele kleinere unabhängige CD-Läden gingen aus dem Geschäft als Musik-Käufer ihre Einkäufe von CDs sank, und viele Labels hatten niedrigere CD-Verkäufe. Einige Unternehmen haben gut mit dem Wechsel zu einem digitalen Format, aber, wie Apples iTunes, ein Online-Musik-Shop, die digitale Dateien von Songs über das Internet verkauft.

 

 

Was ist GOA Musik

Trotz einiger internationaler Urheberrechtsverträge, die Bestimmung, welche Musik im public domain ist, wird durch die Vielfalt der nationalen Urheberrechtsgesetze kompliziert, die anwendbar sein können. Das US-amerikanische Urheberrechtsgesetz schützte früher Drucksachen, die nach 1923 für 28 Jahre veröffentlicht wurden, und mit der Verlängerung für weitere 28 Jahre, aber das Urheberrechtsgesetz von 1976 machte die Erneuerung automatisch, und das Digital Millennium Copyright Act änderte die Filme, Serien und Musik – Berechnung des Urheberrechtsanspruchs auf 70 Jahre nach dem Tod Des Schöpfers. Aufgenommener Ton fällt unter mechanische Lizenzierung, häufig bedeckt durch verwirrendes Flickenteppich Staatsgesetze; Die meisten Cover-Versionen sind durch die Harry Fox Agentur lizenziert. Erfüllungsrechte können sowohl von den Darstellern als auch vom Erfüllungsort bezogen werden; Die beiden großen Organisationen für die Lizenzierung sind BMI und ASCAP. Zwei Online-Quellen für Public-Domain-Musik sind IMSLP (International Music Score Library Project) und Choral Public Domain Library (CPDL).

 

 

Musikunterricht

 

 

 

Ein Suzuki-Violinkonzert mit Studenten unterschiedlichen Alters. Die Einbeziehung einiger Musik- oder Gesangsschulungen in die allgemeine Bildung von der Vorschule bis zur postsekundären Bildung ist in Nordamerika und Europa üblich. Die Beteiligung am Spielen und Singen von Musik soll Grundfertigkeiten wie Konzentration, Zählen, Zuhören und Kooperation vermitteln und gleichzeitig das Verständnis der Sprache fördern, die Fähigkeit verbessern, Informationen aufzuklären und eine Umgebung zu schaffen, die für das Lernen in anderen Bereichen förderlicher ist In den Grundschulen lernen Kinder oft Instrumente wie den Blockflöten zu spielen, in kleinen Chören zu singen und über die Filme, Serien und Musik – Geschichte der westlichen Kunstmusik und traditioneller Musik zu lernen. Einige Volksschüler lernen auch über populäre Musikrichtungen. In religiösen Schulen singen Kinder Hymnen und andere religiöse Musik. In den Sekundarschulen (und seltener in den Grundschulen) haben die Schüler die Möglichkeit, in einigen musikalischen Ensembles wie Chöre (eine Gruppe von Sängern), marschierenden Bands, Konzertbands, Jazzbands oder Orchestern zu spielen. In einigen Schulsystemen können Musikunterricht zum Spielen von Instrumenten vorgesehen werden. Einige Schüler nehmen auch privaten Musikunterricht nach der Schule mit einem singen Lehrer oder Instrument Lehrer. Amateurmusiker erlernen normalerweise grundlegende musikalische Grundlagen (z. B. das Lernen über musikalische Notation für musikalische Skalen und Rhythmen) und Anfänger- bis Mittelstufen-Gesang oder Instrumentenspieltechniken.

 

 

Musik kaufen

 

 

Auf der Universitätsebene können Studierende in den meisten Künsten und Geisteswissenschaften Kredit für die Aufnahme einiger Musikkurse erhalten, die typischerweise die Form eines Überblickskurses über die Musikgeschichte oder einen Musikwürdigungskurs haben, der auf das Hören von Musik und Lernen fokussiert Über verschiedene musikalische Stile. Darüber hinaus haben die meisten nordamerikanischen und europäischen Universitäten einige Filme, Serien und Musik – Arten von musikalischen Ensembles, die Studenten in Kunst und Geisteswissenschaften in der Lage, in wie Chöre, marschierende Bands, Konzertbands oder Orchester teilnehmen können. Das Studium der westlichen Kunstmusik ist immer häufiger außerhalb von Nordamerika und Europa, wie das indonesische Institut für Kunst in Yogyakarta, Indonesien, oder die klassischen Musikprogramme, die in asiatischen Ländern wie Südkorea, Japan und China zur Verfügung stehen. Gleichzeitig erweitern westliche Universitäten und Hochschulen ihr Curriculum um Musik von nicht-westlichen Kulturen, wie die Musik von Afrika oder Bali (z. B. Gamelan-Musik).

 

 

 

Musik kaufen im Internet

 

 

 

Manhattan School of Music Professor und professionelle Kontrabassist Timothy Cobb Unterricht eine Bassunterricht in den späten 2000er Jahren. Sein Bass hat eine niedrige C Verlängerung mit einer Metall „Maschine“ mit Knöpfen für das Spielen der Stellplätze auf der Verlängerung.
Einzelpersonen mit dem Ziel, professionelle Musiker, Sänger, Komponisten, Songwriter, Musiklehrer und Praktiker von anderen musikbezogenen Berufen wie Musikhistorieprofessoren, Toningenieure und so weiter zu werden, studieren in spezialisierten postsekundären Filme, Serien und Musik – Programmen von Hochschulen, Universitäten und Musikhochschulen . Einige Einrichtungen, die Einzelpersonen für Karrieren in der Musik ausbilden, bieten Schulungen in einem breiten Spektrum von Berufen an, wie es bei vielen der führenden US-Universitäten der Fall ist, die Grade in der Musikleistung (einschließlich Gesangs- und Spielinstrumente), Musikgeschichte, Musiktheorie, Musikkomposition, Musikpädagogik (für Einzelpersonen mit dem Ziel, Grund- oder Gymnasiallehrer zu werden) und, in einigen Fällen, Dirigieren. Auf der anderen Seite, können einige kleine Hochschulen nur Ausbildung in einem einzigen Beruf (z. B. Tonaufzeichnung).

 

 

Online Musik

 

 

Während die meisten Universitäts- und Konservatorium-Musikprogramme auf die Ausbildung von Studenten in der klassischen Musik konzentrieren, gibt es eine Anzahl von Universitäten und Hochschulen, die Musiker für Karrieren als Jazz oder populäre Musikmusiker und Komponisten schulen, mit bemerkenswerten US-Beispielen, darunter die Manhattan School of Music und die Berklee Hochschule für Musik. Zwei wichtige Schulen in Kanada, die professionelle Jazz-Ausbildung bieten sind McGill University und Humber College. Einzelpersonen, die auf Karrieren in einigen Arten von Musik, wie Schwermetallmusik, Country-Musik oder Blues abzielen, sind weniger wahrscheinlich, Fachleute zu werden, indem sie Abschlüsse oder Diplome in Hochschulen oder Universitäten abschließen. Stattdessen erlernen sie in vielen Filme, Serien und Musik – Bands (oft in Amateurbands, Coverbands und Tributbands), indem sie auf CD, DVD und im Internet studieren und mit bereits etablierten Profis arbeiten, über ihren Musikstil, indem sie singen und / oder spielen In ihrem Stil der Musik, entweder durch informelle Mentoring oder regelmäßige Musikunterricht. Seit den 2000er Jahren haben die zunehmende Beliebtheit und Verfügbarkeit von Internetforen und YouTube-How-to-Videos viele Sänger und Musiker aus Metal, Blues und ähnlichen Genres dazu veranlasst, ihre Fähigkeiten zu verbessern. Viele Pop-, Rock- und Country-Sänger trainieren informell mit Gesangslehrern und Gesangslehrern.

 

 

Musik Universität

Undergraduate Universitätsabschlüsse in der Musik, einschließlich der Bachelor of Music, der Bachelor of Music Education, und der Bachelor of Arts (mit einem großen in der Musik) in der Regel etwa vier Jahre in Anspruch nehmen. Diese Abschlüsse bieten den Studierenden eine Grundkenntnis in Musiktheorie und Musikgeschichte, und viele Studenten studieren auch ein Instrument oder lernen Gesangstechnik als Teil ihres Filme, Serien und Musik – Programms. Absolventen der Undergraduate-Musik-Programme können Beschäftigung suchen oder weiter zu studieren in Musik Diplom-Programme. Bachelor-Absolventen sind auch berechtigt, für einige Graduierten-Programme und Berufsschulen außerhalb der Musik gelten (z. B. öffentliche Verwaltung, Betriebswirtschaftslehre, Bibliothekswissenschaft und in einigen Rechtsordnungen, Lehrer-College, Jurastudium oder medizinische Schule).

 

 

Studium der Musik

Graduate Music Grade sind der Master of Music, der Master of Arts, der Doktor der Philosophie (Ph.D.) (z. B. in der Musikwissenschaft oder Musiktheorie) und in jüngerer Zeit der Doctor of Musical Arts, oder DMA. Der Master of Music-Abschluss, der ein bis zwei Jahre dauert, wird in der Regel an Studierende studieren die Filme, Serien und Musik – Leistung eines Instruments, Bildung, Stimme (Gesang) oder Komposition vergeben. Der Master of Arts-Abschluss, der ein bis zwei Jahre dauert und oft eine Diplomarbeit erfordert, wird typischerweise an Studierende vergeben, die Musikwissenschaft, Musikgeschichte, Musiktheorie oder Ethnomusik studieren.

 

 

 

Die Musik in der Neuzeit

 

 

 

Die Doktorarbeit, die für Studenten, die als Universitätsprofessoren in Musikwissenschaft, Musikgeschichte oder Musiktheorie arbeiten wollen, erforderlich ist, dauert drei bis fünf Jahre nach dem Master-Abschluss, während welcher Zeit der Student fortgeschrittene Kurse abschließen und forschen wird Eine Dissertation. Die DMA ist ein relativ neuer Grad, der geschaffen wurde, um eine Berechtigung für professionelle Performer oder Filme, Serien und Musik – Komponisten, die als Hochschulprofessoren in der musikalischen Leistung oder Komposition arbeiten wollen. Die DMA dauert drei bis fünf Jahre nach einem Master-Abschluss und umfasst fortgeschrittene Kurse, Projekte und Performances. Im Mittelalter war das Studium der Musik eine der Quadrivium der sieben liberalen Künste und als wichtig für höhere Lernen. Innerhalb der quantitativen Quadrivium-, Musik- oder genaueren Harmonischen war das Studium rationaler Proportionen.

 

 

 

Musikwissenschaft

 

 

 

Die Musikwissenschaft, das akademische Studium des Faches Musik, wird an Universitäten und Musikhochschulen studiert. Die frühesten Definitionen aus dem 19. Jahrhundert definiert drei Teildisziplinen der Musikwissenschaft: Systematische Musikwissenschaft, historische Musikwissenschaft und vergleichende Musikwissenschaft oder Musikethnologie. 2010-Ära Stipendium ist ein eher eine Teilung der Filme, Serien und Musik – Disziplin in Musiktheorie, Musikgeschichte und Musikwissenschaft zu begegnen. Die Forschung in der Musikwissenschaft wurde oft durch interdisziplinäre Arbeit bereichert, zum Beispiel auf dem Gebiet der Psychoakustik. Das Studium der Musik der nicht-westlichen Kulturen, und die kulturelle Studie der Musik, heißt Ethnomusik. Die Schüler können die Bachelor-Studium der Musikwissenschaft, Musikethnologie, Musikgeschichte und Musiktheorie durch verschiedene Arten von Grad, einschließlich Bachelor-Abschluss, Master-Abschlüsse und PhD-Grad verfolgen.

 

 

Musiktheorie

 

 

 

Musiktheorie ist das Studium der Musik, in der Regel in einer höchst technischen Weise außerhalb der anderen Disziplinen. Im weiteren Sinne bezieht es sich in der Regel in irgendeiner Form mit der Zusammensetzung betrifft, und kann Mathematik, Physik und Anthropologie sind im Zusammenhang mit einem Studium der Musik. Was wird am häufigsten bei Beginn der Musiktheorie Klassen unterrichtet sind Filme, Serien und Musik – Richtlinien im Stil der gemeinsamen Praxis Zeit oder tonalen Musik zu schreiben. Die Theorie, auch der Musik der gemeinsamen Praxis kann viele andere Formen annehmen. Die Musiktheorie ist die Anwendung der mathematischen Mengenlehre auf die Musik, die zuerst auf die atonale Musik angewendet wird. Spekulative Musiktheorie, mit analytischen Musiktheorie kontrastiert, wird die Analyse und die Synthese von Musikmaterialien gewidmet, beispielsweise tuning-Systemen, die allgemein als Vorbereitung für die Zusammensetzung.

 

 

 

Zoomusikologie

 

 

 

Zoomusicology ist das Studium der Musik von nicht-menschlichen Tieren oder die musikalischen Aspekte von nicht-menschlichen Tieren erzeugten Filme, Serien und Musik – Klänge. Wie George Herzog (1941) fragte: „Haben die Tiere Musik?“ François-Bernard Mâche musique, mythe, Natur, ou les Dauphins d’Arion (1983), eine Studie über „ornitho-Musikwissenschaft“ mit einer Technik von Nicolas Ruwet des Langage, musique, poésie (1972) paradigma Segmentierungs Analyse zeigt, dass Vogelgesang Sind nach einem Wiederholungs-Transformationsprinzip organisiert. Jean-Jacques Nattiez (1990) argumentiert, dass „letztlich ein Mensch ist, der entscheidet, was ist und nicht musikalisch ist, auch wenn der Klang nicht menschlichen Ursprungs ist, wenn wir anerkennen, dass Klang nicht organisiert und konzeptualisiert ist (Das heißt, um Musik zu bilden) nur durch seinen Produzenten, sondern durch den Geist, der es wahrnimmt, dann ist die Musik eindeutig menschlich. „

 

 

 

Ethnomusik

 

 

 

Ethnomusikologe Frances Densmore Aufnahme Blackfoots Chef Bergchef für das Bureau of American Ethnology (1916)
Im Westen, viel von der Geschichte der Musik, die gelehrt wird, beschäftigt sich mit der westlichen Zivilisation Kunst Musik, die als klassische Musik bekannt ist. Die Geschichte der Musik in nichtwestlichen Kulturen ( „Weltmusik“ oder im Bereich der „Ethnomusik“), die typischerweise Musik aus Afrika und Asien umfasst, wird auch an westlichen Universitäten gelehrt. Dazu gehören die dokumentierten klassischen Traditionen asiatischer Länder außerhalb des Einflusses Westeuropas sowie die volkstümliche oder indigene Musik verschiedener anderer Kulturen. Populäre oder volkstümliche Musikrichtungen in nicht-westlichen Ländern variierten von Kultur zu Kultur und von Zeit zu Zeit. Verschiedene Filme, Serien und Musik – Kulturen betonten verschiedene Instrumente, Techniken, Gesangsstile und Anwendungen für Musik. Musik wurde für Unterhaltung, Zeremonien, Rituale, religiöse Zwecke und für die praktische und künstlerische Kommunikation verwendet. Nicht-westliche Musik wurde auch für Propagandazwecke verwendet, wie es bei der chinesischen Oper während der Kulturrevolution der Fall war.

 

 

Download Musik

 

 

Es gibt eine Filme, Serien und Musik – Vielzahl von Musikklassifizierungen für nicht-westliche Musik, von denen viele in dem Argument über die Definition von Musik gefangen sind. Zu den größten gehört die Aufteilung zwischen klassischer Musik (oder „Kunst“ -Musik) und populärer Musik (oder kommerzieller Musik – einschließlich nicht-westlicher Stile von Rock-, Country- und Popmusik-Stilen). Einige Genres passen nicht ordentlich in eine dieser „großen zwei“ Klassifikationen (wie Volksmusik, Weltmusik oder Jazz-bezogene Musik).

 

 

Die Arten der Musik

 

 

Als die Weltkulturen in einen größeren globalen Kontakt gekommen sind, haben ihre einheimischen musikalischen Stile oft mit anderen Stilen, die neue Stile produziert verschmolzen. Zum Beispiel enthält die Vereinigten Staaten Bluegrass-Stil Elemente aus anglo-irischen, schottischen, irischen, deutschen und afrikanischen Instrumental-und Gesangstraditionen, die in der Vereinigten Staaten multi-ethnischen „Schmelztiegel“ Gesellschaft verschmelzen konnten. Einige Filme, Serien und Musik – Arten von Weltmusik enthalten eine Mischung aus nicht-westlichen indigenen Stile mit westlichen Pop-Musik-Elemente. Genres der Musik werden durch Tradition und Darstellung ebenso bestimmt wie durch die eigentliche Musik. Einige Werke, wie George Gershwins Rhapsody in Blue, werden sowohl von Jazz als auch von klassischer Musik beansprucht, während Gershwins Porgy und Bess und Leonard Bernsteins West Side Story sowohl von der Oper als auch von der Broadway-Musiktradition beansprucht werden. Viele aktuelle Musik-Festivals für nicht-westliche Musik gehören Bands und Sänger aus einem bestimmten musikalischen Genre, wie Weltmusik.

 

 

Musik online

 

 

Die indische Musik z. B. gehört zu den ältesten und längsten lebenden Arten der Musik und ist in Südasien, aber auch international (vor allem seit den 60er Jahren) noch weithin bekannt und aufgeführt. Die indische Musik hat hauptsächlich drei Filme, Serien und Musik – Formen der klassischen Musik, Hindustani, Carnatic und Dhrupad Stile. Es hat auch ein großes Repertoire an Stilen, die nur Percussion-Musik wie die Talavadya-Aufführungen in Süd-Indien bekannt sind.

 

 

Musiktherapie

 

 

Ein Musik-Therapeut aus einem „Blues in the Schools“ -Programm spielt Mundharmonika mit einem US-Navy-Seemann in einem Naval Therapy Center.
Die Musiktherapie ist ein zwischenmenschlicher Prozess, in dem der Therapeut Musik und all seine Facetten – physisch, emotional, geistig, sozial, ästhetisch und spirituell – nutzt, um den Klienten dabei zu helfen, ihre Gesundheit zu verbessern oder zu erhalten. In einigen Fällen werden die Filme, Serien und Musik – Bedürfnisse des Klienten direkt durch Musik angesprochen; In anderen werden sie durch die Beziehungen, die zwischen dem Client und Therapeuten entwickelt adressiert. Die Musiktherapie wird bei Einzelpersonen aller Altersstufen und mit einer Vielzahl von Erkrankungen angewandt, darunter psychiatrische Störungen, medizinische Probleme, körperliche Behinderungen, sensorische Beeinträchtigungen, Entwicklungsstörungen, Substanzmissbrauch, Kommunikationsstörungen, zwischenmenschliche Probleme und Alterung. Es wird auch verwendet, um: das Lernen zu verbessern, Selbstwertgefühl aufzubauen, Stress abzubauen, körperliche Bewegung zu unterstützen und eine Vielzahl anderer gesundheitsbezogener Aktivitäten zu erleichtern.

 

 

Musik günstig online kaufen

 

 

Eine der frühesten Erwähnungen der Musiktherapie war in Al-Farabis Abhandlung „Bedeutungen des Geistes“, die die therapeutischen Effekte der Musik auf die Seele beschrieb. Musik hat sich schon lange daran gewöhnt Helfen Menschen mit ihren Emotionen. Im 17. Jahrhundert argumentierte der Gelehrte Robert Burtons The Anatomy of Melancholy, dass Musik und Tanz in der Filme, Serien und Musik – Behandlung von psychischen Erkrankungen, insbesondere Melancholie, kritisch seien. Er stellte fest, dass die Musik eine „ausgezeichnete Macht hat … viele andere Krankheiten zu vertreiben“ und er nannte es „ein souveränes Heilmittel gegen Verzweiflung und Melancholie“. Er wies darauf hin, dass in der Antike Kanus, ein rhodischer Geiger, die Musik dazu benutzte, „einen melancholischen Mann fröhlich zu machen, … einen liebenswürdigeren Angehörigen, einen frommeren Mann mehr.“ Im November 2006 , Dr. Michael J. Crawford und seine Kollegen auch festgestellt, dass Musik-Therapie schizophrenen Patienten geholfen. Im Osmanischen Reich wurden psychische Erkrankungen mit Musik behandelt.

 

 

 

Games

 

 

 

Ein Videospiel ist ein elektronisches Spiel, das menschliches Games – Zusammenspiel mit einer Benutzerschnittstelle beinhaltet, um visuelle Rückkopplung zu einem Videogerät wie einem Fernsehbildschirm oder einem Computermonitor zu erzeugen. Das Wort Video im Videospiel bezieht sich traditionell auf eine Rasteranzeigevorrichtung, aber ab den 2000er Jahren bedeutet dies jede Art von Anzeigevorrichtung, die zwei- oder dreidimensionale Bilder erzeugen kann. Einige Theoretiker kategorisieren Videospiele als Filme, Serien und Musik – Kunstform, aber diese Bezeichnung ist umstritten.

 

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Classic Games

 

 

Die elektronischen Systeme, die zum Spielen von Videospielen verwendet werden, werden als Filme, Serien und Musik – Plattformen bezeichnet; Beispiele hierfür sind Personal Computer und Videospielkonsolen. Diese Plattformen reichen von großen Großrechnern zu kleinen Handheld-Computergeräten. Spezielle Videospiele wie Arcade-Spiele, bei denen die Videospielkomponenten in einem großen, münzbetriebenen Gehäuse untergebracht sind, während sie in den 1980er-Jahren in Video-Arkaden üblich sind, haben sich aufgrund der weit verbreiteten Verfügbarkeit erschwinglicher Heimvideospielkonsolen schrittweise verringert (z. B. PlayStation 4 und Xbox One) sowie Videospiele auf Desktop- und Laptops und Smartphones.

 

 

Multiplayer Games

 

 

Das Eingabegerät für Spiele, die Game-Controller, variiert über Plattformen. Gemeinsame Videospiele – Controller sind Gamepads, Joysticks, Mäuse, Tastaturen, die Touchscreens von mobilen Geräten und Tasten. Spieler sehen in der Regel das Spiel auf einem Bildschirm oder Fernseher und es gibt oft Spielgeräusche von Lautsprechern. Einige Spiele in den 2000er Jahren enthalten haptische, vibrationsschaffende Effekte, Kraft Feedback Peripheriegeräte und Headsets für virtuelle Realität. In den 2010er Jahren ist die Videospiel-Industrie von zunehmender kommerzieller Filme, Serien und Musik – Bedeutung, mit Wachstum vor allem durch die aufstrebenden asiatischen Märkte und mobile Spiele, die auf Smartphones gespielt werden. Ab 2015 erwirtschafteten Videospiele weltweit einen Umsatz von 74 Milliarden US-Dollar jährlich und waren das drittgrößte Segment im US-Entertainment-Markt hinter Rundfunk und Kabelfernsehen.

 

 

 

Geschichte der Videospiele

 

 

 

Tennis for Two, ein frühes analoges Computerspiel, das ein Oszilloskop für ein Display benutzte. Frühe Spiele verwendeten interaktive elektronische Geräte mit verschiedenen Videospiele – Anzeigeformaten. Das früheste Beispiel ist von 1947 – ein „Kathodenstrahlröhrenvergnügungsgerät“ wurde am 25. Januar 1947 von Thomas T. Goldsmith Jr. und Estle Ray Mann zum Patent angemeldet und am 14. Dezember 1948 als US-Patent 2455992 ausgegeben. Inspiriert durch die Radar-Display-Technologie, bestand es aus einem analogen Gerät, das es einem Filme, Serien und Musik – Benutzer erlaubte, einen vektorisierten Punkt auf dem Bildschirm zu steuern, um eine Rakete zu simulieren, die an Zielen, die auf dem Bildschirm befestigt waren, gebrannt wurde.

 

 

Online Games

 

 

Andere frühe Videospiele – Beispiele schließen ein: Der Nimrod Computer am 1951 Festival von Großbritannien; OXO a tic-tac-toe Computerspiel von Alexander S. Douglas für die EDSAC im Jahre 1952; Tennis for Two, ein elektronisches interaktives Spiel, entwickelt von William Higinbotham im Jahre 1958; Spacewar!, geschrieben von MIT-Studenten Martin Graetz, Steve Russell und Wayne Wiitanen auf einem DEC PDP-1 Computer im Jahr 1961. Und der Hit Ping Pong-Stil Pong, ein 1972-Spiel von Atari. OXO verwendete eine grafische Anzeige, um Tic-Tac-toe zu spielen Tennis für Zwei benutzte ein Oszilloskop, um eine Filme, Serien und Musik – Seitenansicht anzuzeigen eines Tennisplatzes, und Spacewar! Verwendet die DEC PDP-1-Vektor-Display, um zwei Raumschiffe Kampf miteinander zu haben.

 

 

 

Multiplayer Online Games

Nolan Bushnell auf der Game Developers Conference im Jahr 2011. Im Jahr 1971 wurde Computer Space, von Nolan Bushnell und Ted Dabney erstellt, das erste kommerziell verkaufte, münzbetriebene Videospiel. Es verwendete ein Schwarzweiss-Fernsehen für sein Display, und das Computersystem wurde aus 74 Serien-TTL-Chips hergestellt. Das Spiel wurde in der 1973 Science-Fiction-Film Soylent Green. Computer Space wurde 1972 von der Magnavox Odyssey, der ersten Heimkonsole, verfolgt. Modelliert nach einer späten 1960er Prototyp-Konsole entwickelt von Ralph H. Baer genannt die „Brown Box“, verwendet es auch ein Standard-Fernsehen. Darauf folgten zwei Videospiele – Versionen von Atari’s Pong; Eine Arcade-Version im Jahr 1972 und eine Heim-Version im Jahr 1975, dass dramatisch erhöht Popularität des Videospiels. Der kommerzielle Filme, Serien und Musik – Erfolg von Pong führte zahlreiche andere Firmen, um Pong Klone und ihre eigenen Systeme zu entwickeln, die die Videospielindustrie hervorbringen.

 

 

Games online kaufen

 

 

Eine Flut von Pong Klonen schließlich führte zum Video-Spiel-Crash von 1977, die zu einem Ende mit dem Mainstream-Erfolg von Taito 1978 Shooter-Spiel Space Invaders, markiert den Beginn des goldenen Zeitalter der Arcade-Videospiele und inspirierende Dutzende Hersteller auf den Markt zu bringen. Das Spiel spornte Säulengangmaschinen an, die in den Hauptströmungslagen wie Einkaufszentren, traditionelle Schaufenster, Gaststätten und Gebrauchsgegenstände vorherrschend sind. Das Spiel wurde auch Gegenstand zahlreicher Filme, Serien und Musik – Artikel und Geschichten im Fernsehen und in Videospiele – Zeitungen und Zeitschriften, die Festlegung von Video-Gaming als ein schnell wachsendes Mainstream-Hobby.

 

 

Flash Games

 

 

 

Space Invaders wurde bald für die Atari VCS (später als Atari 2600 bekannt) lizenziert, wird die erste „Killer-App“ und vervierfacht den Verkauf der Konsole. Dies half Atari, sich von ihren früheren Verlusten zu erholen, und der Atari VCS wiederum belebte den Heimvideospielmarkt während der zweiten Generation der Konsolen bis zum nordamerikanischen Videospielcrash von 1983. Die Heimvideospielindustrie wurde kurz darauf durch den weit verbreiteten Filme, Serien und Musik – Erfolg des Nintendo Entertainment Systems wiederbelebt, das eine Verschiebung in der Dominanz der Videospielindustrie von den Vereinigten Staaten nach Japan während der dritten Generation der Videospiele – Konsolen markierte.

 

 

 

Game Shop

 

 

 

Verschiedene Videospielkonsolen von links nach rechts: Sega Dreamcast, PlayStation 2, Nintendo Gamecube und Xbox. Der Begriff & ldquor; Plattform „bezieht sich auf die spezifische Filme, Serien und Musik – Kombination von elektronischen Komponenten oder Computerhardware, die in Verbindung mit Software ein Videospiel zu betreiben erlaubt. Der Begriff „System“ wird ebenfalls häufig verwendet. Die Unterschiede sind nicht immer klar und es gibt Spiele, die eine oder mehrere Videospiele – Plattformen zu überbrücken. Zusätzlich zu Personalcomputern gibt es andere Geräte, die die Fähigkeit haben, Spiele zu spielen, sind jedoch keine dedizierten Videospielmaschinen, wie Smartphones, PDAs und Graphikrechner.

 

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Gemeinsam verwendet ein „PC-Spiel“ eine Medienform, bei der ein Spieler mit einem an einen Videomonitor angeschlossenen Personalcomputer interagiert. PCs sind keine dedizierten Spielplattformen, daher kann es Filme, Serien und Musik – Unterschiede geben, die dasselbe Spiel in verschiedenen Hardwares ausführen, auch die Offenheit erlaubt es Videospiele – Entwicklern wie reduzierte Softwarekosten, erhöhte Flexibilität, erhöhte Innovation, Emulation, Erzeugung von Modifikationen ( “ Mods „), Open-Hosting für Online-Gaming (in denen eine Person spielt ein Videospiel mit Menschen, die in einem anderen Haushalt) und andere.

 

 

Videospiel – Konsole

Ein „Konsolenspiel“ wird auf einem spezialisierten elektronischen Gerät gespielt, das mit einem gemeinsamen Fernsehgerät oder Composite-Videomonitor verbunden ist. Im Gegensatz zu PCs ist eine Konsole eine dedizierte Plattform, die von einem bestimmten Filme, Serien und Musik – Unternehmen hergestellt wird. In der Regel läuft nur Spiele für sie entwickelt, oder Spiele von anderer Videospiele – Plattform, die von der gleichen Firma, aber nie seine direkten Konkurrenten, auch wenn das gleiche Spiel auf verschiedenen Plattformen zur Verfügung steht. Es kommt oft mit einem bestimmten Game-Controller.

 

 

 

 

Handheld – Konsole

 

 

 

Ein „Handheld“ -Gaming-Gerät ist ein kleines, in sich geschlossenes elektronisches Gerät, das tragbar ist und in den Händen eines Filme, Serien und Musik – Benutzers gehalten werden kann. Es verfügt über die Konsole, einen kleinen Bildschirm, Lautsprecher und Tasten, Joystick oder andere Game-Controller in einem einzigen Gerät. Wie Videospiele – Konsolen, Handhelds sind dedizierte Plattformen, und teilen sich fast die gleichen Eigenschaften. Handheld Hardware ist in der Regel weniger leistungsfähig als PC oder Konsole Hardwares. Einige Handheld-Spiele aus den späten 1970er und frühen 1980er Jahren konnten nur ein Spiel spielen. In den 1990er und 2000er Jahren, eine Reihe von Handheld-Spiele verwendet Patronen, so dass sie verwendet werden, um viele verschiedene Spiele zu spielen.

 

 

 

Arcade – Videospiele

 

 

 

 

„Arcade-Spiel“ bezieht sich allgemein auf ein Spiel, das auf einem noch spezialisierteren elektronischen Gerät gespielt wird, das typischerweise nur für ein Spiel ausgelegt ist und in einem speziellen, großen Münzschrank untergebracht ist, der eine eingebaute Videospiele – Konsole, Joystick, Tasten, etc.), ein CRT-Bildschirm und Audio-Verstärker und Lautsprecher. Arcade-Spiele haben oft hell gemalt Logos und Bilder in Bezug auf das Filme, Serien und Musik – Thema des Spiels. Während die meisten Arcade-Spiele in einem vertikalen Gehäuse untergebracht sind, welches der Benutzer normalerweise vor dem Spielen steht, verwenden einige Arcade-Spiele einen Tabletop-Ansatz, bei dem der Anzeigeschirm in einem Tischgehäuse mit einer durchsichtigen Tischplatte untergebracht ist . Mit Tisch-Spiele, die Benutzer in der Regel sitzen zu spielen. In den 1990er und 2000er Jahren, einige Arcade-Spiele angeboten Spieler eine Auswahl von mehreren Spielen. In den 1980er Jahren waren Video-Arkaden Unternehmen, in denen Spiel-Spieler könnten eine Reihe von Arcade-Videospiele. In den 2010er Jahren gibt es weit weniger Video-Arkaden, aber einige Kinos und Familien-Entertainment-Zentren haben sie noch.

 

 

 

Web Games

Der Webbrowser hat sich selbst als Videospiele – Plattform in seinem eigenen Recht in den 2000er Jahren etabliert und bietet gleichzeitig eine plattformübergreifende Umgebung für Videospiele, die auf einem breiten Spektrum von Hardware von Personal Computern und Tablet-Computern bis hin zu Smartphones gespielt werden sollen. Dies wiederum hat neue Begriffe zu qualifizieren Klassen von Web-Browser-basierte Spiele generiert. Diese Spiele können auf der Filme, Serien und Musik – Website, die sie erscheinen, wie mit „Facebook“ -Spiele identifiziert werden. Andere werden benannt, basierend auf der Programmierplattform, die verwendet wird, um sie zu entwickeln, wie Java und Flash-Spiele.

 

 

 

Videospiel Genre

Ein Videospiel, wie die meisten anderen Filme, Serien und Musik – Formen von Medien, können in Genres kategorisiert werden. Videospiel-Genres werden verwendet, um Videospiele basierend auf ihrer Gameplay-Interaktion zu klassifizieren, anstatt visuelle oder narrative Unterschiede. Ein Videospiel-Genre wird durch eine Reihe von Gameplay-Herausforderungen definiert und werden unabhängig von ihrer Videospiele – Einstellung oder Spiel-Welt-Inhalte, im Gegensatz zu anderen Werken der Fiktion wie Filme oder Bücher klassifiziert. Zum Beispiel ist ein Shooter-Spiel noch ein Shooter-Spiel, unabhängig davon, ob es in einer Fantasy-Welt oder im Weltraum stattfindet.

 

 

 

Top Online Games

 

 

 

Weil Genres von Inhalt für Filme, Serien und Musik – Definitionen abhängig sind, haben Genres geändert und entwickelt, wie neuere Arten von Videospielen entstanden sind. Immer weiterentwickelnde Technologien und Produktionswerte im Zusammenhang mit der Entwicklung von Videospielen haben mehr lebensechte und komplexe Spiele hervorgebracht, die wiederum Genre-Möglichkeiten (z. B. virtuelle Haustiere) eingeführt oder verstärkt haben, die Grenzen des bestehenden Videospiels schieben oder in einigen Fällen neue Spielmöglichkeiten hinzufügen (Wie die, die mit Titeln speziell für Geräte wie Sony EyeToy). Einige Videospiele – Genres repräsentieren Kombinationen von anderen, wie Massively Multiplayer Online-Rollenspiele oder, häufiger, MMORPGs. Es ist auch üblich, um eine höhere Ebene Genre-Bedingungen, die kollektiv in der Natur über alle anderen Genres wie mit Action, Musik / Rhythmus oder Horror-Themen-Videospiele zu sehen.

 

 

Gelegenheitsspiele – Casual Spiel

 

 

 

Casual Spiele ihren Namen von ihrer Leichtigkeit der Zugänglichkeit, einfach zu verstehen Gameplay und schnell zu erfassen Regelsätze. Darüber hinaus unterstützen Casual Games häufig die Fähigkeit zu springen und aus dem Spiel auf Anfrage. Casual Spiele als Format existiert lange bevor der Begriff geprägt wurde und beinhalten Videospiele wie Solitaire oder Minesweeper, die häufig vorinstalliert mit vielen Versionen des Microsoft Windows Betriebssystems gefunden werden können. Beispiele für Genres in dieser Filme, Serien und Musik – Kategorie sind Spiel drei, Wimmelbild, Zeitmanagement, Puzzle oder viele der Tower Defense-Stil-Spiele. Casual Games sind in der Regel über App-Stores und Online-Händler wie PopCap, Zylom und GameHouse oder zur kostenlosen Wiedergabe von Web-Portalen wie Newgrounds zur Verfügung gestellt. Während Casual Games am häufigsten auf Videospiele – Personalcomputern, Handys oder Tablets gespielt werden, können sie auch auf vielen Online-Konsolensystem-Downloaddiensten (z. B. dem PlayStation Network, WiiWare oder Xbox Live) gefunden werden.

 

 

 

Ernste Spiele

 

 

Serious Spiele sind Videospiele, die in erster Linie auf Filme, Serien und Musik – Informationen oder eine Lernerfahrung von irgendeiner Art an den Spieler zu übertragen sind. Einige ernste Spiele können sogar fehlen, um als ein Videospiel im traditionellen Sinne des Begriffs zu qualifizieren. Pädagogische Software fällt normalerweise nicht unter diese Kategorie (z. B. Berührungstyping-Tutoren, Spracherwerb usw.) und die primäre Unterscheidung scheint auf dem primären Ziel des Videospiele – Titels sowie auf dem Ziel Altersdemographien zu basieren. Wie bei den anderen Kategorien ist diese Beschreibung eher eine Richtlinie als eine Regel.

 

 

 

Onlinegame

 

 

 

Serious Spiele sind Spiele im Allgemeinen aus Gründen jenseits einfacher Videospiele – Unterhaltung und wie mit dem Kern-und Casual-Spiele können Arbeiten aus jedem beliebigen Genre, obwohl einige wie exergames, pädagogische Spiele oder Propaganda-Spiele haben eine höhere Darstellung in dieser Gruppe aufgrund ihrer Betreff. Diese Spiele sind in der Regel entworfen, um von Profis als Teil einer bestimmten Arbeit oder für die Verbesserung der Fähigkeiten gesetzt werden. Sie können auch geschaffen werden, um sozial-politisches Bewusstsein zu einem bestimmten Filme, Serien und Musik – Thema zu vermitteln.

 

 

 

3D Online Games

 

 

 

Eines der am längsten laufenden ernsten Spiele Franchise wäre Microsoft Flight Simulator erstmals veröffentlicht 1982 unter diesem Namen. Das Militär der Vereinigten Staaten verwendet virtuelle Realitätsbasierte Simulationen wie VBS1 für Trainingsübungen, sowie eine wachsende Zahl von Ersthelferrollen (z. B. Polizei, Feuerwehrmann, EMT). Ein Beispiel für eine Nichtspiel-Umgebung, die als Filme, Serien und Musik – Plattform für eine ernsthafte Spieleentwicklung verwendet wird, wäre die virtuelle Videospiele – Welt von Second Life, die gegenwärtig von mehreren US-Regierungsabteilungen (z. B. NOAA, NASA, JPL), Universitäten (z University, MIT) für Bildungs- und Fernlernprogramme und Unternehmen (zB IBM, Cisco Systems) für Meetings und Schulungen.

 

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Top Online Games

 

 

 

Taktische Medien in Videospielen spielen eine entscheidende Rolle bei der Aussage oder Vermittlung einer Botschaft zu wichtigen relevanten Themen. Diese Form der Filme, Serien und Musik – Medien ermöglicht es einem breiteren Publikum, in der Lage zu sein, Zugang zu bestimmten Informationen zu erhalten und Zugang zu erhalten, die andernfalls diese Leute nicht erreicht haben. Ein Beispiel für taktische Medien in Videospielen wäre Newsgames. Dies sind kurze Spiele, die mit zeitgenössischen Ereignissen zusammenhängen, um einen Punkt zu illustrieren. Zum Beispiel ist Take Action Games ein Spiel-Studio-Kollektiv, das von Susana Ruiz co-gegründet wurde und erfolgreiche ernste Videospiele gemacht hat. Einige dieser Spiele sind Darfur ist Sterben, Finding Zoe, und In The Balance. Alle diese Spiele bringen das Bewusstsein für wichtige Fragen und Ereignisse intelligent und gut durchdacht.

 

 

Pädagogische Videospiele und Bildungssoftware

 

 

 

Am 23. September 2009 startete US-Präsident Barack Obama eine Kampagne mit dem Titel „Educate to Innovate“ zur Verbesserung der technologischen, mathematischen, wissenschaftlichen und technischen Fähigkeiten amerikanischer Studenten. Diese Kampagne besagt, dass es Pläne, die Macht der interaktiven Spiele nutzen, um das Ziel der Schüler in diesen Abteilungen helfen zu helfen. Diese Filme, Serien und Musik – Kampagne hat viele neue Möglichkeiten für den Videospielbereich gewonnen und zu vielen neuen Wettbewerben beigetragen. Einige dieser Wettbewerbe schließen den Stamm-nationalen Videospiel-Wettbewerb und den Imagine Cup mit ein. Beide Beispiele sind Ereignisse, die einen Videospiele – Schwerpunkt auf relevante und wichtige aktuelle Themen legen, die im Sinne von Videospielen adressiert werden können, um Wissen in einer neuen Medienform zu erziehen und zu verbreiten.

 

 

 

Neue Spiele

 

 

 

Www.NobelPrize.org verwendet Spiele, um den Videospiele – Benutzer zu locken, um Informationen über die Nobelpreise zu erwerben, während er sich mit einem lustigen Videospiel beschäftigt. Es gibt viele verschiedene Arten und Arten von pädagogischen Spielen den ganzen Weg von Zählen, Rechtschreibung, Spiele für Kinder und Spiele für Erwachsene. Einige andere Spiele haben kein bestimmtes Filme, Serien und Musik – Zielpublikum im Auge und sollen einfach erziehen oder informieren, wer das Spiel sieht oder spielt.

 

 

 

 

Gamingpad

 

 

 

 

Eine nordamerikanische Super NES Game-Controller aus den frühen 1990er Jahren.  Videospiel kann mehrere Arten von Eingabegeräten, um menschliche Filme, Serien und Musik – Handlungen zu einem Spiel zu übersetzen, sind die gängigsten Game-Controller Tastatur und Maus für „PC-Spiele, Konsolen in der Regel mit bestimmten Videospiele – Gamepads, Handheld-Konsolen in Tasten eingebaut haben verwendet für bestimmte Spiele wie Rennräder, Lichtpistolen oder Tanzflächen.Digital-Kameras können auch als Game-Controller Erfassung Bewegungen des Körpers des Spielers verwendet werden.

 

 

Konsolenspiele kaufen

 

 

Entwickler verwenden verschiedene Tools, um Videospiele zu erstellen. Hier redigiert ein Redakteur das virtuelle Kamerasystem.
Videospiel-Entwicklung und Autorenschaft, ähnlich wie jede andere Form der Filme, Serien und Musik – Unterhaltung, ist häufig ein interdisziplinäres Feld. Videospiel-Entwickler, wie die Mitarbeiter innerhalb dieser Branche sind weit verbreitet, in erster Linie gehören Programmierer und Grafik-Designer. Im Laufe der Jahre hat sich dies auf fast alle Arten von Fähigkeiten, die man in der Schaffung von Filmen oder Fernsehprogrammen, darunter Sound-Designer, Musiker und andere Techniker sehen könnte, erweitert haben, Sowie Fähigkeiten, die spezifisch für Videospiele, wie der Spiele-Designer sind. Alle diese werden von den Videospiele – Herstellern verwaltet.

 

 

 

PC Spiele bestellen

 

 

 

In den frühen Tagen der Videospiele – Industrie war es häufiger für eine einzelne Person, alle Rollen zu verwalten, die benötigt werden, um ein Videospiel zu erstellen. Da Plattformen in der Art des Materials, das sie präsentieren können, komplexer und leistungsfähiger geworden sind, wurden größere Teams benötigt, um die gesamte Filme, Serien und Musik – Kunst, die Programmierung, die Kinematographie und vieles mehr zu erzeugen. Dies ist nicht zu sagen, dass das Alter des „One-Man-Shop“ ist weg, wie dies immer noch manchmal in der Casual Gaming und Handheld-Märkte, wo kleinere Spiele sind aufgrund der technischen Grenzen wie begrenzte RAM oder weit verbreitet sind Mangel an dedizierten 3D-Grafik-Rendering-Fähigkeiten auf der Zielplattform (zB einige Handys und PDAs).

 

 

 

Videospiele Shop

 

 

 

Mit dem Wachstum der Größe der Videospiele – Entwicklungsteams in der Industrie, hat das Problem der Kosten erhöht. Entwicklungsstudios müssen in der Lage sein, ihren Mitarbeitern einen wettbewerbsfähigen Lohn zu zahlen, um die besten Talente anzuziehen und zu halten, während die Verleger ständig darauf achten, die Kosten zu senken, um die Rentabilität ihrer Investitionen zu erhalten. Typischerweise kann ein Entwicklerteam für Videospielkonsolen in Größen von 5 bis 50 Personen untergebracht werden, wobei einige Teams über 100 Jahre alt sind. Im Mai 2009 wurde ein Projekt mit 450 Mitarbeitern bekannt gegeben. Das Wachstum der Teamgröße kombiniert mit größerem Druck, um abgeschlossene Filme, Serien und Musik – Projekte auf den Markt zu bringen, um die Produktionskosten wieder einzuziehen, hat zu einem größeren Auftreten von verpassten Terminen, gehetzten Spielen und der Freisetzung von unfertigen Produkten geführt.

 

 

Neue PC Games

 

 

 

Ein Phänomen der zusätzlichen Spielinhalte zu einem späteren Zeitpunkt, oft für zusätzliche Mittel, begann mit digitalen Videospiel-Distribution als downloadable content (DLC) bekannt. Entwickler können die digitale Distribution nutzen, um neue Storylines nach dem Filme, Serien und Musik – Release des Hauptspiels zu eröffnen, wie Rockstar Games mit Grand Theft Auto IV (The Lost and Damned und die Ballade von Gay Tony) oder Bethesda mit Fallout 3 und deren Erweiterungen. Neue Gameplay-Modi können auch verfügbar sein, zum Beispiel Call of Duty und seine Zombie-Modi, ein Multiplayer-Modus für Mushroom Wars oder ein höheres Schwierigkeitsniveau für Metro: Last Light. Kleinere Videospiele – Pakete von DLC sind auch üblich, angefangen von besseren Waffen im Spiel (Dead Space, Just Cause 2), Charakteroutfits (LittleBigPlanet, Minecraft) oder von neuen Songs (SingStar, Rockband, Guitar Hero).

 

 

 

Konsolenspiele

 

 

 

Viele Spiele für den PC sind so konzipiert, dass technisch orientierte Verbraucher können das Spiel zu modifizieren. Diese Mods können eine zusätzliche Filme, Serien und Musik – Dimension von Wiederspielbarkeit und Interesse hinzufügen. Entwickler wie id Software, Valve Corporation, Crytek, Bethesda, Epic Games und Blizzard Entertainment verschenken ihre Spiele mit einigen der Entwicklungswerkzeuge, die verwendet werden, um das Spiel zusammen mit Dokumentation, um Mod-Entwickler zu unterstützen. Das Internet bietet ein kostengünstiges Videospiele – Medium zur Förderung und Verteilung von Mods, und sie können ein Faktor für den kommerziellen Erfolg einiger Spiele sein. Dies ermöglicht die Art von Erfolg von beliebten Mods wie der Half-Life-Mod Counter-Strike gesehen.

 

 

 

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Das Betrügen in Computerspielen kann Cheatcodes und verborgene Punkte beinhalten, die von den Spielentwicklern implementiert werden, Modifikation des Spielcodes durch Dritte, oder Spieler, die einen Softwarefehler ausnutzen. Modifikationen werden entweder durch Cheat-Cartridge-Hardware oder einen Software-Trainer erleichtert. Cheats in der Regel machen das Spiel einfacher, indem sie eine unbegrenzte Menge von einigen Videospiele – Ressourcen; Zum Beispiel Waffen, Gesundheit oder Munition; Oder vielleicht die Fähigkeit, durch Wände zu gehen. Andere Cheats geben möglicherweise Zugriff auf ansonsten nicht abspielbare Level oder bieten ungewöhnliche oder amüsante Features, wie veränderte Spielfarben oder andere graphische Filme, Serien und Musik – Erscheinungen.

 

 

 

Spielkonsole

 

 

Software-Fehler, die von Software-Testern während der Filme, Serien und Musik – Entwicklung nicht erkannt werden, finden ihren Weg in freigegebene Versionen von Computer- und Videospielen. Dies kann passieren, weil die Störung nur unter ungewöhnlichen Umständen im Spiel auftritt, wurde als zu klein, um zu korrigieren oder weil die Entwicklung des Spiels wurde beeilt, um eine Veröffentlichung Frist zu erfüllen. Störungen können von kleinen grafischen Fehlern bis hin zu schweren Videospiele – Fehlern reichen, die gespeicherte Daten löschen oder das Spiel stören können. In einigen Fällen werden Publisher veröffentlicht Updates (bezeichnet als Patches), um Glitches zu reparieren. Manchmal kann eine Störung für den Spieler vorteilhaft sein; Diese werden oft als Exploits bezeichnet.

 

 

 

Easter Eggs

 

 

Die Easter Eggs sind versteckte Nachrichten oder Witze, die in Spielen von Entwicklern zurückgelassen werden, die nicht Teil des Hauptspiels sind. Easter Eggs sind geheime Antworten, die als Ergebnis eines undokumentierten Satzes von Befehlen auftreten. Die Filme, Serien und Musik – Ergebnisse können von einer einfachen gedruckten Nachricht oder Bild, eine Seite von Programmiergutschriften oder ein kleines Videospiel in einer ansonsten seriösen Software versteckt variieren. Videospiele Cheats sind eine bestimmte Art von Osterei, in dem die Eingabe eines geheimen Befehls freischalten spezielle Videospiele – Befugnisse oder neue Ebenen für den Spieler.

 

 

 

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Obwohl Abteilungen der Informatik die technischen Aspekte von Videospielen seit Jahren studieren, sind Theorien, die Spiele als künstlerisches Medium untersuchen, eine relativ junge Entwicklung in den Geisteswissenschaften. Die zwei sichtbarsten Schulen in diesem auftauchenden Gebiet sind Ludologie und Narratologie. Narrativists Ansatz Videospiele im Zusammenhang mit dem, was Janet Murray nennt „Cyberdrama“. Das heißt, dass ihr Hauptanliegen bei Videospielen als Erzählmedium liegt, eines, das aus interaktiver Fiktion entsteht. Murray stellt Videospiele im Rahmen der Holodeck, ein fiktives Stück Technologie von Star Trek, argumentiert für das Videospiel als Medium, in dem wir zu einer anderen Person zu werden, und zu handeln, in einer anderen Welt. Dieses Bild der Videospiele erhielt früh weit verbreitete populäre Filme, Serien und Musik – Unterstützung und bildet die Basis von Filmen wie Tron, eXistenZ und The Last Starfighter.

 

 

 

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Ludologe brechen scharf und radikal von dieser Idee. Sie argumentieren, dass ein Videospiel in erster Linie ein Spiel, das muss in Bezug auf ihre Regeln, Schnittstelle und das Konzept des Spiels, dass es deployys verstanden werden muss. Espen J. Aarseth argumentiert, dass, obwohl Spiele sicherlich haben Parzellen, Charaktere und Aspekte der traditionellen Videospiele – Erzählungen, sind diese Aspekte beiläufig zum Gameplay. Zum Beispiel kritisiert Aarseth die weit verbreitete Aufmerksamkeit, die Narrativisten der Heldin des Spiels Tomb Raider gegeben haben. „Die Dimensionen von Lara Crofts Körper, die bereits von Filmtheoretikern analysiert wurden, sind für mich als Spieler irrelevant Ein anders aussehender Körper würde mich nicht anders spielen … Wenn ich spiele, sehe ich nicht einmal ihren Körper, sondern sehe ihn durch und vorbei. Einfach ausgedrückt, lehnen die Ludologen traditionelle Theorien der Kunst ab, weil sie Dass die künstlerischen und gesellschaftlich relevanten Qualitäten eines Videospiels in erster Linie durch die zu Grunde liegenden Filme, Serien und Musik – Regeln, Anforderungen und Erwartungen des Spielers bestimmt werden.

 

 

 

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Während viele Spiele auf emergente Filme, Serien und Musik – Prinzipien beruhen, zeigen Videospiele allgemein simulierte Geschichtswelten, in denen emergentes Verhalten im Kontext des Spiels auftritt. Der Begriff „emergente Erzählung“ wurde verwendet, um zu beschreiben, wie in einer simulierten Umgebung die Handlung einfach durch „was mit dem Spieler geschieht“ geschaffen werden kann. Jedoch ist das emergierte Verhalten nicht auf anspruchsvolle Spiele beschränkt. Im Allgemeinen wird jeder Ort, wo ereignisgesteuerte Anweisungen für AI in einem Spiel auftreten, emergentes Verhalten existieren. Zum Beispiel, nehmen ein Rennspiel, in dem Autos programmiert werden, um zu vermeiden Absturz, und sie begegnen einem Hindernis in der Strecke: Die Autos könnten dann manövrieren, um das Hindernis zu vermeiden, dass die Autos hinter ihnen zu langsam und / oder manövrieren, um die Autos in Vor ihnen und dem Hindernis. Der Videospiele – Programmierer schrieb nie Code, um speziell einen Verkehrsstau zu schaffen, dennoch gibt es jetzt im Spiel.

 

 

 

Videospielkonsolen Emulator

Emulatoren sind Software, mit der Spiele auf einer anderen Plattform von der ursprünglichen Hardware ausgeführt werden können, indem sie das Verhalten einer Konsole replizieren, sie finden sich in PCs, Smartphones und anderen Konsolen. Emulatoren entstanden in den frühen 1990er Jahren, sie werden gewöhnlich verwendet, um alte Spiele zu spielen, bestehende Videospiele zu hacken, unveröffentlichte Spiele in einer speziellen Region zu übersetzen oder verbesserte Filme, Serien und Musik – Funktionen zu Spielen hinzuzufügen, wie verbesserte Grafik, Beschleunigung oder Abwärts, Umgehung von regionalen Aussperrungen oder Online-Multiplayer-Unterstützung . In den Vereinigten Staaten ist die Emulation ohne Genehmigung des Herausgebers illegal.

 

 

 

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Aufgrund der großen Nachfrage begann man offiziell mit der Videospiele – Emulation, der erste Fall war die virtuelle Konsole auf der Nintendo Wii, war es eine der Nintendo-Aktien zu verhindern Piraterie. Im November 2015, Microsoft lanchiert Filme, Serien und Musik – Abwärtskompatibilität von Xbox 360-Spiele auf Xbox One-Konsole über Emulation. Auch Sony kündigte Relaunching PS2-Spiele auf PS4 über Emulation.

 

 

 

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Der November 2005 Nielsen Active Gamer Studie, die eine Umfrage von 2.000 regelmäßige Spieler, festgestellt, dass die US-Spiele-Markt ist Diversifizierung. Die Altersgruppe der männlichen Spieler hat sich in der Altersgruppe der 25- bis 40-Jährigen deutlich ausgeweitet. Für Casual-Online-Puzzle-Stil und einfache Handy-Spiele, die Geschlechtertrennung ist mehr oder weniger gleich zwischen Männern und Frauen. In jüngster Zeit gab es ein wachsendes Filme, Serien und Musik – Segment von weiblichen Spielern, die mit dem aggressiven Stil von Spielen beschäftigt waren, die historisch betrachtet wurden, um in traditionell männliche Videospiele – Genres (z. B. First-Person-Shooter) zu fallen. Laut ESRB sind fast 41% der PC-Gamer Frauen. Die Beteiligung der Afroamerikaner ist noch geringer. Eine Umfrage von über 2000 Spielentwicklern brachte Antworten von nur 2,5% zurück, die als schwarz identifiziert wurden.

 

 

 

 

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Beim Vergleich des heutigen Industrieklimas mit dem von vor 20 Jahren sind Frauen und viele Erwachsene eher geneigt, Produkte in der Videospiele – Branche zu verwenden. Während der Markt für jugendliche und junge erwachsene Männer nach wie vor ein starker Filme, Serien und Musik – Markt ist, sind es die anderen Demografien, die ein signifikantes Wachstum verzeichnen. Die Entertainment Software Association (ESA) bietet für 2011 eine Zusammenfassung von fast 1.200 amerikanischen Haushalten.

 

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Der durchschnittliche Spieler ist 30 Jahre alt und spielt seit 12 Jahren. Zweiundachtzig Prozent der Spieler sind 18 Jahre oder älter.
Zweiundvierzig Prozent aller Spieler sind Frauen und Frauen über 18 Jahre alt sind eine der am schnellsten wachsenden Filme, Serien und Musik – Demographie der Videospiele – Branche.
Neunundzwanzig Prozent der Spiel-Spieler sind über dem Alter von 50, ein Anstieg von neun Prozent im Jahr 1999.
Fünfundsechzig Prozent der Spieler spielen Spiele mit anderen Spielern persönlich.

 

 

 

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Fünfzig-fünf Prozent der Spieler spielen Spiele auf ihren Handys oder Handheld-Gerät.
Eine 2006 akademische Studie, basierend auf einer Umfrage von 10.000 Spielern beantwortet, identifiziert die Gaymers (Gamer, die als Homosexuell identifizieren) als eine demographische Gruppe. Eine Follow-up-Umfrage im Jahr 2009 untersuchte die Filme, Serien und Musik – Kaufgewohnheiten und Videospiele – Inhalte Präferenzen der Menschen in der Gruppe. Basierend auf der Studie von NPD-Gruppe im Jahr 2011, etwa 91 Prozent der Kinder im Alter von 2-17 spielen.

 

 

 

 

Multiplayer-Videospiele

 

 

 

 

Video Gaming ist traditionell ein soziales Filme, Serien und Musik – Erlebnis. Multiplayer-Videospiele sind diejenigen, die entweder wettbewerbsfähig, manchmal in Electronic Sports oder kooperativ gespielt werden können, indem entweder mehrere Videospiele – Eingabegeräte oder durch Hotseating. Tennis für Zwei, wohl das erste Videospiel, war ein Zwei-Spieler-Spiel, wie sein Nachfolger Pong. Die erste kommerziell verfügbare Spielekonsole, die Magnavox Odyssey, hatte zwei Regler-Eingänge.

 

 

 

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Seither wurden die meisten Konsolen mit zwei oder vier Reglereingängen ausgeliefert. Einige haben die Filme, Serien und Musik – Fähigkeit, auf vier, acht oder so viele wie 12 Eingänge mit zusätzlichen Adaptern, wie die Multitap erweitern. Multiplayer Arcade-Spiele typischerweise spielen für zwei bis vier Spieler, manchmal Kippen des Videospiele – Monitors auf dem Rücken für ein Top-down-Erlebnis, so dass die Spieler einander gegenüber sitzen.

 

 

 

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Viele frühe Computerspiele für Nicht-PC-Abkömmling basierte Plattformen vorgestellten Multiplayer-Unterstützung. Personal Computer-Systeme von Atari und Commodore beide regelmäßig mindestens zwei Spiel-Ports. PC-basierte Computerspiele begannen mit einer geringeren Verfügbarkeit von Multiplayer-Optionen wegen technischer Filme, Serien und Musik – Einschränkungen. PCs hatten in der Regel entweder einen oder gar keine Spiel-Ports. Netzwerkspiele für diese frühen Personal Computer waren im Allgemeinen auf nur textbasierte Abenteuer oder MUDs beschränkt, die remote auf einem dedizierten Server gespielt wurden. Dies war sowohl auf die langsame Geschwindigkeit von Modems (300-1200-bit / s), und die unerschwinglichen Kosten mit Putting ein Videospiele – Computer online in einer Weise, dass mehrere Besucher nutzen könnte.

 

 

 

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Allerdings, mit dem Aufkommen der weit verbreiteten Local Area Networking-Technologien und Internet-basierte Online-Fähigkeiten, die Zahl der Spieler in modernen Spielen können 32 oder höher, manchmal mit integriertem Videospiele – Text und / oder Voice-Chat. Massively Multiplayer Online-Spiel (MMOs) können extrem hohe Anzahl von gleichzeitigen Spielern bieten; Eve Online setzte einen Rekord mit 65.303 Spielern auf einem einzelnen Bediener 2013 ein.

 

 

 

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Es wurde gezeigt, dass Aktion-Gamer eine bessere Hand-Auge-Koordination und visuell-motorische Videospiele – Fähigkeiten haben, wie ihre Widerstandsfähigkeit gegen Ablenkung, ihre Empfindlichkeit gegenüber Filme, Serien und Musik – Informationen in der peripheren Vision und ihre Fähigkeit, kurz präsentierte Objekte zu zählen, als Nichtspieler und Videospiel – Gamer.

 

 

 

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Forscher fanden heraus, dass solche verbesserten Filme, Serien und Musik – Fähigkeiten durch Videospiele – Training mit Action-Spielen, die Herausforderungen, die Aufmerksamkeit wechseln zwischen verschiedenen Standorten, aber nicht mit Spielen, die Konzentration auf einzelne Objekte erfordert erworben werden können. Es wurde durch einige Studien vorgeschlagen, dass Online / Offline-Videospiele als therapeutisches Instrument bei der Behandlung verschiedener psychischer Bedenken eingesetzt werden können.

 

 

 

Online-Spiele

 

 

 

In Steven Johnsons Buch, alles schlecht ist gut für Sie, argumentiert er, dass Videospiele in der Tat weit mehr verlangen von einem Spieler als traditionelle Spiele wie Monopoly. Um das Spiel zu erleben, muss der Spieler zuerst die Ziele bestimmen, sowie wie man sie vervollständigt. Sie müssen dann lernen, die Spiel-Steuerelemente und wie die Mensch-Maschine-Schnittstelle arbeitet, einschließlich Menüs und HUDs. Neben solchen Filme, Serien und Musik – Fähigkeiten, die nach einiger Zeit recht grundlegend sind und von vielen Spielern als selbstverständlich angesehen werden, basieren Videospiele darauf, dass der Spieler ein hochkomplexes System mit vielen Variablen navigiert und schließlich beherrscht.

 

 

 

Was bewirken Videospiele?

 

 

 

Dies erfordert eine hohe analytische Videospiele – Fähigkeit sowie Flexibilität und Anpassungsfähigkeit. Er argumentiert, dass der Prozess des Lernens der Grenzen, Ziele und Kontrollen eines bestimmten Spiels ist oft eine sehr anspruchsvolle, die auf viele verschiedene Filme, Serien und Musik – Bereiche der kognitiven Funktion aufruft. Tatsächlich verlangen die meisten Spiele viel Geduld und Fokus des Spielers, und im Gegensatz zur populären Wahrnehmung, dass Spiele sofortige Befriedigung bieten, verzögern Spiele die Befriedigung weitaus länger als andere Formen der Unterhaltung wie Film oder sogar viele Bücher. Einige Forschungsergebnisse deuten darauf hin, dass Videospiele sogar die Aufmerksamkeit der Spieler erhöhen können.

 

 

Was kosten Videospiele im Einkauf?

 

 

 

Lernprinzipien, die in Videospielen gefunden wurden, wurden als mögliche Filme, Serien und Musik – Techniken identifiziert, mit denen das Bildungssystem der U.S. reformiert werden soll. Es wurde festgestellt, dass Spieler eine Haltung einnehmen, während sie spielen, die von so hoher Konzentration ist, sie wissen nicht, dass sie lernen, und dass, wenn die gleiche Videospiele – Einstellung in der Schule angenommen werden könnte, würde die Ausbildung erhebliche Vorteile genießen. Die Schüler werden als „lernen, indem sie tun“, während der Wiedergabe von Videospielen bei der Förderung kreatives Denken.

Die U.S. Army hat Maschinen wie die PackBot- und UAV-Fahrzeuge eingesetzt, die einen Spielregler benutzen, um ihn für Jugendliche bekannt zu machen.

 

 

 

Wann wurden Videospiele erfunden?

 

 

 

Laut Forschung auf der Convention 2008 der American Psychological Association diskutiert, können bestimmte Arten von Videospielen verbessern die Gamers ‚Geschicklichkeit sowie ihre Filme, Serien und Musik – Fähigkeit zur Problemlösung. Eine Studie von 33 laparoskopischen Chirurgen festgestellt, dass diejenigen, die Videospiele gespielt wurden 27 Prozent schneller bei fortgeschrittenen chirurgischen Verfahren und machte 37 Prozent weniger Fehler im Vergleich zu denen, die nicht spielen Videospiele. Eine zweite Studie von 303 laparoskopischen Chirurgen (82 Prozent Männer, 18 Prozent Frauen) zeigte auch, dass Chirurgen, die Videospiele gespielt haben, die räumliche Fertigkeiten und Handgeschicklichkeit erfordern und dann eine Drillprüfung durchführen, die diese Fähigkeiten bei ihrem ersten Versuch und bei allen 10 Versuchen signifikant schneller war als die Chirurgen, die nicht die Videospiele zuerst gespielt haben.

 

 

 

Seit wann gibt es Videospiele?

 

 

 

Die Forschungsergebnisse, die die Vorteile von Aktionsspielen zeigen, wurden aufgrund methodischer Mängel wie Rekrutierungsstrategien und Selektions-Bias, potenzielle Placebo-Effekte und mangelnde Baseline-Verbesserungen in Kontrollgruppen in Frage gestellt. Darüber hinaus sind viele der Studien Querschnitt, und der longitudinalen interventionellen Videospiele – Studien, nicht alle haben Auswirkungen gefunden. Eine Filme, Serien und Musik – Reaktion darauf wies darauf hin, dass die Geschicklichkeitsverbesserungen von Handlungsspielen breiter als vorhergesagt sind, wie etwa die mentale Rotation, die bei Handlungsspielen keine gemeinsame Aufgabe ist.

 

 

 

 

Wo werden Videospiele hergestellt?

 

 

 

Wie andere Medien wie Rockmusik (vor allem Schwermetallmusik) sind Videospiele Gegenstand von Einwänden, Kontroversen und Zensur, zum Beispiel wegen Videospiele – Darstellungen von Gewalt, sexuellen Filme, Serien und Musik – Themen, Alkohol, Tabak und anderen Drogen, Propaganda, Obszönität oder Werbung. Kritiker der Videospiele sind Elterngruppen, Politiker, religiöse Gruppen, Wissenschaftler und andere Interessengruppen. Behauptet, dass einige Videospiele dazu führen, dass Sucht oder gewalttätiges Verhalten gemacht und umstritten werden.

 

 

Warum machen Videospiele süchtig?

 

 

 

Es gab eine Reihe von gesellschaftlichen und wissenschaftlichen Argumenten darüber, ob der Inhalt von Videospielen das Verhalten und die Einstellungen eines Spielers verändert und ob dies sich in der Videospielkultur insgesamt widerspiegelt. Seit den frühen achtziger Jahren haben Verfechter von Videospielen ihre Verwendung als ausdrucksvolles Medium betont, indem sie für ihren Schutz nach den Gesetzen der Meinungsfreiheit und auch als pädagogisches Werkzeug argumentieren. Kritiker argumentieren, dass Videospiele schädlich sind und daher gesetzlichen Aufsicht und Einschränkungen unterliegen sollten. Die positiven und negativen Filme, Serien und Musik – Eigenschaften und Effekte von Videospielen sind Gegenstand wissenschaftlicher Studien. Ergebnisse von Untersuchungen zu Verbindungen zwischen Videospielen und Sucht, Aggression, Gewalt, sozialer Entwicklung und einer Vielzahl von Stereotypen und Videospiele werden diskutiert.

 

 

 

Warum gibt es Videospiele?

Trotz der negativen Effekte von Videospielen, zeigen einige Studien, dass sie möglicherweise Wert in Bezug auf die akademische Leistung, vielleicht wegen der Fähigkeiten, die in den Prozess entwickelt werden. Wenn Sie Spiele spielen, lösen Sie Rätsel, um auf die nächste Stufe zu gelangen, und das beinhaltet die Videospiele – Verwendung einiger allgemeiner Kenntnisse und Fertigkeiten in Mathe, Lesen und Wissenschaft, die Sie während des Tages gelehrt wurden“, sagte Alberto Posso Ein Associate Professor am Royal Melbourne Institute of Technology, nach der Analyse von Daten aus den Filme, Serien und Musik – Ergebnissen der standardisierten Tests von über 12.000 Schülerinnen und Schüler in ganz Australien abgeschlossen. Wie von The Guardian zusammengefasst,  die Studie veröffentlicht im International Journal of Communication, „festgestellt, dass Studenten, die Online-Spiele spielten fast jeden Tag erzielte 15 Punkte über dem Durchschnitt in Mathematik und Lektüre und 17 Punkte über dem Durchschnitt in der Wissenschaft. „

 

 

 

Wie viele Deutsche spielen Videospiele?

 

 

 

Jedoch fügte der Reporter einen wichtigen Kommentar hinzu, der nicht von einigen der zahlreichen Filme, Serien und Musik – Website zur Verfügung gestellt wurde, die eine kurze Zusammenfassung der australischen Studie veröffentlichten: die Methodologie kann nicht beweisen, dass das Spielen von Videospielen die Ursache der Verbesserung war.“ Der Guardian berichtete auch, dass eine Studie der Columbia University darauf hindeutete, dass ein umfangreiches Videospiel von Schülern der 6- bis 11-Jährigen eine stark erhöhte Videospiele – Chance auf ein hohes intellektuelles Funktionieren und eine umfassende Schulkompetenz bot.

 

 

 

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In einem Interview mit CNN, Edward Castronova, ein Professor für Telekommunikation an der Indiana University Bloomington sagte, er sei nicht überrascht von dem Filme, Serien und Musik – Ergebnis der australischen Studie, sondern auch diskutiert die Frage der ursächlichen Zusammenhang. „Obwohl es einen Zusammenhang zwischen Gaming und höheren Mathematik und Wissenschaft Scores, bedeutet es nicht, dass Spiele spielen die höheren Noten.Es konnte nur sein, dass Kinder, die scharf sind auf der Suche nach einer Videospiele – Herausforderung, und sie finden es nicht auf Social Media, und vielleicht finden sie es an Bord von Spielen und Videospielen zu finden „, erklärte er.

 

 

 

Wie lange sollte man Videospiele spielen?

 

 

Die Entertainment Software Rating Board (ESRB) gibt Videospiele Fälligkeitsbewertungen basierend auf ihren Filme, Serien und Musik – Inhalt. Zum Beispiel könnte ein Spiel T für Teen bewertet werden, wenn das Spiel obszöne Worte oder Gewalt enthielt. Wenn ein Spiel explizite Gewalttaten oder Videospiele – Themen enthält, wird es wahrscheinlich ein M für Mature Rating erhalten, was bedeutet, dass niemand unter 17 spielen sollte. Es gibt eine Bewertung „A / O“ -Spiele für „nur Erwachsene“ diese Spiele haben massive Gewalt oder Nacktheit. Es gibt keine Gesetze, die Kinder daran hindern, „M“ bewertete Spiele in den Vereinigten Staaten zu kaufen. In Kalifornien, Illinois, Michigan, Minnesota und Louisiana wurden Videospiele – Gesetze verboten, die Minderjährige vom Erwerb von „M“ bewerteten Spielen verbieten.

 

 

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Allerdings wurden alle mit der Begründung, dass diese Videospiele – Gesetze gegen den ersten Änderungsantrag verstoßen, Allerdings haben viele Filme, Serien und Musik – Geschäfte sich entschieden, solche Spiele sowieso nicht an Kinder zu verkaufen. Natürlich variieren Videospielgesetze von Land zu Land. Eines der umstrittensten Spiele aller Zeiten, Manhunt 2 von Rockstar Studios, erhielt eine AO-Bewertung des ESRB, bis Rockstar die Inhalte für ein reifes Publikum besser geeignet machen konnte.

Videospiel-Hersteller in der Regel üben engen Kontrolle über die Spiele, die auf ihren Systemen zur Verfügung gestellt werden, so ungewöhnliche oder Special-Interest-Spiele sind eher als PC-Spiele erscheinen. Freie, Gelegenheitsspiele und Browser-basierte Spiele sind in der Regel auf verfügbaren Computern, Handys oder PDAs gespielt.

 

 

 

PEGI – Videospiele Kinder wie lange

 

 

 

Pan European Game Information (PEGI) ist ein System, das entwickelt wurde, um die Spielbewertung in ganz Europa zu standardisieren (nicht nur die Europäische Union, obwohl die Mehrheit EU-Mitglieder sind), die derzeitigen Videospiele – Mitglieder sind: alle EU-Mitglieder außer Deutschland und den 10 Beitrittsstaaten; Norwegen; Schweiz. Island wird voraussichtlich bald beitreten, ebenso wie die 10 EU-Beitrittsstaaten. Für alle PEGI-Mitglieder verwenden sie es als einziges Filme, Serien und Musik – System, mit Ausnahme des Vereinigten Königreichs, wo, wenn ein Spiel bestimmte Materialien enthält, es von BBFC bewertet werden muss. Die PEGI-Ratings sind in Wien rechtsverbindlich und es ist eine Straftat, ein Spiel an jemanden zu verkaufen, wenn es über ihrem Alter bewertet wird.

 

 

 

Wie lange dürfen Kinder Videospiele spielen?

 

 

 

 

Strengere Spielregeln bedeuten, dass Deutschland nicht im PEGI tätig ist. Stattdessen übernehmen sie ihr eigenes Zertifizierungssystem, das gesetzlich vorgeschrieben ist. Die Unterhaltungssoftware Selbstkontrolle prüft jedes Spiel vor der Videospiele – Freigabe und weist ihr eine Alterseinstufung zu – entweder keine (weiß), 6 Jahre (gelb), 12 Jahre (grün), 16 Jahre Alter (blau) oder 18 Jahre (rot). Es ist für jedermann, Einzelhändler, Freunde oder Eltern verboten, einem Kind Zugang zu einem Spiel zu gewähren, für das er minderjährig ist. Wird ein Spiel als jugendgefährdend eingestuft (z. B. wegen extrem gewalttätiger, pornografischer oder rassistischer Inhalte), so kann es an die BPjM (Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien) verwiesen werden Um sie auf den Index zu legen, auf dem das Spiel nicht öffentlich verkauft oder in den offenen Medien beworben werden darf. Solche indizierten Filme, Serien und Musik – Titel sind nicht „verboten“ und können noch rechtmäßig von Erwachsenen erhalten, aber es gilt als ein Verbrechen, diese Titel an ein Kind zu liefern.

 

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Videospiel-Industrie – Die Liste der meistverkauften Videospiele und Golden Age of Arcade-Videospiele

 

 

 

Ein Einzelhandels-Display mit einer großen Auswahl an Spielen für Filme, Serien und Musik – Plattformen beliebt in den frühen 2000er Jahren
Nach Angaben des Marktforschungsunternehmens SuperData belief sich der weltweite Spielemarkt im Mai 2015 auf USD 74,2 Milliarden. Nach Regionen entfielen Nordamerika auf 23,6 Milliarden Dollar, Asien auf 23,1 Milliarden Dollar, Europa auf 22,1 Milliarden Dollar und Südamerika auf 4,5 Milliarden Dollar. Nach Marktsegmenten waren mobile Spiele im Wert von 22,3 Milliarden Dollar, Einzelhandelsspiele 19,7 Milliarden, Free-to-Play-MMOs von 8,7 Milliarden, soziale Spiele von 7,9 Milliarden Dollar, PC DLC von 7,5 Milliarden und andere Videospiele – Kategorien von jeweils 3 Milliarden Dollar oder weniger.

 

 

 

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Auch in den USA, nach SuperData, stieg der Anteil der Videospiele im Entertainment-Markt von 5% im Jahr 1985 auf 13% im Jahr 2015 und wurde damit das drittgrößte Marktsegment hinter Rundfunk- und Kabelfernsehen. Das Forschungsunternehmen erwartete, dass Asien aufgrund des starken Wachstums von Free-to-Play- und Mobile-Spielen Nordamerika als den größten Markt für Videospiele bald überholen würde.

Der Videospiele – Verkauf von verschiedenen Arten von Spielen variieren stark zwischen den Ländern aufgrund der lokalen Vorlieben. Ein weiterer wichtiger Filme, Serien und Musik – Unterschied ist, dass trotz der Abnahme der Arkaden im Westen, Arcade-Spiele der größte Sektor der Welt bleiben Die japanische Gaming-Industrie In Südkorea, Computerspiele sind in der Regel bevorzugt über Konsolen-Spiele, vor allem MMORPG-Spiele und Echtzeit-Strategie-Spiele. Computerspiele sind auch in China beliebt.

 

 

 

Wie entstehen Videospiele?

 

 

 

Die gamescom Messe in Köln. Gaming-Konventionen sind ein wichtiges Schaufenster der Branche. Die jährliche gamescom in Köln im August ist die weltweit führende Messe für Videospiele. Die E3 im Juni in Los Angeles ist auch von globaler Bedeutung, aber eine Filme, Serien und Musik – Veranstaltung für Industrie-Insider nur. Die Tokyo Game Show im September ist die Videospiele – Hauptmesse in Asien.

 

 

 

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Weitere bedeutende Videospiele – Kongresse und Messen sind die Brasil Game Show im Oktober, die Paris Games Week im Oktober-November, die EB Games Expo (Australien) im Oktober, KRI, ChinaJoy im Juli und die jährliche Game Developers Conference.

Einige Filme, Serien und Musik – Verlage, Entwickler und Technologie-Produzenten auch Host ihre eigenen regelmäßigen Konventionen, mit BlizzCon, QuakeCon, Nvision und die X-Shows prominentesten Beispiele.

 

 

 

eSport

 

 

 

Short für elektronische Sportarten sind Videospiel-Wettbewerbe, die am meisten von Profi-Spielern einzeln oder in Teams gespielt werden, die Filme, Serien und Musik – Pupularität aus den späten 2000er Jahren erlangt haben, die gebräuchlichsten Videospiele – Genres kämpfen, First-Person-Shooter (FPS), Multiplayer-Online-Kampfarena (MOBA) Zeit-Strategie.

 

 

 

Videospiele -Museen

 

 

 

Spielkonsolen im Computerspiele-Museum in Berlin. Es gibt viele Videospiel-Museen auf der ganzen Welt, darunter das Computerspiele-Museum in Berlin und das Videospiele – Museum der sowjetischen Arcade-Maschinen in Moskau und Sankt-Petersburg. Das Museum of Art und Digital Entertainment in Oakland, Kalifornien, ist ein eigenes Videospiel-Museum mit Filme, Serien und Musik – Schwerpunkt auf spielbaren Exponaten von Konsolen- und Computerspielen. Das Video-Spiel-Museum von Rom ist auch gewidmet, um Videospiele und ihre Geschichte zu bewahren.

 

 

Konsolenspiele

 

 

 

Das internationale Videospiele – Zentrum für die Geschichte der elektronischen Spiele an der starken in Rochester, New York enthält eine der größten Filme, Serien und Musik – Ansammlungen der elektronischen Spiele und des Spiels – in Verbindung stehende historische Materialien in der Welt, einschließlich einer Ausstellung mit 5000 Quadratfuß (460 m2), die erlaubt es uns um ihren Weg durch die Geschichte der Videospiele zu spielen. Die Smithsonian Institution in Washington, D.C. hat drei Videospiele auf permanenter Anzeige: Pac-Man, Dragon’s Lair und Pong.

 

 

 

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Das Museum für moderne Kunst hat insgesamt 20 Videospiele und eine Videospielkonsole seiner ständigen Architektur- und Design-Sammlung hinzugefügt. Im Jahr 2012 führte die Smithsonian American Art Museum eine Ausstellung über „Die Kunst der Videospiele“. Allerdings wurden die Bewertungen der Filme, Serien und Musik – Ausstellung gemischt, einschließlich der Frage, ob Videospiele in einem Kunstmuseum gehören.